Desde el rincón de Farkas

“Esta obra soy yo, personalmente, que protesta contra cualquier tipo de fascismo”

(SCHOSTAKOVICH)

Las respuestas sublimes a estímulos aversivos, de momento, están reservadas exclusivamente a los humanos y este, es el paradigma que aflora en casi toda la extensa obra de Dmitri SCHOSTAKOVICH (1906/1975).

Es necesario para calificar la figura artística de este ya clásico del siglo XX, uno dosis especial de empatía; de lo contrario nos aventuramos a caer en cualquier “partidismo” que pudiera contaminar nuestras conclusiones sobre su figura humana y artística.

Procedente de una familia acomodada económicamente, le tocó vivir la época más convulsa que sufriera su país: la Revolución de 1917 y sus posteriores desenlaces así como el cerco de Hitler a Leningrado.

En su casa se daban con frecuencia conciertos de música de cámara, creciendo por tanto en un ambiente musical, su madre además tocaba el piano y su padre, como aficionado, cantaba arias de las óperas más famosas. Con estos antecedentes no es extraño que el niño tuviera oído absoluto y brillante memoria para la música.

Temprano mostró un rasgo definitorio de su personalidad que conservaría hasta su muerte: cuando sufría una fuerte impresión reaccionaba con una respuesta musical.

Así ocurrió en 1917, los turbulentos hechos que presenció con apenas 11 años de edad, le hicieron componer para piano: una sinfonía revolucionaria y una marcha fúnebre para las víctimas de la Revolución.

A medida que crecía se agudizaba su particular rasgo y por tanto sus respuestas musicales y de esta forma surgieron obras que han pasado a la Historia de la Música con fuertes connotaciones autobiográficas fundamentadas en sus vivencias más cotidianas.

Con este guion, pensé detenerme hoy en su cuarteto núm. 8 op. 110 compuesto en 1960.

Pero, qué estímulo aversivo recibió Dmitri en 1960 para responder creativamente de forma tan sublime?

Vayamos a la Historia y en ella a su subjetiva “historia “

En 1960 dirige la Unión Soviética Nikita Jrushchov quien decide qué SCHOSTAKOVICH sea nombrado Presidente de la Unión de Compositores de la Federación de Rusia, para ello, era requisito ser afiliado al partido (algo que jamás se le pidió en 40 años), esta noticia-imposición, no entraba en los planes del compositor que sabía perfectamente el daño moral y social que le supondría tal adhesión así como la rentabilidad política del partido con su visto bueno. Sumido en un debate interno que le hizo: enfermar y derramar muchas lágrimas por la humillación que le suponía tal afiliación, da su consentimiento, huyendo así de futuras complicaciones profesionales e incluso de su integridad física.

Su respuesta emocional en forma de música fue el cuarteto núm 8 op.110 que hace poco acabo de descubrir y que se ha colado en mi cabeza a modo de “gusano musical” del que no puedo ni quiero verme libre.

Tres días invirtió Dmitri en componer esta joya de la música de cámara. En su manuscrito original hay una dedicatoria que dice: “A la memoria de las víctimas del fascismo y de la guerra “.

La dedicatoria en mi opinión da alas a la enigmática intencionalidad de su lenguaje musical: decir con sarcasmo lo contrario a lo que las personas piensan.

El tema básico del cuarteto, cuyos 5 movimientos duran poco más de 20 minutos, es como no! su firma musical, me explico:

Como hiciera en su día J S Bach, Dmitri a partir de 1953 (tercer movimiento de su décima sinfonía por primera vez) introduce un leve tema musical compuesto por las notas que siguiendo la nomenclatura alemana dan nombre a la D de Dmitri y a las tres primeras letras de su apellido SCH y así resulta: RE, MI bemol, DO y SI natural como tema musical.

No sería extraña esta manía que repito, perpetua en todas sus obras desde 1953 porque este personaje era muy obsesivo, ejemplos: sincronizaba diariamente todos los relojes de su casa, se preocupaba de forma desmesurada por la limpieza y hasta se escribía cartas asimismo al objeto de comprobar la eficacia del servicio de correos.

Es obvio que según los intereses políticos, a esta frase de Dmitri, se le ha dado el significado que ha convenido pero en lo que no hay duda es que su respuesta musical a tanta humillación contenida e incluso miedo físico se sublimó en notas musicales para la posteridad.

Con esta insistencia de su diríamos firma como tema musical en el primer movimiento del cuarteto parece querer decir: “Esta obra soy yo”

El segundo movimiento, allegro molto, viene ocupado por dos temas: su firma musical y un tema judío que ya había incluido en su segundo trío para violín, violonchelo y piano, aludiendo casi con seguridad al Holocausto y al sufrimiento de los judíos en la Unión Soviética (sus mejores amigos escritores y músicos eran judíos).

El tercer movimiento, allegretto, parece un extraño vals en el que domina su firma musical interrumpido de forma brusca por una marcha con las notas: FA, LA bemol, DO que podría entenderse siguiendo la notación alemana: F, AS, C (igual a fascismo)

El cuarto movimiento, Largo, comienza con un tema recogido en su primer concierto para violonchelo y orquesta seguido de tres notas en unísono y fortísimo que vienen a imitar los golpes que la KGB propinaba a las puertas de los domicilios de aquellos sospechosos del régimen cuando iban por ellos para fusilarlos, cosa que creía SCHOSTAKOVICH que el día menos pensado harían con el. Aparecen igualmente dos temas más, uno del canto revolucionario “Torturado a muerte en cruel cautiverio” y el otro del aria titulada: “Seriozha, querido mío” correspondiente al último acto de su extraordinaria y polémica ópera Lady Macbeth.

El quinto movimiento, Largo, está compuesto básicamente con su firma musical: RE, MI bemol, DO, SI y algunas variaciones sobre ella, terminando en un morendo impregnado de profunda tristeza.

Esta sensacional pieza de cámara se estrenó por el cuarteto Beethoven (amigos del maestro) el 2 octubre de 1960 en la sala Glinka de Leningrado y minutos antes, sentenció su autor: “Esta obra soy yo, personalmente, que protesta contra cualquier tipo de fascismo.”

Si quieres conocer la obra que requiere concentración, puedes hacerlo en YouTube a cuyo efecto te adjunto una foto para tu búsqueda.

Sofocante calor en mayo 2026

GUSTAV MAHLER

“La Música es el lenguaje del alma”

(Henry Wadsworth Longfellow)

Bajo el título: Tragedia y enigma, con la interpretación de la sexta de MAHLER durante los días 21 y 22 de mayo se cierra un miniciclo MAHLER que ha tenido lugar en Sevilla durante la temporada 25/26. Para acompañar esta trágica obra, con acierto se programaron cuatro conferencias por expertos reconocidos del país.

Y, este es el motivo que me ha impulsado a volver a mi estimado Gustav.

Me resulta difícil creer que exista alguien que jamás haya sido tentado para hacer una predicción futura, ni siquiera en tono de broma.

Pero, en esta vida, hay y hubo personas próximas a la adicción por las predicciones.

Estas personas, indudablemente reúnen características psicológicas muy particulares y requieren para su diagnóstico un profundo estudio psicológico/psiquiátrico.

Uno de ellos, es mi admirado Gustav Mahler a tenor de su historia personal y artística.

Muy pronto ya dijo: “Soy tres veces apátrida, bohemio en Austria, austriaco entre alemanes y judío en el mundo.”

Su frase, a mi juicio, dice ya algo de su ajetreada vida mental pero aquí no termina la cuestión.

Conocer la muerte de ocho de tus catorce hermanos y el suicidio de Otto a edad adulta y siendo además el que más posibilidades musicales tenía marca para toda la vida y esa “marca” es natural que permanezca presente en todas las actividades de tu vida incluyendo la profesional/artistica. Por si esta ración mortífera que recibió desde pequeño fuera poco, le tocaría conocer la más grande de todas: la muerte de su hija mayor Putzi de cinco añitos a consecuencia de difteria, una enfermedad que a principios del siglo XX arrasaba por el mundo y que personalmente padecí en 1950 pero aquí sigo para contarlo.

Durante los intentos por salvar a su hija, parece ser que en tono de broma rogó al doctor que atendía a la pequeña que le practicara un reconocimiento a él y mira por donde le encontró una gravísima afección cardíaca que le aseguraba una vida muy corta además de limitaciones físicas para el resto de su vida, algo que para un enamorado de la naturaleza suponía un desastre de considerable magnitud.

Esa es la lamentable frase que repetía en 1909, pero le echaba valor y seguía componiendo y dirigiendo.

Por si su mochila de infortunios estuviera corta, en 1907 se ve obligado a abandonar la dirección de la Ópera de Viena (a la que tanto prestigio concedió) por las constantes críticas que recibía a consecuencia de ser judío aunque para el cargo se hizo católico.

En 1907 su vida sentimental con Alma (su esposa) entra en profunda crisis hasta el punto de llegar a descubrir la infidelidad de ella con un joven arquitecto llamado Walter Gropius.

Este último acontecimiento le obligó a solicitar una entrevista a Sigmund Freud que se llevó a cabo el 26 de agosto de 1910 en la ciudad de Leiden (Países Bajos) pero ya era demasiado tarde para poner remedios al matrimonio.

Con esta maleta, repleta de muertes y profundos desagravios, tocado en lo mental pero a la misma vez sereno seguía conservando esperanza en un mundo cuyo eje central era el Amor.

Como mahleriano de medio siglo tras el, opino que en sus composiciones también existen esas predicciones en forma de notas; unas veces impregnadas de tristeza y desesperación y otras llenas de sana esperanza en el futuro por una vida mejor.

Prueba de mi argumento la tengo en la canción (lieder) con letra del poeta Ruckert a la que puso música titulada: “Perdido por el mundo” cuya traducción dice:

He venido a estar perdido para el mundo,

en el que sin embargo tanto tiempo derroche;

!hace tanto que no oye hablar de mi,

que bien puede creer que he muerto!

Me trae sin cuidado si me tiene por muerto.

Tampoco puedo negarlo en absoluto,

pues realmente estoy muerto para el mundo.

!He muerto para el bullicio del mundo y descanso en un lugar apacible!

!Vivo solo en mi cielo, en mi amor, en mi canción!

Por si la curiosidad te da un pellizco, te dejo enlace para que puedas disfrutar de la canción en interpretación de Magdalena Kozena, Orquesta del Festival de Lucerna y Claudio Abbado

http://www.lucernefestival.ch/en/shop/DVDs/lfo_abbado_kozena_mahler_no_4_rueckert_lieder

Elegí la frase inicial por coincidir con mi pensamiento sobre la Música; para MAHLER eso era también la Música: “el lenguaje del alma” y por ello sus composiciones están cargadas de intimismo pese a que algunos lo criticaron por ello.

Finalizando primavera 2026

youtube.com/watch

Efectivamente, el Teatro de la Maestranza y la Orquesta Ciudad de Granada habían acordado realizar un proyecto de ópera sin escenario (ópera en concierto) que se llevaría a cabo en 2026.

La obra elegida fue “El barbero de Sevilla “ en la versión de Giovanni Pasiello y las fechas de interpretación: 8 de mayo en Granada (Auditorio Manuel de Falla) y 10 de mayo en Sevilla (Teatro de la Maestranza)

En la ocasión, preferí asistir a la de Sevilla por razones de distancia.

Según mis informaciones los dos eventos consiguieron total aforo en cada una de las salas; en Sevilla agotándose las localidades muchos días previos a la cita señalada.

De ambos conciertos se ha ocupado la crítica musical en una docena de recensiones (entre diarios de prensa y revistas especializadas de música) . Todas estas reseñas sin excepción, coinciden en que este proyecto musical ha obtenido un éxito rotundo tanto de asistentes como de excelencia musical por parte de músicos e intérpretes de voz. Los asistentes en ambas salas así lo corroboran también ya que en las dos ciudades se aplaudió de forma enfervorizada.

Para mí, este manifiesto éxito se basa: en la acertada elección de la partitura que se interpretaba y en la calidad que mostraron la OCG y todos los solistas de voz.

Me sorprendió gratamente en Sevilla ver caras jóvenes entre el público por lo general excesivamente veterano, este público en la ocasión fue muy respetuoso, apenas “toses” y sin golpes por caída de bolsos.

Los asistentes a estos dos conciertos, esperamos y confiamos visto el resultado de esta primera experiencia positiva que ambas instituciones sigan dialogando y estudiando repetir en la inminente temporada 26/27 este magnífico proyecto.

No olvidemos que Sevilla es sede de gran cantidad de guiones operísticos y todos ellos muy famosos luego explotemos este hecho en favor de ofrecer al público andaluz las maravillas musicales que grandes genios en su día dedicaron a la ciudad.

Me parecería muy oportuno invitar a este proyecto a la ROSS y a los coros de la Maestranza y de la OCG en Granada con esta enorme plantilla se podrían llevar a cabo programas de ingente calidad y nosotros, los oyentes, lo celebraríamos con especial atención porque la MÚSICA lo merece.

Habréis observado que por razones obvias no he mencionado de forma particular al Director de ambos conciertos prefiero que lo hagan otras personas y para ello inserto esta captura del Diario de Sevilla:

Primavera fresquita de 2026

Casi toda la temporada 25/26 ha sobrevolado el espiritu de Mahler por encima de la Alhambra, el Generalife y la Casa Museo de Don Manuel de Falla con el Auditorio incluido.

Ya lo decía MAHLER, sobretodo a su fiel Bruno Walter: “que su tiempo llegará… que en menos de 50 años después de su muerte, las salas de todo el mundo se llenarán de público para: aplaudir, reír y llorar con sus sinfonías”

Y, como ocurría casi siempre con sus predicciones, esta también se ha cumplido exactamente como decía.

Resulta imposible negar que, a punto de cumplirse 115 años de su muerte (18.05.1911) programar en cualquier lugar del mundo un trabajo suyo es sinónimo de gran expectación con total asistencia de público.

Todo lo anterior, ha sucedido en “Garnata” ( así llamaban los árabes a nuestra Granada) durante esta temporada a punto de finalizar.

Programar en una ciudad como esta, con su orquesta al frente: la quinta,la tercera, la cuarta con los Ruckert-lieder, el Adagio de la décima y La Canción de la Tierra en un ciclo MAHLER, es para mí un acto de enorme valor profesional teniendo en consideración las exigencias técnicas de todas las obras citadas.

Como descarado mahleriano que me considero desde hace medio siglo, no podía estar ausente en estas cuatro citas; por otra parte desde que se creó la orquesta conservo muy buenos amigos entre sus atriles, profesionales que en el presente ciclo han puesto toda su alma y su buen hacer musical para que estos conciertos coronaran un rotundo éxito.

Imposible también obviar el excelente recogimiento del público granadino que cada tarde llenaba la sala; ni la más minima “tos” ni caídas al suelo de objetos ruidosos, etc. algo que, lamentablemente, no observo en otras salas españolas.

Por razones obvias que saben quienes me conocen, me abstengo de hacer crítica a este ciclo mahleriano/granadino, además no es mi profesión crítico musical, pero sí puedo decir que, a la finalización de cada uno de los conciertos el “respetable” asistente a los mismos, se pronunciaba conforme salía de la sala con frases muy elogiosas a todos los intérpretes.

Igualmente, todas las recensiones que se han ido generando en diferentes medios y revistas especializadas de música, se pronunciaron muy favorablemente en cada uno de los conciertos.

El agotado espíritu de MAHLER ha sobrevolado a otro de los muchos lugares del mundo a los que tiene que acudir, porque raro es el día que sus tristes o alegres notas no suenan en algún lugar del planeta.

Visto y oído lo interpretado esta temporada en Granada, me resultaría muy extraño que, en la inminente temporada 26/27 (próxima a presentarse) no estuviera presente MAHLER en las cercanías de la Alhambra, si así fuera no te lo pierdas, porque se grabará en tus neuronas para siempre además de haber disfrutado de una estancia en una de las ciudades más bellas del mundo.

Primavera 2026

“La Música anestesia la infelicidad”

(CIORAN)

Supongo, que si es un poquito observador, se habrá percatado al entrar en la sala de conciertos llamados “clásicos “ que más del 90 por ciento de las personas asistentes superan la edad de 45 años.

De persistir esta situación, en 10 o 12 años más,gran parte de nuestras orquestas españolas corren el peligro de desaparecer, porque los gobernantes (del signo que sean) se encargarán de no apoyar actividades de escasa relevancia para los ciudadanos existiendo otras necesidades materiales para la población.

Las orquestas españolas, conscientes de este grave problema, hace años se pusieron las pilas y comenzaron a llevar a cabo proyectos con el fin de reducir, en lo posible, esta gran amenaza. Conciertos para escolares, reduciendo el precio de las entradas a menores de 30 años, etc.

La ROSS, aplicada en esta tarea, comenzó un proyecto que con toda seguridad proporcionará una vinculación mucho mayor de la sociedad a su institución musical.

El proyecto citado lleva el nombre: “Canta con la ROSS”.

Consiste en programar un concierto durante la temporada en el que se invita a la ciudadanía a participar de forma activa en una gran masa coral que interpreta junto con la orquesta un programa previamente seleccionado. Para ello, se hace una convocatoria con el fin de que las personas interesadas se sometan a una breve prueba de afinación que, una vez superada irá acompañada de un calendario para los ensayos correspondientes.

El pasado año se programó con este fin la novena sinfonía de Beethoven siendo un éxito notable; este año le toca turno a la ópera y serán los famosos coros de : Carmen, Nabucco, Turandot, Il Trovatore, Aida, etc los que den contenido a un programa que con toda seguridad hará las delicias de los oyentes y componentes del coro; en breves fechas se presentará la Temporada 26/27 y por consiguiente el contenido del proyecto “Canta con la ROSS” para 2027.

A nadie escapa que este proyecto tiene una firme vocación de ampliación en la captación de nuevo público porque, cómo resistirse a no ver cantar a tus familiares o vecinos? Y, una vez allí la música y el canto se encargan de despertar tus emociones, de ofrecerte la belleza de los cálidos sonidos en directo, cuestión que difiere enormemente a disfrutarlos en una fría pantalla por buena que esta sea.

Tengo la absoluta certeza de que este proyecto conseguirá su objetivo, renovando un público muy castigado ya por los años.

Los conciertos de la presente edición tendrán lugar los días: 15, 16 y 17 del próximo mes de julio en el Teatro de la Maestranza.

Finalizo recordando la frase inicial de Cioran; cuando te llegue un mal momento, de esos inevitables de la vida, acude a tu amiga la Música (sea del estilo que te guste) porque ella anestesiará tu dolor con toda seguridad y serás con su ayuda una persona diferente.

https://youtu.be/4c2X70YNqBg?is=Gxe0EHmp-r9Jkv8U

Mientras,te dejo ese enlace para que disfrutes con la ROSS y mi estimado MAHLER.

Linda primavera de 2026

“Es tan hermosa la vida, poder vivirla mil veces! Pero no una vida tranquila, siento que no estoy hecho para eso.”

(L. van Beethoven)

Toda la razón le asistió a Don Luis para pronunciar la frase con la que comienzo este post.

Si, porque nada más nacer comenzaron los sinsabores de su corta vida (57 años).

Su padre Johann, muy pronto como consecuencia de un alcoholismo notable, comenzó a tratarlo excesivamente duro y déspota tratándose como era un niño de tan solo 3 años. Para coronar su vida de intensos despropósitos, le llegó lo peor que puede sufrir un músico: “la sordera”.

Todas las orquestas del mundo ultiman la programación que deberán presentar durante la inminente primavera bajo el título: Temporada 26-27.

Pero, resulta que el 26 de marzo 2027 se cumplirán 200 años del fallecimiento de Don Luis y con tal motivo es y debe ser imposible obviar este dato y no dedicar programas especiales a esta enorme figura que cambió la Música para siempre.

Le encantaba a Don Luis en sus ratos libres saborear el buen vino y precisamente sus últimas palabras antes de perder la conciencia están relacionadas con su exquisito paladar porque el escritor Tim Blanning en su magnífico trabajo “El triunfo de la Música “ dice que Don Luis dijo:

“Lastima, lastima…Demasiado tarde”

Era su lógica reacción al anuncio de su asistente de que había llegado el regalo desde Maguncia de una caja de su vino favorito.

Espero y confío en que las orquestas del mundo, los conservatorios, escuelas de música e instituciones estatales o privadas del mundo de la música tengan un trato especial para esta luctuosa efeméride porque Don Luis (el divino sordo) como algunos en Viena le llamaron, así lo merece.

Igualmente confío en que nosotros los oyentes de su gran legado musical, estemos con él acudiendo a cuantos actos se organicen en las proximidades de nuestro entorno social, disfrutaremos de su música y aprenderemos más sobre este valiente que puso cara a todos los sinsabores de su vida.

Utilizo otra vez otro de sus grandes pensamientos:

“No solo cultive su arte, sino penetre en él hasta lo más profundo: merece la pena, porque solo el arte y la ciencia elevan a la humanidad hasta lo divino.”

(Esto dijo Don Luis a uno de sus alumnos)

Por último, puede que os interese saber qué obra de todas las que compuso le gustaba más a Don Luis:

Era una de su última etapa, el cuarteto núm 14 opus 131 que posteriormente fue adaptado por su belleza a orquesta de cuerdas por Mitropoulos y que Leonard Bernstein grabó con la Filarmónica de Viena; preguntado con posterioridad Bernstein sobre sus grabaciones dijo que esta obra era su preferida de todas las que había grabado.

https://youtu.be/JE_crvhG3Co?si=SNfi9RUYSP39czbO

Próximo a cumplirse 12 añitos desde que el presente blog se dejara leer en redes sociales por quienes así lo estimaron oportuno, y porque algunos de sus asiduos lectores así me lo piden, pretendo contarles hoy quién fue Farkas.

Probablemente este pastor, llamado así no hubiera pasado a la historia musical sin el apoyo de MAHLER porque fue este compositor el que con notable cariño lo menciona en sus gratos recuerdos.

Como saben, Gustav Mahler (1860/1911) fue un excelente Director de Orquesta que finalizadas las temporadas de conciertos (al comenzar el verano) se retiraba a lugares estratégicos por su naturaleza para dar “riendas sueltas” a su imponente imaginación creativa/compositiva que exigía total ausencia de ruidos callejeros.

Uno de esos lugares frecuentados en épocas estivales era a las orillas del lago Worthersee (sur austriaco) que además de lugar idílico y silencioso le permitía practicar la natación, el remo y largos paseos en bici.

Henry-Louis de la Grange, para mí uno de los mejores biógrafos de MAHLER por la abundancia de datos sobre su persona y sus familiares/amigos, cita textualmente en su libro las siguientes palabras de Gustav:

“Son las seis de la mañana. He estado en el prado, sentado en el pasto junto a Farkas, el pastor, escuchando el sonido de su caramillo. Ay, que triste y sin embargo apasionado éxtasis palpitaba en su melodía popular!”

El caramillo que menciona es un instrumento de viento, precursor del Oboe con sonido agudo hecho de caña y propio de los pastores que hasta ellos los fabricaban.

A dos conclusiones alcanzo con la presente cita de MAHLER:

-el cariño que el compositor invertiría en el Oboe recogido en gran parte de sus obras concediéndole además solos de gran valor y belleza, ejemplo en La Canción de la Tierra;

-la incorporación en sus obras reiteradas melodías populares como hacía Farkas para amenizar a su ganado.

No hay duda para mí que, algunas de las melodías populares que en plena naturaleza austriaca oía Mahler de Farkas le inspiraron para algunas de las obras de su amplio catálogo de este ilustre judío que a pesar de sus reiterados fracasos no cesaba de decir: “ Mi tiempo llegará” y claro, llegó y hoy en tono de “broma” muestro como su rostro marca el tiempo de uno de sus seguidores en mi estudio.

«La música llena el alma con miles de cosas mejores que las palabras»      (Felix Mendelssohn)

El próximo junio se cumplirán 186 años desde que Félix Mendelssohn (1809/1847) compusiera su segunda sinfonía que tituló “Lobgesang” (Canto de alabanza) con el fin de celebrar el 400 aniversario de la invención de la imprenta por Gutenberg.

En todo el mundo viene ocurriendo algo inusual con esta para mí, obra de arte. Y es, la escasa interpretación que de ella hacen todas las orquestas del mundo motivo por el cual he recordado al comienzo la fecha de su gestación 1840.

Se me ocurre, que esta notoria ausencia pudiera deberse al coste económico que supone su interpretación: no cuesta lo mismo hacer la sinfonía “italiana” que esta porque requiere 3 solistas y un coro mixto. Ocurre lo mismo con la 9@ de Beethoven que siendo la más importante de su serie no es en cambio la más interpretada dado su elevado coste de solistas y gran coro. Una pena que ocurra esto, pero…

Como dice el programa que inserto, el 9 y 10 de abril tendrá lugar este acertado estreno dedicado íntegramente a los hermanos Fanny y Felix Mendelssohn con los solistas y coro mixto que se citan. La sinfonía que cierra el concierto tiene una duración aproximada entre 65 y 70 minutos en función del tratamiento del director y en ella se observan dos partes: la primera consta de un Allegro, Allegretto y Adagio, todo para orquesta la segunda está formada por corales y arias para los solistas acompañados por la orquesta. Los primeros compases que abren la obra son los que la cierran.

Si, por las razones que sean, no puedes asistir a este interesante estreno en Sevilla y te gustaría conocer la obra entonces te sugiero que entres en YouTube y busques la versión de Ricardo Chailly al frente de la Gewandhausorchester de Leipzig, no te defraudará con toda seguridad.

Finalizo en la confianza de que Andalucía dará excelente acogida a este estreno y que sus intérpretes estarán a la altura del acontecimiento.

Marzo 2026

“En ocasiones la música tiene el poder de reavivar los recuerdos con tal intensidad que a uno hasta le duele el corazón”

(H. Murakami en “Hombres sin mujeres”)

Si hacemos un repaso a nuestra vida, esa que ya hemos vivido, nos percataremos que cualquier época de ella está profundamente unida a un tipo de música, a una canción o a una melodía que nos ayuda a recordar y nos acompaña desde la infancia hasta la madurez, sonorizando, podríamos decir, nuestro desarrollo en la sociedad.

Pero, por qué es esto así en todas las culturas y en todos los humanos?

Según los investigadores de este campo, porque la música es totalmente diferente en su forma de archivarse en el cerebro, hay lugares en el cerebro en los que solo se guardan sonidos y si estos son agradables por su naturaleza o porque vayan acompañados de imágenes con fuerte matiz emocional entonces no hay quien pueda con ellos, ni siquiera el Alzheimer como ya fue demostrado.

Parece ser que a partir de las 24 semanas el feto comienza a oír pero distinguiendo ya los diferentes timbres de quienes hablan, cantan o reproducen música y estas posibles audiciones, si los padres han tenido la paciencia de facilitarlas, contribuirán a que ese nuevo ser, cuando nazca, siga recordando y distinguiendo los diferentes sonidos hechos música que le llegaron siendo un feto.

Esto, que puede parecer raro, se sometió a investigación en el Reino Unido y para ello, colocaron a diferentes niños de corta edad entre dos altavoces, uno de ellos reproduciendo música que sus padres les ponían cuando eran fetos y el otro altavoz reproducía una música que jamás habían escuchado. Todos los niños sin excepción giraban sus cabecitas hacia el altavoz en el que sonaban sus músicas, el otro altavoz no conseguía ninguna mirada.

Para asegurar el diagnóstico del experimento captaron niños que en sus etapas de fetos, sus padres no les pusieron asiduamente música y el resultado fue que estos niños igual giraban sus cabezas a ambos altavoces, sin fijar su atención a ninguno de ellos.

Está claro pues, que la música es harto especial para los humanos sin distinción de ningún tipo excepto los llamados “amusicos” que por razones aún sin estudiarse (dado el escaso número que representan) no pueden gozar de ella.

Decía al hablar del archivo de la música en el cerebro que,cuándo va acompañada paralelamente a emociones o imágenes muy agradables, forman una huella con enormes posibilidades de que jamás desaparezca del cerebro durante toda nuestra vida por larga que esta sea.

Tengo personalmente dos casos en mi vida que jamás se me borran: uno la sensación tan maravillosa al ver y escuchar en la parroquia de mi pueblo el sonido que salía de aquellos, para mí, grandes tubos del órgano, sonidos que más tarde pude saber que eran de Juan Sebastián Bach; el otro caso ocurrió y se grabó en mis neuronas la primera vez en mi vida que bailé agarrado (como se hacía antes) a una chica de mi clase y para embellecer el recuerdo, la orquesta de turno interpretaba la canción de Peppino di Capri “Melancolía”, fue tan bello este recuerdo que la canción tiene un lugar de honor en mi discoteca.

Seguro que vosotros, los posibles lectores del presente, tendréis muchos recuerdos ligados a la música de los que no podéis desprenderse e incluso dejar de recordarlos de vez en cuando. Siendo esto así para todo el genero humano lo es también para los compositores que hacen su trabajo para nosotros los oyentes y entonces me pregunto: cómo es posible que algunos “iluminados” critiquen a estas personas por hacer en sus obras alusiones a sus recuerdos personales vividos en sus infancias?.

Mi siempre admirado Gustav Mahler fue durante su vida muy criticado por este motivo ya que en gran parte de su música hay recuerdos íntimos de su infancia y que algún día abordaré en otro trabajo.

Conclusiones de estudios recientes afirman: “la música no solo nos puede hacer mejores personas, sino que nos hace más inteligentes”. Vale entonces la pena dedicarle el tiempo posible bien sea interpretándola o escuchándola, mejor las dos cosas juntas si posible fuera; ah! Y no hace falta ser un virtuoso para ello.