Desde el rincón de Farkas

“Es tan hermosa la vida, poder vivirla mil veces! Pero no una vida tranquila, siento que no estoy hecho para eso.”

(L. van Beethoven)

Toda la razón le asistió a Don Luis para pronunciar la frase con la que comienzo este post.

Si, porque nada más nacer comenzaron los sinsabores de su corta vida (57 años).

Su padre Johann, muy pronto como consecuencia de un alcoholismo notable, comenzó a tratarlo excesivamente duro y déspota tratándose como era un niño de tan solo 3 años. Para coronar su vida de intensos despropósitos, le llegó lo peor que puede sufrir un músico: “la sordera”.

Todas las orquestas del mundo ultiman la programación que deberán presentar durante la inminente primavera bajo el título: Temporada 26-27.

Pero, resulta que el 26 de marzo 2027 se cumplirán 200 años del fallecimiento de Don Luis y con tal motivo es y debe ser imposible obviar este dato y no dedicar programas especiales a esta enorme figura que cambió la Música para siempre.

Le encantaba a Don Luis en sus ratos libres saborear el buen vino y precisamente sus últimas palabras antes de perder la conciencia están relacionadas con su exquisito paladar porque el escritor Tim Blanning en su magnífico trabajo “El triunfo de la Música “ dice que Don Luis dijo:

“Lastima, lastima…Demasiado tarde”

Era su lógica reacción al anuncio de su asistente de que había llegado el regalo desde Maguncia de una caja de su vino favorito.

Espero y confío en que las orquestas del mundo, los conservatorios, escuelas de música e instituciones estatales o privadas del mundo de la música tengan un trato especial para esta luctuosa efeméride porque Don Luis (el divino sordo) como algunos en Viena le llamaron, así lo merece.

Igualmente confío en que nosotros los oyentes de su gran legado musical, estemos con él acudiendo a cuantos actos se organicen en las proximidades de nuestro entorno social, disfrutaremos de su música y aprenderemos más sobre este valiente que puso cara a todos los sinsabores de su vida.

Utilizo otra vez otro de sus grandes pensamientos:

“No solo cultive su arte, sino penetre en él hasta lo más profundo: merece la pena, porque solo el arte y la ciencia elevan a la humanidad hasta lo divino.”

(Esto dijo Don Luis a uno de sus alumnos)

Por último, puede que os interese saber qué obra de todas las que compuso le gustaba más a Don Luis:

Era una de su última etapa, el cuarteto núm 14 opus 131 que posteriormente fue adaptado por su belleza a orquesta de cuerdas por Mitropoulos y que Leonard Bernstein grabó con la Filarmónica de Viena; preguntado con posterioridad Bernstein sobre sus grabaciones dijo que esta obra era su preferida de todas las que había grabado.

https://youtu.be/JE_crvhG3Co?si=SNfi9RUYSP39czbO

Próximo a cumplirse 12 añitos desde que el presente blog se dejara leer en redes sociales por quienes así lo estimaron oportuno, y porque algunos de sus asiduos lectores así me lo piden, pretendo contarles hoy quién fue Farkas.

Probablemente este pastor, llamado así no hubiera pasado a la historia musical sin el apoyo de MAHLER porque fue este compositor el que con notable cariño lo menciona en sus gratos recuerdos.

Como saben, Gustav Mahler (1860/1911) fue un excelente Director de Orquesta que finalizadas las temporadas de conciertos (al comenzar el verano) se retiraba a lugares estratégicos por su naturaleza para dar “riendas sueltas” a su imponente imaginación creativa/compositiva que exigía total ausencia de ruidos callejeros.

Uno de esos lugares frecuentados en épocas estivales era a las orillas del lago Worthersee (sur austriaco) que además de lugar idílico y silencioso le permitía practicar la natación, el remo y largos paseos en bici.

Henry-Louis de la Grange, para mí uno de los mejores biógrafos de MAHLER por la abundancia de datos sobre su persona y sus familiares/amigos, cita textualmente en su libro las siguientes palabras de Gustav:

“Son las seis de la mañana. He estado en el prado, sentado en el pasto junto a Farkas, el pastor, escuchando el sonido de su caramillo. Ay, que triste y sin embargo apasionado éxtasis palpitaba en su melodía popular!”

El caramillo que menciona es un instrumento de viento, precursor del Oboe con sonido agudo hecho de caña y propio de los pastores que hasta ellos los fabricaban.

A dos conclusiones alcanzo con la presente cita de MAHLER:

-el cariño que el compositor invertiría en el Oboe recogido en gran parte de sus obras concediéndole además solos de gran valor y belleza, ejemplo en La Canción de la Tierra;

-la incorporación en sus obras reiteradas melodías populares como hacía Farkas para amenizar a su ganado.

No hay duda para mí que, algunas de las melodías populares que en plena naturaleza austriaca oía Mahler de Farkas le inspiraron para algunas de las obras de su amplio catálogo de este ilustre judío que a pesar de sus reiterados fracasos no cesaba de decir: “ Mi tiempo llegará” y claro, llegó y hoy en tono de “broma” muestro como su rostro marca el tiempo de uno de sus seguidores en mi estudio.

«La música llena el alma con miles de cosas mejores que las palabras»      (Felix Mendelssohn)

El próximo junio se cumplirán 186 años desde que Félix Mendelssohn (1809/1847) compusiera su segunda sinfonía que tituló “Lobgesang” (Canto de alabanza) con el fin de celebrar el 400 aniversario de la invención de la imprenta por Gutenberg.

En todo el mundo viene ocurriendo algo inusual con esta para mí, obra de arte. Y es, la escasa interpretación que de ella hacen todas las orquestas del mundo motivo por el cual he recordado al comienzo la fecha de su gestación 1840.

Se me ocurre, que esta notoria ausencia pudiera deberse al coste económico que supone su interpretación: no cuesta lo mismo hacer la sinfonía “italiana” que esta porque requiere 3 solistas y un coro mixto. Ocurre lo mismo con la 9@ de Beethoven que siendo la más importante de su serie no es en cambio la más interpretada dado su elevado coste de solistas y gran coro. Una pena que ocurra esto, pero…

Como dice el programa que inserto, el 9 y 10 de abril tendrá lugar este acertado estreno dedicado íntegramente a los hermanos Fanny y Felix Mendelssohn con los solistas y coro mixto que se citan. La sinfonía que cierra el concierto tiene una duración aproximada entre 65 y 70 minutos en función del tratamiento del director y en ella se observan dos partes: la primera consta de un Allegro, Allegretto y Adagio, todo para orquesta la segunda está formada por corales y arias para los solistas acompañados por la orquesta. Los primeros compases que abren la obra son los que la cierran.

Si, por las razones que sean, no puedes asistir a este interesante estreno en Sevilla y te gustaría conocer la obra entonces te sugiero que entres en YouTube y busques la versión de Ricardo Chailly al frente de la Gewandhausorchester de Leipzig, no te defraudará con toda seguridad.

Finalizo en la confianza de que Andalucía dará excelente acogida a este estreno y que sus intérpretes estarán a la altura del acontecimiento.

Marzo 2026

“En ocasiones la música tiene el poder de reavivar los recuerdos con tal intensidad que a uno hasta le duele el corazón”

(H. Murakami en “Hombres sin mujeres”)

Si hacemos un repaso a nuestra vida, esa que ya hemos vivido, nos percataremos que cualquier época de ella está profundamente unida a un tipo de música, a una canción o a una melodía que nos ayuda a recordar y nos acompaña desde la infancia hasta la madurez, sonorizando, podríamos decir, nuestro desarrollo en la sociedad.

Pero, por qué es esto así en todas las culturas y en todos los humanos?

Según los investigadores de este campo, porque la música es totalmente diferente en su forma de archivarse en el cerebro, hay lugares en el cerebro en los que solo se guardan sonidos y si estos son agradables por su naturaleza o porque vayan acompañados de imágenes con fuerte matiz emocional entonces no hay quien pueda con ellos, ni siquiera el Alzheimer como ya fue demostrado.

Parece ser que a partir de las 24 semanas el feto comienza a oír pero distinguiendo ya los diferentes timbres de quienes hablan, cantan o reproducen música y estas posibles audiciones, si los padres han tenido la paciencia de facilitarlas, contribuirán a que ese nuevo ser, cuando nazca, siga recordando y distinguiendo los diferentes sonidos hechos música que le llegaron siendo un feto.

Esto, que puede parecer raro, se sometió a investigación en el Reino Unido y para ello, colocaron a diferentes niños de corta edad entre dos altavoces, uno de ellos reproduciendo música que sus padres les ponían cuando eran fetos y el otro altavoz reproducía una música que jamás habían escuchado. Todos los niños sin excepción giraban sus cabecitas hacia el altavoz en el que sonaban sus músicas, el otro altavoz no conseguía ninguna mirada.

Para asegurar el diagnóstico del experimento captaron niños que en sus etapas de fetos, sus padres no les pusieron asiduamente música y el resultado fue que estos niños igual giraban sus cabezas a ambos altavoces, sin fijar su atención a ninguno de ellos.

Está claro pues, que la música es harto especial para los humanos sin distinción de ningún tipo excepto los llamados “amusicos” que por razones aún sin estudiarse (dado el escaso número que representan) no pueden gozar de ella.

Decía al hablar del archivo de la música en el cerebro que,cuándo va acompañada paralelamente a emociones o imágenes muy agradables, forman una huella con enormes posibilidades de que jamás desaparezca del cerebro durante toda nuestra vida por larga que esta sea.

Tengo personalmente dos casos en mi vida que jamás se me borran: uno la sensación tan maravillosa al ver y escuchar en la parroquia de mi pueblo el sonido que salía de aquellos, para mí, grandes tubos del órgano, sonidos que más tarde pude saber que eran de Juan Sebastián Bach; el otro caso ocurrió y se grabó en mis neuronas la primera vez en mi vida que bailé agarrado (como se hacía antes) a una chica de mi clase y para embellecer el recuerdo, la orquesta de turno interpretaba la canción de Peppino di Capri “Melancolía”, fue tan bello este recuerdo que la canción tiene un lugar de honor en mi discoteca.

Seguro que vosotros, los posibles lectores del presente, tendréis muchos recuerdos ligados a la música de los que no podéis desprenderse e incluso dejar de recordarlos de vez en cuando. Siendo esto así para todo el genero humano lo es también para los compositores que hacen su trabajo para nosotros los oyentes y entonces me pregunto: cómo es posible que algunos “iluminados” critiquen a estas personas por hacer en sus obras alusiones a sus recuerdos personales vividos en sus infancias?.

Mi siempre admirado Gustav Mahler fue durante su vida muy criticado por este motivo ya que en gran parte de su música hay recuerdos íntimos de su infancia y que algún día abordaré en otro trabajo.

Conclusiones de estudios recientes afirman: “la música no solo nos puede hacer mejores personas, sino que nos hace más inteligentes”. Vale entonces la pena dedicarle el tiempo posible bien sea interpretándola o escuchándola, mejor las dos cosas juntas si posible fuera; ah! Y no hace falta ser un virtuoso para ello.

“De mi modo de tocar emana cierta magia que no puedo describir.”

(Niccolo Paganini)

Me resultaría extraño que jamás en su vida haya oído el nombre de Paganini.

Este famosísimo violinista y compositor nacido en Génova (1782) y fallecido en Niza (1840) fue uno de los primeros exponentes de lo que hoy, hemos dado en llamar “el mundo de los fans”; revolucionó las audiencias musicales de los siglos XVIII y XIX por verle en escena con su largo arco y su violín.

Si su tipo poseía curioso atractivo para las masas de oyentes, mucho más atractivo era verle desplegar en escena su omnipotente técnica musical; se cuenta que en ocasiones salía al escenario con 3 cuerdas rotas y con 1 solamente hacía el deleite de todos los concurrentes.

En su faceta de compositor se mostraba tan celoso y precavido que, cuando en los conciertos se interpretaban obras suyas una vez terminadas el mismo acudía a todos los atriles para recoger las partituras y guardárselas, evitando así los posibles plagios que han existido y siguen existiendo en la actualidad.

Paganini siempre sintió auténtico afecto por su colega Héctor Berlioz (1803/1869) nacido en Paris y al que llegaron a llamar “el segundo Beethoven” autor de la famosa “Sinfonía Fantástica” que año tras año se sigue oyendo en todos los auditorios del mundo.

El 22 diciembre 1833 asiste Paganini en Paris a un concierto que dirigía Berlioz y al finalizar acude para presentarse a su colega. En la conversación Paganini le dijo que poseía una viola de Stradivarius y que aunque su especialidad era el violín, le gustaría me compusieras una obra en la que la viola tuviese un papel primordial como solista.

A Berlioz le encantó la idea imaginándose que su futuro intérprete sería Paganini y de inmediato prometió ponerse manos a la obra.

Pocos días después Paganini hizo entrega a Berlioz como adelanto por su trabajo la cantidad de 20.000 francos, cantidad que jamás se había pagado nunca por similar encargo musical.

Berlioz, siempre cortito de dinero, se puso a trabajar en el proyecto titulado Sinfonía de Harold en Italia, con frecuentes intervenciones de la viola solista.

Cuando finalizó el primer movimiento de la sinfonía se lo mostró a Paganini, examinado por el violinista le comentó a Berlioz que eso no era lo que él esperaba ya que había momentos en que la viola no aparecía y, cuando lo hacía le faltaba mucho virtuosismo para poder lucirse.

A finales de 1834 se estrenó la obra en Paris y fue criticada desfavorablemente por la prensa obligando al compositor a continuos retoques de mejora.

Paganini nunca la interpretó por lo que se cree que la finalidad de su encargo era fundamentalmente tener un detalle solidario con un joven Berlioz que en esos momentos lo pasaba muy mal económicamente como consecuencia de que sus obras no acaban de triunfar.

Como en la vida, en Música siempre habrá alguien que sea solidario con el compañero.

Termino con una histórica anécdota sobre Paganini:

“En 1831 un periódico musical francés decía: Paganini es el Demonio en el escenario…postrémonos ante el Demonio y adorémoslo.

(Miguel de Cervantes)

Si Don Miguel se expresó así en pleno siglo XVI que podría haber dicho en el siglo XXI?.

Si, porque aunque la música existe desde que existimos los humanos, no es menos cierto que en el siglo XVI no tenía el mismo protagonismo que tiene en nuestra sociedad actual. Pero Don Miguel se percató muy pronto del poder de la música y por eso lo dijo.

Y, lo más sorprendente es que, hoy que cierta investigación rigurosa existe sobre el tema, se llega a la conclusión que la transfiguración que origina la música no solo es aplicable a nosotros los humanos, se extiende al parecer a otros animales y a ciertas plantas. Como se sabe la materia prima de la música es el sonido y el sonido simplemente es vibración. Cuando esas vibraciones son acordes a la naturaleza de modo general, se producen en ciertos animales y plantas beneficios que generan conductas favorables para sus vidas con repercusiones en los productos que ellos generan.

Cuando las vibraciones son extremadamente exageradas provocan un retardo en su normal desarrollo que afectan además a los productos que ellos nos brindan. Ejemplo: las vaquerizas situadas en las cercanías de aeropuertos (contaminación acústica exagerada) provocan que los animales produzcan menos leche que si se encontraran en lugares naturales sin ruidos excesivos.

Y, ahora nos llega el turno a los humanos y para ello nada mejor que el texto contenido en esta foto

Este texto ya obsoleto se ha quedado corto porque la música, en la actualidad, también ha comenzado a desarrollar una importante tarea como cuidadora de nuestra salud:

Excelente terapia para enfermos de Alzheimer; excelente ayuda en quirófanos para enfermos y profesionales sanitarios; excelente aliciente en consultas de rehabilitación fisiológica; excelente motivador en gimnasios; excelente también en terapias grupales; dinamizadora para trabajos rutinarios y altamente pesados, recuérdese que hasta hace poco este tipo de trabajadores cantaban para aliviar sus pesares, en España canciones o flamenco y en Italia arias de óperas de Rossini, Verdi, etc.

Imaginaros por un momento qué sería de las fiestas (civiles o religiosas) si de repente prohibieran la utilización de la música?

Permítanme para cerrar: aférrense a la música, la que os guste, y comprobaréis como ser más felices y mejores personas y salir airosos de los sinsabores que la vida nos acarrea.

Enero 2026

«Mientras me aplaudan como virtuoso me negarán la calidad de compositor»   (LISZT)

Su padre, Adam Liszt, a punto de morir le dijo: «Tu talento te librara de cualquier imprevisto. Tu corazón es bondadoso y grande tu inteligencia. Pero temo por ti a las mujeres, que perturbarán y dominaran tu vida.» Su padre, cargado de conocimiento e intuición, veía con claridad el futuro de su hijo.

En su larga carrera profesional (teniendo en cuenta la época) se distinguen dos etapas: la dedicada al piano y la empleada en la composición musical alternándola con la dirección de orquestas y la enseñanza; en ambas etapas fue muy prematuro ya que su padre también componía y pronto comenzó a enseñarle el arte de componer.

Su fenotipo fue agradecido con su persona, si añadimos su asombrosa técnica pianistica al exquisito gusto musical que poesía, no había duda que todas las salas se llenaban para admirarlo e incluso si posible era arrancarle un mechón de su largo pelo rubio como recuerdo.

Al margen de lo anecdótico o fanático qué aportó Liszt al piano?

Fue el primero en colocar en el escenario el piano en ángulo recto respecto del público para que se observara su peculiar digitación. El primero en tocar de memoria todas las obras; el primero en interpretar con la tapa del piano levantada para favorecer la reverberación en toda la sala; el primero en dedicar un concierto íntegro al piano inventando el término “recital “ que sigue vigente.

Dejó un amplio catálogo de obras exclusivas para el piano. Y, con los fabricantes de pianos colaboró decididamente a la mejora del instrumento.

Como hace 139 años que murió resulta difícil hacerse una idea de cómo tocaba su piano, en esa época no existían las grabaciones, pero a modo de aproximación sugiero que si lo desean entren en YouTube y vean su obra titulada “La campanella” en la versión de Lang Lang, pudiera darse cierto parecido aunque las comparaciones sean odiosas.

Para finalizar con el virtuoso del piano, esto es lo que dijo Robert Schumann al asistir a un recital de su colega Liszt:

“Nunca he conocido a ningún artista, excepto Paganini, que posea en un grado tan elevado como Liszt esa capacidad de subyugar, elevar y dominar al público.”

Su faceta como compositor nos deja cerca de mil obras de estilos diversos: sonatas, sinfonías, poemas sinfónicos, rapsodias, misas, salmos, conciertos para piano y orquesta, oratorios, una ópera, transcripciones para piano de obras de Beethoven, Berlioz, Schubert, Rossini, Verdi y Wagner, todas estas transcripciones muy logradas.

Liszt califica sus obras como “música del porvenir “ entendiendo música nueva progresista, encaminada a superar las formas musicales tradicionales y a reflejar el espíritu intelectual, literario y filosófico de su época.

Esta nueva visión compositiva le originó muchos críticos y por ello llegó a decir durante su época de retiro en Roma:

“Mi música no gusta a los eclesiásticos y me parece heterogénea para los oídos mundanos.”

Posiblemente llevara razón y puede que por ello sus obras (de mucho mérito) no acaben de gozar de la popularidad de otros colegas suyos que continuamente están en los programas de los auditorios del mundo.

No se separaba desde temprana edad de tres libros: Fausto, La divina comedia y su Breviario, algo muy en consonancia con su personalidad.

En YouTube encontrarás muchas obras de su catálogo acércate a conocerlo y te alegrarás .

No es la primera vez que acudo a SCHUBERT en el blog y amenazo que posiblemente tampoco será la última.

Hace ya medio siglo que me atrapó y a el recurro con notable frecuencia porque toda su música [unas 1500 obras] de todo tipo: sinfonías, cuartetos, trios, sonatas, misas, canciones, marchas, fantasías, quintetos, etc, me apasionan y de alguna forma me alegran la vida.

Schubert, austriaco, nació en Viena en 1797 seis añitos después de la muerte de Mozart [1791] y 27 años después del nacimiento de Beethoven [1770] estos datos, evidentemente ocasionales, resultan muy importantes para su carrera porque durante su corta vida [31 años] tuvo que lidiar, nada más y nada menos que con la presión artística que irradiaban en toda Europa Mozart y Beethoven que quierase o no contribuian a ensombrecer su obra en esos tiempos.

Pero Schubert no se hundió por la insistente presencia de la Música de los dos fenómenos antes citados y, con imaginación, supo adaptar su producción musical a formas musicales menos en uso en la época: véase su colección de 600 canciones (lieder) con acompañamiento de piano y letras de escritores notables que siguen sin ser superadas en la actualidad.

No obstante, es lógico que a veces tendría «bajones» de autoestima profesional y puede que por ello dijera en cierta ocasión:

«Yo también espero, en secreto, que saldrá algo bueno de mi. Y sin embargo, después de Beethoven, me pregunto realmente si queda algo por hacer.»

Tu humildad, estimado Franz, te engrandece, es una pena que no hayas podido conocer el éxito que hoy tienen la mayoría de tus obras en todos los escenarios del mundo pero, desgraciadamente, así de tacaña fue la vida contigo.

Por ello, a pesar de los pesares, sigues compartiendo historia musical junto a Mozart y Beethoven.

Si me permites, a título de ejemplo te sugiero que acompañes esta lectura con la audición de los Impromtus op. 90 interpretados por la recién retirada de los escenarios Maria JOAO PIRES, en YouTube están y te garantizo de que no te defraudaran.

Por algo dijo Igor Strawinsky:

“Se duerme uno con Schubert pero despierta en el Cielo.”

«La Música da alma al universo, alas a la mente, vuelos a la imaginación, consuelo a la tristeza y vida y alegría a todas las cosas».

                         (PLATÓN)

Si la Música hace todo lo que dice Platón, yo estoy con él, y entonces, como negarse a colaborar con la Literatura en beneficio de los humanos?

Si retrocedo en el tiempo compruebo que: Schoenberg, Mahler, Strauss, Wagner, Verdi, Liszt, Beethoven, Mozart,por citar algunos, se ocuparon en ocasiones de obras literarias como soporte artístico de sus composiciones con resultados diversos.

Hoy me ocuparé de Arnold Schoenberg y su composición titulada La noche transfigurada.

Pero antes hago mías las palabras que Harvey Sachs en su extraordinario libro: «Por qué Schoenberg: su vida, su música y su importancia hoy» le dedica:

«Qué pena que el nombre de Schoenberg todavía asuste a tantos melómanos. Algunas de sus canciones podrían ser escuchadas con gran placer incluso por reaccionarios musicales si estuvieran firmadas por otro compositor».

La noche transfigurada es uno de los poemas que bajo el título  : Mujer y mundo escribió Richard Dehmel e impactó tanto a Schoenberg que decidió acompañarlo de música.

En 1899 terminó de componerlo, en principio para un sexteto de cuerdas (2 violines, 2 violas y 2 chelos) se estrenó en 1902 y posteriormente lo revisó para orquesta de cuerdas que es como más se interpreta en la actualidad.

El argumento del poema muy impactante en el siglo XIX, hoy ya ridículo, cuenta la historia de una mujer que por sus ansias de convertirse en madre queda embarazada de un hombre al que no quiere. Una noche da un paseo con un señor que le gusta y al que quiere, con gran tristeza le cuenta su desafortunada historia culpandose y declarándose infeliz para siempre. Su acompañante, enamorado también de ella, responde que no se preocupe porque aceptaría ser el padre de un hijo que sabe no es suyo.

Schoenberg, logró una partitura tan magnífica, tan pegada y descriptiva del texto del poema que al escucharla se sienten hasta los pasos de los enamorados, igualmente supo captar a la perfección con la mayor emotividad la conversación que mantenían los dos interlocutores hasta llegar a su final feliz.

Y, todo ello respetando las leyes de la armonía aún vigentes aunque en ocasiones se vislumbre su futuro tránsito a la atonalidad.

Disfruto tanto con esta obra que me lleva a conocer interpretaciones de grupos diferentes e incluso en una ocasión la disfruté en directo en la ciudad de Oporto con aceptable resultado.

Si, te encuentras dispuesto a invertir 30 minutos en ella te sugiero lo hagas en YouTube con la ORQUESTA DE CAMARA NORUEGA, demuestran que lo hacen dignamente y sin partituras. Si prefieres gastar dinero en Digital Concert (Filarmonica de Berlin) conocerás la version de su actual Director Kiril Petrenko. Te garantizo que no te arrepentirás.

https://www.rtve.es/play/audios/musica-y-significado/musica-significado-schoenberg-noche-trans-13-10-17/4256739/

De todas formas te dejo este enlace por si te apetece conocer este maravilloso trabajo sobre esta obra que hicieron: Luis Angel de Benito y Enrique Rueda.

Y no olvides ni a Platón ni a Cioran ya que este último también dijo:

“El arte anestesia la infelicidad.”

Y personalmente añado: “la música como arte transfigura nuestras emociones para nuestro bien.”

Otoño 2025

Escasos son los compositores que, catalogados por la Historia de la Música, hayan dedicado algunos de sus trabajos a recoger mediante notas musicales aspectos variados de la historia de sus pueblos.

En esto, Dmitri Shostakovich a mi juicio se lleva la medalla de oro porque en varias de sus 15 sinfonías describe como vivían sus gentes y que hacían sus representantes políticos por ellas.

Me limitaré en el presente a destacar las más claras e importantes por su específico objeto a sabiendas de que compuso otras sinfonías en las que usando la ironía recogía malestares del pueblo con sus políticos.

Usaré la fecha histórica del acontecimiento que Dmitri nos contó en forma de pentagrama:

Revolución de 1905

Aunque Dmitri nació en 1906 su padre que vivió y participó le contó lo ocurrido: una gran manifestación de obreros y campesinos acudieron a las puertas del palacio del zar Nicolás II de forma pacífica para solicitar mejoras de vida.

La guardia del zar respondió matando a miles de personas incluidos niños.

Este desafortunado hecho histórico lo llevó Dmitri al pentagrama en forma sinfonía con el núm. 11 de su catálogo.

El año 1917

Así titula su sinfonía núm. 12 que nos cuenta en forma programática los acontecimientos de la revolución rusa, es un homenaje a Lenin.

El año 1941

Ocurrió el asedio nazi a Leningrado que se prolongó durante 900 días muriendo de hambre y frío miles de personas. Dmitri se dedicó a componer su sinfonía núm. 7 titulada Leningrado estrenada durante el asedio y divulgada a través de altavoces callejeros para imprimir fortaleza a sus vecinos y desmotivar a los nazis quedando estos sorprendidos por el acontecimiento oído.

Finales de 1941

El 29/09/1941 en Kiev (en un barranco situado en las afueras de la ciudad llamado Babi Yar) los nazis, ayudados por antisemitas rusos congregaron a 33.000 judíos para matarlos.

La sinfonía con el num. 13 titulada Babi Yar por Dmitri, está estructurada en 5 movimientos con letras del poeta Yevtushenko, se trata de una denuncia contra el antisemitismo.

En estas obras hay pasajes cantados por solistas o coros de gran belleza pero si no estuvieras familiarizado con la música de Shostakovich debes tener paciencia y ser persistente hasta disfrutar con la música de uno de los más importantes sinfonistas del siglo XX, en YouTube podrás encontrar todas estas sinfonías.

Os dejo con una foto de mi personaje de hoy

Otoño 2025