Desde el rincón de Farkas

“La verdadera paciencia nace de una gran tenacidad “

(NOVALIS)

Pocos, en el mundo del Arte, han aplicado la tenacidad que argumenta Novalis en su cita.

Giuseppe Verdi, nacido en Roncole (Italia) en 1813, ya desde muy pequeño comenzó a utilizar la tenacidad cargada además de firmeza. Si, porque aunque en 1832 fue rechazado como alumno en el Conservatorio de Milán, tuvo suficientes agallas para seguir con su vocación y demostrarnos su enorme talento.

De su perfil humano destacaría su gran interés por el progreso social, la cultura, la empatía y como consecuencia de esta su enorme afán solidario en especial para los de su profesión (músicos) enorme afán general, en este sentido véase la construcción y mantenimiento de una Residencia para músicos desamparados.

Su poder creativo (entre otras 28 óperas y varias piezas religiosas) le convirtieron en uno de los grandes pilares del Romanticismo dramático y en ocasiones lo coronó como líder carismático de las reivindicaciones sociales italianas en favor de la cultura y el progreso social.

Y, precisamente en ese sentido, recuerdo ver en la pantalla del televisor como los asistentes en la Scala de Milán presenciaban un programa que dirigía Ricardo Muti y estando presente el presidente Berlusconi, entonar todo el público el “Va pensiero” de la ópera Nabucco como signo de protesta por el abandono de las políticas culturales de Berlusconi.

No pretendo cansarles con datos de su biografía sabiendo que, en internet los posibles interesados, pueden obtener su conocimiento. Pero si dejar constancia de que su cortejo fúnebre en 1901 fue el más multitudinario que ha existido en la República Italiana, además el numeroso gentío entonando al paso, como no! Su “Va pensiero “ .

El origen de su afortunado RÉQUIEM se encuentra en la naturaleza de los vínculos que lo unían a Alejandro Manzoni (poeta). Se dice que, en un encuentro que tuvieron ambos personajes en Milán en 1872 el poeta le dijo al músico: “déjame estrecharte la mano más fuerte que de costumbre, pues temo mucho que no volvamos a vernos.” Unos meses después murió a la edad de 88 años y Verdi decidió dedicarse a la composición del Réquiem para estrenarlo en el primer aniversario de la muerte de su amigo.

Esta enorme joya de la Historia de la Música, según quien la interprete puede tener una duración de más de 90 minutos; consta de siete partes bien diferenciadas: Réquiem, Dies irae, Offertorium, Sanctus, Agnus Dei, Lux Aeterna y Libérame. Su plantilla interpretativa es: gran orquesta, coro mixto lo más grande posible y cuatro solistas (tenor, bajo, soprano y mezzo).

Las gradaciones dinámicas de la obra son abundantes, acompañadas de pasajes de belleza sublime que consiguen efectos emocionales de dramatismo sobrecogedor, algo que como saben dominaba a la perfección Verdi en muchas de sus óperas. Aunque se trata de misa de difuntos, su autor hizo muy bien con no renunciar en ella a su evidente vena operística ya que esa característica le fluía por las venas.

Parece ser que, a finales de febrero de 1863, Verdi llega a Madrid para asistir al estreno de su ópera “La forza del destino” cuya primera representación había tenido lugar en San Petersburgo en noviembre 1862. En Madrid, se le ocurrió visitar Andalucía y acompañado de su esposa Giuseppina llega a Sevilla el 1 de marzo 1863 hospedándose en la pensión Londres, esta pensión más tarde se convirtió en el Hotel Inglaterra de Plaza Nueva.

La brevedad de la visita sevillana, repleta de una agenda muy intensa dejó en su cabeza un recuerdo que llevó a la ópera y por ello Sevilla (ciudad de la ópera) le dedicó esta placa que se encuentra en el Altozano.

Su obra, año tras año está presente en Sevilla, bien sea en el Teatro o en cualquier iglesia de las muchas existentes en la ciudad.

En el próximo septiembre días 17 y 18 su arte y espíritu estarán en Teatro de la Maestranza con su Réquiem, véase cartel que adjunto:

Tengo la certeza, si decides acudir, que cuando vuelvas a casa una vez visto, serás otra persona diferente porque Verdi sigue conservando ese poder, la inmediatez emocional que volcó en la partitura será la causa de tu cambio y con seguridad te digo que no te arrepentirás de haberlo conocido.

“Amo esa voz escondida por el compositor para compartirla con la audiencia”

(Leonard Bernstein)

Muy pronto, a los 7 añitos comenzó mi inacabado viaje con la compañía de A. Dvorak (1841-1904) checo de nacimiento.

Todos los fines de semana acompañaba a mis abuelos maternos a oír el programa radiofónico “Ustedes son formidables” que conducía magistralmente Alberto Oliveras, quién eligió como sintonía identificadora parte del Adagio-Allegro Molto de la sinfonía núm. 9 (del Nuevo Mundo); seguramente porque en pleno franquismo y dados los fines de su programa (altruismo/solidario) echaría en falta la necesidad de un Nuevo Mundo más justo, empatico y solidario.

Mi curiosidad musical, hizo que más tarde me interesara por saber el autor de esa para mí, sublime sintonía y, cuando comenzaron a llegar los primeros LP en formato estéreo, tuve la oportunidad de oír, por vez primera la sinfonía que temporada tras temporada suena en todas las salas del mundo y que ha hecho famoso a Antonin Dvorak.

Antonin, con algo más de 400 obras en su mochila, debe a esta sinfonía un reconocimiento universal.

Fue compuesta en 1893 en la tonalidad Mi menor durante su estancia profesional en EE UU.

Se compone de 4 movimientos: 1) Adagio-Allegro Molto, 2) Largo, 3) Scherzo Molto vivace, 4) Allegro con fuoco.

De algún modo se reconoce que el tiempo que estuvo en EE UU se refleja musicalmente en su sinfonía pero sin abandonar sus raíces checas que también son notorias.

Pero, cuando me transmuta esta bella música que como dije anteriormente escucho desde mi infancia, es cuando en el segundo movimiento el Largo, las secciones de cuerdas tras un pianisimo bestial dan entrada para que ataque el mal llamado “Corno inglés” para que cante un sublime tema que mis neuronas identifican con un posible Nuevo Mundo.

Oigo con tanta frecuencia este gran tema que he llegado a convertirlo en un “gusano musical” pero en la ocasión un “gusano” benigno que no deseo abandonar. Hasta el punto de que mi hija Maribel, conocedora de mi enfermedad, me regaló la camiseta arriba fotografiada que contiene las notas de todo el pasaje musical encomendado al instrumento.

https://youtu.be/xpPivAl9f2A?is=TA4jrQbTJuy4X5_E

Si después de haber llegado a este punto, tienes curiosidad por ver/oír este impresionante solo tocado por un gran músico como Dominik Wollemweber (Filarmónica de Berlín) ahí te dejo el enlace y verás además que, a su derecha toca el oboe Lucas Macías.

Calor insoportable este principio de Agosto 2026

«Parece que, en el Arte, cualquier metodo es bueno si arroja unos resultados positivos.»

                               (STEFAN ZWEIG)

Asistir el 16 de julio 26 en Sevilla al concierto que bajo el slogan «CANTA CON LA ROSS» tuvo lugar, ha sido el origen de que hoy me ocupe de la estereofonia, porque el Coro que en la ocasión interpretaba era tan numeroso (382) personas, que como todos no tenian espacio en el escenario mas de la mitad de sus miembros fueron ubicados en las dos terrazas laterales de la sala y claro, esto provocó constantemente, un sonido mas estereo que nunca, de forma natural, no mediatizada por la tecnologia sonora.

(PARTE DEL CORO POPULAR, LA ROSS Y EL MAESTRO)

Personalmente, contaba con diez años cuando la tecnología sonora hizo posible en el mercado la aparición de los primeros discos de vinilo en formato estéreo. Y dice la señora IA que el primer experimento tuvo lugar en 1957 sin repercusión en el mercado hasta el año siguiente.

Este avance sonoro contribuyó a mejorar las audiciones de todas las clases de músicas pero más aún de aquellas más complejas como la llamada música “clásica” por la cantidad de instrumentos y voces que en algunas obras se presentan.

Pero, puede que no supieran aquellos primeros profesionales del estéreo que 200 años antes de su excelente trabajo sonoro, hubo un señor calificado por muchos como “el padre de la Música” que, obligado por razones del espacio en iglesias, dio lugar al primer sonido estéreo.

Juan Sebastián Bach (1685-1750) compuso obras que exigen corales considerablemente numerosas de cantantes en aras de la mejor excelencia.

Y, como en algunas iglesias y en sus altares mayores no había espacio suficiente para tanto cantor, el gran maestro Bach los colocaba como podía en los laterales o pequeñas capillas y esto, en los oídos de los fieles asistentes producía un estéreo que ya nos gustaría disfrutar hoy los del siglo XXI.

Aquella calurosa tarde/noche del 16 de julio en Sevilla, me pareció de forma inconsciente, encontrarme en una iglesia luterana del norte alemán disfrutando del estéreo provocado por “el viejo peluca” como cariñosamente se le llamaba a BACH.

Espero de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla que jamás abandone este fabuloso proyecto por su gran vinculación social y porque además contribuirá a ganar socios a su causa.

Mismo calor hoy 28/7/26

En 1938 Arturo Toscanini dirigió por primera vez a la Orquesta (ocasional) Festival de Lucerna (Suiza), desde 1943 y hasta su disolución en 1993 todos los músicos eran suizos.

Con vistas a 2003, las autoridades suizas decidieron resucitar el proyecto y para ello encargan al milanés Claudio Abbado se haga responsable artístico de la Orquesta.

Abbado, recién superado un cáncer de estómago y liberado de la Filarmónica de Berlín, se pone a trabajar y dada la amistad que tenía con todos los excelentes músicos europeos decide conformar una Orquesta en la que los “Tutti” serían los miembros de la Orquesta de Cámara Gustav Mahler y los primeros atriles de las diferentes secciones solistas tan consolidados como:

Kolja Blacher, wolfran Christ, Georg Faust, Alois Poch, Emmanuel Pahud, Albrecht Mayer, Emma Achied, Sabine Mayer, Dag Jensen, Stefan Dohr, Reinhold Friedrich, Mark Templeton, Robin Haggart, Raymond Curfs y Marie-Pierre Langlamet.

Con todos estos grandes músicos el 21 de agosto 2003, con la partitura en sus atriles de la sinfonía núm. 2 de MAHLER (llamada Resurrección) volvía a la vida la Orquesta del Festival de Lucerna que se encuentra próxima a cumplir 23 años de esta nueva etapa.

En 2004 la Joven Orquesta Gustav Mahler conducida por su fundador Abbado, lleva a cabo una gira por Europa que finaliza el 14 abril 2004 en la Academia Nacional de Santa Cecilia en Roma con una grabación histórica en formato DVD de la novena sinfonía de Mahler que se ha hecho historia.

Durante la gira citada Abbado invita a varios jóvenes a formar parte de un nuevo proyecto musical que creará y llamará: Orquesta Mozart de Bologna que verá luz en noviembre 2004 en la ciudad italiana de Bologna. Entre esos músicos se encontraba Lucas Macías que no dudó en aceptar la responsabilidad de ser el oboista principal de la nueva formación.

En 2006, gracias al conocimiento profesional que Abbado adquirió sobre el oboista durante esos dos años en la Mozart, le invita a formar parte de la Lucerna Festival Orquesta en principio como oboista “tutti” para afrontar la sexta sinfonía de MAHLER y, al año siguiente, pasa a convertirse en primer oboe de la Lucerna. Desde entonces y hasta hoy, viene ejerciendo como solista de esta orquesta considerada por multitud de melómanos y críticos como la mejor del mundo en el epígrafe de ocasional dado que unicamente se reúnen para el Festival o para alguna gira esporádica.

Tras el fallecimiento de Abbado (20 enero 2014) se hace cargo del proyecto el también italiano Ricardo Chailly quien sigue al frente del mismo hasta hoy.

Muy grandes deben ser las motivaciones y recuerdos que ocupan la cabeza del oboista Lucas para después de 20 años y habiendo además ampliado su profesión como Director de Orquesta, no abandonar la Lucerna Festival Orquesta y todos los años dedicar el mes de agosto a este mundialmente conocido Festival.

Carlos Gardel en su popular canción “volver” dice que: veinte años no es nada, pero en el fondo, el propio tango transmite lo contrario y por ello, me he permitido colocar la frase titular en interrogación porque puede que al oboista que nos ocupa la nostalgia y resonancia emocional de su amigo Abbado lo retenga ahí; este pensamiento no deja de ser una presunción personal.

https://youtu.be/e3VTh86RTsI?is=lfPXkpWa6xjg86wW

Para los que jamás hayan oído esta famosa orquesta ahí tienen un enlace para hacerlo que espero os guste

Cálido verano del 2026

“Toda enfermedad es un problema musical; toda cura es una solución musical”

(Novalis)

Imposible en este momento ubicar el texto en el que encontré este aforismo de Novalis que llamó poderosamente mi atención como para pasarlo hace tiempo a mis apuntes.

Hace unos días, releyendo el extraordinario libro de David Villar (músico e investigador del sonido) titulado: “Medicina del sonido” recuperé la frase de Novalis para afrontar el presente post, en la creencia de que, lo que se dice en los capítulos del citado libro concuerda bastante con el aforismo ya citado.

La para mí estrecha relación entre enfermedad y música es tan vieja como la humanidad, creo como el naturalista británico Darwin que el ser humano inventó el lenguaje musical como instinto sexual y de paso para remediar nuestros males: cansancio, hastío, enfermedad, muerte, etc.

No podemos olvidar que la música es sonido y que la esencia del sonido es la vibración. Sabemos que al principio el sonido era muy simple y primario (choques de troncos de maderas o piedras, golpes sobre pieles de animales simulando tambores, ahuecamiento de huesos de animales simulando flautas, etc) pero poco a poco los sonidos se fueron armonizando y acoplando a otros enseres usados como instrumentos, evolucionando a lo largo de los siglos hasta llegar a la compleja música que disfrutamos en la actualidad.

Dice la ciencia que un 70 por ciento del cuerpo humano es líquido y esa misma ciencia nos dice igualmente que las vibraciones se transmiten a mayor velocidad en los líquidos, resultando entonces el cuerpo humano muy asequible a las vibraciones; no solo las recibimos por los oídos, también por la piel, los huesos, etc. cuando las ondas sonoras que nos invaden son de entre 20 y 16000 hercios de frecuencia el cuerpo humano las acepta de buen agrado y todas las células de nuestro organismo responden con absoluta normalidad sin causar ninguna disfunción; cuando el número de hercios de las vibraciones supera el límite anterior, nuestras células entran en conflicto, pudiendo, de persistir esa situación en el tiempo acabar en una enfermedad o, como dicen algunos investigadores, convirtiéndonos en seres “desafinados” y, por ello, la aplicación de vibraciones correctas nos ayudan a recuperar nuestra afinación interior retomando nuestro equilibrio físico o psíquico.

De esta forma hace ya muchos años nació una nueva especialidad encargada de curar nuestros males que hoy llamamos sonoterapia que cada día gana más adeptos y lo más importante: sin efectos secundarios para los humanos.

Personalmente puedo contar que, en cierta etapa de mi vida padecí un síndrome ciático, algo frecuente en la vida de casi todas las personas; pues durante esos meses de sufrimiento (casi 6), me ayudó mucho más la música que la medicación, claro que era una música diría que diseñada para ese tipo de trastorno físico.

Por ello, no estará muy lejano el día en que las recetas médicas ordenen sesiones de equis escuchas musicales al día y menos pastillas, cuestión que llevará fatal la industria farmacéutica tan ansiosa por dinero.

Si como dice el músico/terapeuta David Villar en su ya citado libro: “el sonido puede romper el hormigón, qué efectos puede tener este sobre los tejidos y órganos del cuerpo humano?”

Empleado, claro está, con el fin de reorganizar la salud del cuerpo para recuperar nuestra afinación y felicidad.

Y acabo con otra excelente idea que en su momento expresó Marcel Proust:

“Me preguntaba si no sería la música el ejemplo único de lo que habría podido ser la comunicación de las almas de no haberse inventado el lenguaje, la formación de las palabras, el análisis de las ideas.”

Estimado Proust, pues hoy muchos estudiosos coinciden en que esa comunicación que cita de las almas hace muchos miles de años se hacía con música, argumentando que fue la música la que hizo nacer el lenguaje.

Verano 2026

“En donde acaba la palabra empieza la Música.”

(GOETHE)

En el verano de 1910, a meses de su muerte (18.05.1911) MAHLER comenzó a trabajar en la composición de su 10a. sinfonía. Muy estimulado en el momento, debido al rotundo éxito que tuvo el 12 de septiembre 1910 en Múnich dirigiendo su 8a. sinfonía llamada de los “mil” por la gran cantidad de intérpretes; teniendo al final el bonito gesto de saludar uno a uno a todos los niños de parte del numerosisimo coro.

Seguramente, dado lo culto que era, conocería la frase de GOETHE y puede que pensara que dado su grave estado, era lo mejor no abandonar la Música y disminuir la verborrea, que por otra parte nada solucionaba en su vida.

La crisis existencial tan profunda que vivía Gustav en esos meses puede que no fuera el mejor momento para forzar su inspiración musical pero él era un personaje diferente un ser único en la Historia de la Música y tenía que morir con la pluma y el papel pautado.

Y, así diseñó un plan sinfónico para su décima que estaba integrado por: Adagio, Scherzo, Purgatorio, Scherzo y Fínale.

La vida, dura con el, le negó el placer de terminar íntegramente su sinfonía pero acabó el Adagio inicial, del resto de movimientos solo pudo dejar unos bocetos que contenían lo fundamental de la obra.

El Adagio junto a los bocetos, fue la tentación de varios músicos que querían acabarla y que al final consiguieron convencer a su hija Anna para tal fin pese a la advertencia en sentido negativo de Bruno Walter (el incondicional compañero de Gustav durante muchos años).

Estos musicos empeñados en acabarla fueron: Deryck Cooke, Clinton Carpenter , Joe Weheler y Rudolf Barshai.

En la actualidad, de todas estas versiones la que más se interpreta es la de Cooke; si bien hay que decir que su 7a y esta 10a, son las menos interpretadas de todo el catálogo sinfónico de MAHLER.

En el Fínale de esta décima, de duración aproximada 30 minutos que comienza con un brusco golpe de tambor con sordina que se repite 6 veces, después de un breve y lúgubre tema que inicia la tuba y pasa a trompas y clarinete bajo, aparece un bello y triste solo de flauta principal que, como digo al principio, te desgarra el alma, este mismo tema con una modesta variación se repite por la flauta en los tristes compases que cierran la sinfonía.

Si no estás habituado a oír MAHLER anticipo lo que te ocurrirá, lo mismo que me ocurrió hace 50 años cuando terminé de oírla le comenté a la persona que me acompañaba: “esto despide un hedor a muerte de grandes dimensiones “. Si, porque la muerte fue la presencia constante en la vida de MAHLER desde niño y en ese momento su inspiración no tenía otro sendero que escribir sobre su muerte.

https://youtu.be/4fu3dqBKDxU?is=Ni23Qi2qc4hmLw9r

Te dejo este enlace por si, tentado por lo que acabas de leer, te atreves a escuchar la décima en versión de Simón Rattle, no es mi preferida pero es gratis, confío en que te afecte algo el solo de flauta.

Comienzos de junio 2026

“Esta obra soy yo, personalmente, que protesta contra cualquier tipo de fascismo”

(SCHOSTAKOVICH)

Las respuestas sublimes a estímulos aversivos, de momento, están reservadas exclusivamente a los humanos y este, es el paradigma que aflora en casi toda la extensa obra de Dmitri SCHOSTAKOVICH (1906/1975).

Es necesario para calificar la figura artística de este ya clásico del siglo XX, uno dosis especial de empatía; de lo contrario nos aventuramos a caer en cualquier “partidismo” que pudiera contaminar nuestras conclusiones sobre su figura humana y artística.

Procedente de una familia acomodada económicamente, le tocó vivir la época más convulsa que sufriera su país: la Revolución de 1917 y sus posteriores desenlaces así como el cerco de Hitler a Leningrado.

En su casa se daban con frecuencia conciertos de música de cámara, creciendo por tanto en un ambiente musical, su madre además tocaba el piano y su padre, como aficionado, cantaba arias de las óperas más famosas. Con estos antecedentes no es extraño que el niño tuviera oído absoluto y brillante memoria para la música.

Temprano mostró un rasgo definitorio de su personalidad que conservaría hasta su muerte: cuando sufría una fuerte impresión reaccionaba con una respuesta musical.

Así ocurrió en 1917, los turbulentos hechos que presenció con apenas 11 años de edad, le hicieron componer para piano: una sinfonía revolucionaria y una marcha fúnebre para las víctimas de la Revolución.

A medida que crecía se agudizaba su particular rasgo y por tanto sus respuestas musicales y de esta forma surgieron obras que han pasado a la Historia de la Música con fuertes connotaciones autobiográficas fundamentadas en sus vivencias más cotidianas.

Con este guion, pensé detenerme hoy en su cuarteto núm. 8 op. 110 compuesto en 1960.

Pero, qué estímulo aversivo recibió Dmitri en 1960 para responder creativamente de forma tan sublime?

Vayamos a la Historia y en ella a su subjetiva “historia “

En 1960 dirige la Unión Soviética Nikita Jrushchov quien decide qué SCHOSTAKOVICH sea nombrado Presidente de la Unión de Compositores de la Federación de Rusia, para ello, era requisito ser afiliado al partido (algo que jamás se le pidió en 40 años), esta noticia-imposición, no entraba en los planes del compositor que sabía perfectamente el daño moral y social que le supondría tal adhesión así como la rentabilidad política del partido con su visto bueno. Sumido en un debate interno que le hizo: enfermar y derramar muchas lágrimas por la humillación que le suponía tal afiliación, da su consentimiento, huyendo así de futuras complicaciones profesionales e incluso de su integridad física.

Su respuesta emocional en forma de música fue el cuarteto núm 8 op.110 que hace poco acabo de descubrir y que se ha colado en mi cabeza a modo de “gusano musical” del que no puedo ni quiero verme libre.

Tres días invirtió Dmitri en componer esta joya de la música de cámara. En su manuscrito original hay una dedicatoria que dice: “A la memoria de las víctimas del fascismo y de la guerra “.

La dedicatoria en mi opinión da alas a la enigmática intencionalidad de su lenguaje musical: decir con sarcasmo lo contrario a lo que las personas piensan.

El tema básico del cuarteto, cuyos 5 movimientos duran poco más de 20 minutos, es como no! su firma musical, me explico:

Como hiciera en su día J S Bach, Dmitri a partir de 1953 (tercer movimiento de su décima sinfonía por primera vez) introduce un leve tema musical compuesto por las notas que siguiendo la nomenclatura alemana dan nombre a la D de Dmitri y a las tres primeras letras de su apellido SCH y así resulta: RE, MI bemol, DO y SI natural como tema musical.

No sería extraña esta manía que repito, perpetua en todas sus obras desde 1953 porque este personaje era muy obsesivo, ejemplos: sincronizaba diariamente todos los relojes de su casa, se preocupaba de forma desmesurada por la limpieza y hasta se escribía cartas asimismo al objeto de comprobar la eficacia del servicio de correos.

Es obvio que según los intereses políticos, a esta frase de Dmitri, se le ha dado el significado que ha convenido pero en lo que no hay duda es que su respuesta musical a tanta humillación contenida e incluso miedo físico se sublimó en notas musicales para la posteridad.

Con esta insistencia de su diríamos firma como tema musical en el primer movimiento del cuarteto parece querer decir: “Esta obra soy yo”

El segundo movimiento, allegro molto, viene ocupado por dos temas: su firma musical y un tema judío que ya había incluido en su segundo trío para violín, violonchelo y piano, aludiendo casi con seguridad al Holocausto y al sufrimiento de los judíos en la Unión Soviética (sus mejores amigos escritores y músicos eran judíos).

El tercer movimiento, allegretto, parece un extraño vals en el que domina su firma musical interrumpido de forma brusca por una marcha con las notas: FA, LA bemol, DO que podría entenderse siguiendo la notación alemana: F, AS, C (igual a fascismo)

El cuarto movimiento, Largo, comienza con un tema recogido en su primer concierto para violonchelo y orquesta seguido de tres notas en unísono y fortísimo que vienen a imitar los golpes que la KGB propinaba a las puertas de los domicilios de aquellos sospechosos del régimen cuando iban por ellos para fusilarlos, cosa que creía SCHOSTAKOVICH que el día menos pensado harían con el. Aparecen igualmente dos temas más, uno del canto revolucionario “Torturado a muerte en cruel cautiverio” y el otro del aria titulada: “Seriozha, querido mío” correspondiente al último acto de su extraordinaria y polémica ópera Lady Macbeth.

El quinto movimiento, Largo, está compuesto básicamente con su firma musical: RE, MI bemol, DO, SI y algunas variaciones sobre ella, terminando en un morendo impregnado de profunda tristeza.

Esta sensacional pieza de cámara se estrenó por el cuarteto Beethoven (amigos del maestro) el 2 octubre de 1960 en la sala Glinka de Leningrado y minutos antes, sentenció su autor: “Esta obra soy yo, personalmente, que protesta contra cualquier tipo de fascismo.”

Si quieres conocer la obra que requiere concentración, puedes hacerlo en YouTube a cuyo efecto te adjunto una foto para tu búsqueda.

Sofocante calor en mayo 2026

GUSTAV MAHLER

“La Música es el lenguaje del alma”

(Henry Wadsworth Longfellow)

Bajo el título: Tragedia y enigma, con la interpretación de la sexta de MAHLER durante los días 21 y 22 de mayo se cierra un miniciclo MAHLER que ha tenido lugar en Sevilla durante la temporada 25/26. Para acompañar esta trágica obra, con acierto se programaron cuatro conferencias por expertos reconocidos del país.

Y, este es el motivo que me ha impulsado a volver a mi estimado Gustav.

Me resulta difícil creer que exista alguien que jamás haya sido tentado para hacer una predicción futura, ni siquiera en tono de broma.

Pero, en esta vida, hay y hubo personas próximas a la adicción por las predicciones.

Estas personas, indudablemente reúnen características psicológicas muy particulares y requieren para su diagnóstico un profundo estudio psicológico/psiquiátrico.

Uno de ellos, es mi admirado Gustav Mahler a tenor de su historia personal y artística.

Muy pronto ya dijo: “Soy tres veces apátrida, bohemio en Austria, austriaco entre alemanes y judío en el mundo.”

Su frase, a mi juicio, dice ya algo de su ajetreada vida mental pero aquí no termina la cuestión.

Conocer la muerte de ocho de tus catorce hermanos y el suicidio de Otto a edad adulta y siendo además el que más posibilidades musicales tenía marca para toda la vida y esa “marca” es natural que permanezca presente en todas las actividades de tu vida incluyendo la profesional/artistica. Por si esta ración mortífera que recibió desde pequeño fuera poco, le tocaría conocer la más grande de todas: la muerte de su hija mayor Putzi de cinco añitos a consecuencia de difteria, una enfermedad que a principios del siglo XX arrasaba por el mundo y que personalmente padecí en 1950 pero aquí sigo para contarlo.

Durante los intentos por salvar a su hija, parece ser que en tono de broma rogó al doctor que atendía a la pequeña que le practicara un reconocimiento a él y mira por donde le encontró una gravísima afección cardíaca que le aseguraba una vida muy corta además de limitaciones físicas para el resto de su vida, algo que para un enamorado de la naturaleza suponía un desastre de considerable magnitud.

Esa es la lamentable frase que repetía en 1909, pero le echaba valor y seguía componiendo y dirigiendo.

Por si su mochila de infortunios estuviera corta, en 1907 se ve obligado a abandonar la dirección de la Ópera de Viena (a la que tanto prestigio concedió) por las constantes críticas que recibía a consecuencia de ser judío aunque para el cargo se hizo católico.

En 1907 su vida sentimental con Alma (su esposa) entra en profunda crisis hasta el punto de llegar a descubrir la infidelidad de ella con un joven arquitecto llamado Walter Gropius.

Este último acontecimiento le obligó a solicitar una entrevista a Sigmund Freud que se llevó a cabo el 26 de agosto de 1910 en la ciudad de Leiden (Países Bajos) pero ya era demasiado tarde para poner remedios al matrimonio.

Con esta maleta, repleta de muertes y profundos desagravios, tocado en lo mental pero a la misma vez sereno seguía conservando esperanza en un mundo cuyo eje central era el Amor.

Como mahleriano de medio siglo tras el, opino que en sus composiciones también existen esas predicciones en forma de notas; unas veces impregnadas de tristeza y desesperación y otras llenas de sana esperanza en el futuro por una vida mejor.

Prueba de mi argumento la tengo en la canción (lieder) con letra del poeta Ruckert a la que puso música titulada: “Perdido por el mundo” cuya traducción dice:

He venido a estar perdido para el mundo,

en el que sin embargo tanto tiempo derroche;

!hace tanto que no oye hablar de mi,

que bien puede creer que he muerto!

Me trae sin cuidado si me tiene por muerto.

Tampoco puedo negarlo en absoluto,

pues realmente estoy muerto para el mundo.

!He muerto para el bullicio del mundo y descanso en un lugar apacible!

!Vivo solo en mi cielo, en mi amor, en mi canción!

Por si la curiosidad te da un pellizco, te dejo enlace para que puedas disfrutar de la canción en interpretación de Magdalena Kozena, Orquesta del Festival de Lucerna y Claudio Abbado

http://www.lucernefestival.ch/en/shop/DVDs/lfo_abbado_kozena_mahler_no_4_rueckert_lieder

Elegí la frase inicial por coincidir con mi pensamiento sobre la Música; para MAHLER eso era también la Música: “el lenguaje del alma” y por ello sus composiciones están cargadas de intimismo pese a que algunos lo criticaron por ello.

Finalizando primavera 2026

youtube.com/watch

Efectivamente, el Teatro de la Maestranza y la Orquesta Ciudad de Granada habían acordado realizar un proyecto de ópera sin escenario (ópera en concierto) que se llevaría a cabo en 2026.

La obra elegida fue “El barbero de Sevilla “ en la versión de Giovanni Pasiello y las fechas de interpretación: 8 de mayo en Granada (Auditorio Manuel de Falla) y 10 de mayo en Sevilla (Teatro de la Maestranza)

En la ocasión, preferí asistir a la de Sevilla por razones de distancia.

Según mis informaciones los dos eventos consiguieron total aforo en cada una de las salas; en Sevilla agotándose las localidades muchos días previos a la cita señalada.

De ambos conciertos se ha ocupado la crítica musical en una docena de recensiones (entre diarios de prensa y revistas especializadas de música) . Todas estas reseñas sin excepción, coinciden en que este proyecto musical ha obtenido un éxito rotundo tanto de asistentes como de excelencia musical por parte de músicos e intérpretes de voz. Los asistentes en ambas salas así lo corroboran también ya que en las dos ciudades se aplaudió de forma enfervorizada.

Para mí, este manifiesto éxito se basa: en la acertada elección de la partitura que se interpretaba y en la calidad que mostraron la OCG y todos los solistas de voz.

Me sorprendió gratamente en Sevilla ver caras jóvenes entre el público por lo general excesivamente veterano, este público en la ocasión fue muy respetuoso, apenas “toses” y sin golpes por caída de bolsos.

Los asistentes a estos dos conciertos, esperamos y confiamos visto el resultado de esta primera experiencia positiva que ambas instituciones sigan dialogando y estudiando repetir en la inminente temporada 26/27 este magnífico proyecto.

No olvidemos que Sevilla es sede de gran cantidad de guiones operísticos y todos ellos muy famosos luego explotemos este hecho en favor de ofrecer al público andaluz las maravillas musicales que grandes genios en su día dedicaron a la ciudad.

Me parecería muy oportuno invitar a este proyecto a la ROSS y a los coros de la Maestranza y de la OCG en Granada con esta enorme plantilla se podrían llevar a cabo programas de ingente calidad y nosotros, los oyentes, lo celebraríamos con especial atención porque la MÚSICA lo merece.

Habréis observado que por razones obvias no he mencionado de forma particular al Director de ambos conciertos prefiero que lo hagan otras personas y para ello inserto esta captura del Diario de Sevilla:

Primavera fresquita de 2026