Autor: desdeelrincondefarkas

En el complicado mundo de la composición musical, como en otras facetas de esta vida, encontramos de todo. Unos se dedicaron a componer para Dios, otros a divertir a la burguesía, otros a exaltar los valores naturales de sus respectivas patrias, otros a vitorear los nacionalismos, otros a remedar a los pájaros, etc., etc.

Pero, en la Historia de la Música existieron dos señores que, además de atender sus encargos porque en ellos les iba su sustento diario y las atenciones inherentes para sus vidas, siempre conservaron una intensa preocupación por aquellos que formamos el público encargado de recibir sus mensajes sonoros.

Estos señores eran F.J. HAYDN y L. van BEETHOVEN, existiendo documentos históricos que así lo demuestran:

HAYDN, en relación con el asunto dijo:

«Una voz secreta me susurraba: » Aquí abajo hay muy pocas personas felices y satisfechas; su destino es siempre el dolor y la pena. Quizás algún día tus obras serán una fuente donde los abrumados, los agobiados por preocupaciones, hallarán momentos de alivio y descanso.»

Por su parte, BEETHOVEN se expresó así:

«Desde la temprana infancia, mi anhelo de servir de cualquier manera posible por medio de mi arte a nuestra pobre humanidad doliente nunca se ha visto alterado por ningún motivo inferior, exceptuando la íntima sensación de felicidad que siempre acompaña a tales acciones.»

Seguro que habrá muchos compositores que al tomar su pluma y papel pautado habrán tenido en su conciencia la idea de compartir, de la forma más asequible y bella posible, sus mensajes con el futuro público destinatario de los mismos pero, en mis lecturas musicales, nunca hasta la fecha encontré evidencias tan firmes y concretas como las que pronunciaron estos dos gigantes de la música.

Me declaro testigo sufriente de que algunas obras de estos genios empatizan con nosotros haciéndonos que esta vida sea más feliz y armoniosa. Me gustaría que tú, tengas parecida opinión.

Cerrando el post encuentro con gran alegría esta cita de MICHAEL TIPPETT (compositor británico fallecido en 1998) que dice:

«Si la música que escribo me permite crear un mundo sonoro donde algunas personas de mi generación encuentran sosiego para su vida interior, entonces es que hago bien mi trabajo. Esta es la gran tarea: intentar transformar la vida cotidiana de las personas con un enfoque de eternidad.»

Finalizo con un recuerdo para MICHAEL TIPPETT.

Verano 2022.

El papel de la Música en Italia a mediados del siglo XIX era tan fuerte y popular que en una boda celebrada en el lago Mayor, la primera aria de Fígaro en el Barbero de Sevilla de ROSSINI sonó en el momento de la elevación de la sagrada hostia. El papel de la ópera en la sociedad italiana de la época era comparable con el del fútbol y la televisión en la época actual.

En el entierro de VERDI, celebrado el 27 de febrero de 1901, se cantó el «Va pensiero» de su ópera NABUCCO un coro formado por 820 personas, todos dirigidos por TOSCANINI.

J. HAYDN escribió un día: «si mi composición no avanza como yo deseo, empiezo a andar por mi habitación y, con el rosario en la mano, rezo varios Avemarías y pronto las ideas vuelven a mí».

Contaba F. LISZT que en sus buenos tiempos como «niño prodigio» compuso una pieza dándola a conocer y siendo recibida con paternalismo. Otro día, la volvió a tocar diciendo que era de Czerny, un compositor moderadamente conocido, y nadie prestó atención. Por último, la volvió a tocar en otra sesión diciendo que era de L. van BEETHOVEN y a todos les pareció maravillosa.

Se cuenta, que el famoso director ruso M RAVINSKI (1903-1988) al finalizar el ensayo de la séptima sinfonía de BRUCKNER dijo a sus músicos: «Esto es imposible que salga mejor otra vez, ni siquiera igual. Por tanto, no vamos a dar el concierto.» No se menciona cómo encajó el público esta firme decisión del indiscutible director.

Otoño muy seco de 2022.

 

Precisamente, en esta casita de madera situada en Toblach y en la que se retiraba GUSTAV para componer, el último verano (1910) de su vida ocurrió una anécdota que nos cuenta BRUNO WALTER en su extraordinario libro: GUSTAV MAHLER.

«Estando tranquilo en su casita, le llamó la atención un ruido incomprensible, y de repente algo «terriblemente oscuro» entró como un proyectil por la ventana; al levantarse horrorizado, Mahler se dio cuenta de que se trataba de un águila, cuyas idas y venidas desordenadas parecían llenar todo el reducido espacio. Esta espantosa aparición apenas duró nada; el águila volvió a irse tan deprisa y tan bruscamente como había entrado. Entonces, mientras Mahler, sin  fuerzas, se dejaba caer sobre el sofá, un cuervo salió de debajo de aquel mueble. El refugio musical de Mahler se había convertido en la palestra de la lucha incesante de «todos contra todos» . 

Y, Bruno Walter, después de contarla comenta en su libro: «Esta anécdota reflejaba todo el horror que le inspiraba la terrible crueldad de la naturaleza, había sido siempre la raíz misma de la profunda tristeza de su alma; este incidente la había reavivado.

Personalmente, me pregunto: ¿podría esta curiosa anécdota, cargada de simbolismo, tener su correspondencia temática en los trabajos que le ocupaban en esas fechas para su Décima sinfonía?.

Escandalosa primavera 2023 por su calor.

 

 

 

 

 

 

 

«Amigo mío, en esta tierra,

¡la suerte no me fue favorable!

(Estrofas de La Canción de la Tierra en su último movimiento «La Despedida» de G. Mahler)

Fatídico resultó 1907 para Gustav Mahler (1860-1911) por estos motivos fundamentales:

*Muerte de su hija mayor PUTZI a consecuencia de difteria.

*Diagnosticado como enfermo grave del corazón por malformación de las válvulas con retirada total de vida activa en la naturaleza (nadar, correr, paseos en bicicleta, etc.)

*Abandono de la Ópera de Viena después de 10 años como Director de la misma a causa de cansancio de críticas xenófobas (era judío) e incomprensiones de índole diversas.

*Marcha a Nueva York para seguir trabajando como Director de Orquesta.

Pese a estas graves contrariedades, a finales del verano de 1907 se embarca en la lectura de un pequeño libro que le regala su amigo Teobald Pollak (colección de poesías chinas) traducidas al alemán por Hans Bethge (quien también puso letra a la «Noche transfigurada» de A. Schönberg) y Gustav que jamás se concedió descanso en el trabajo, comenzó a componer lo que posteriormente sería: La Canción de la Tierra -sinfonía cantada para tenor, contralto o barítono-

 

(En la foto pequeña muestra del original de la partitura)

En el verano de 1908 -recordar que Mahler era compositor de «veranos» porque el resto del año lo empleaba en la Dirección de Orquesta-  terminó la orquestación y una vez acabada se la mostró en Viena a su asistente y amigo Bruno Walter a quién después de verla preguntó: ¿Se puede soportar? ¿No incitará al suicidio? y en tono de humor añadió:

«Y esto, ¿cómo se puede dirigir?  ¡Yo, desde luego no!»

Certero en sus propias auto-sentencias, no pudo dirigirla porque el 18 de mayo de 1911 murió en Viena siendo sus últimas palabras: Mozart, Mozart, Mozart. Seis meses después de su muerte el 20/11/1911 en Munich Bruno Walter la estrenó con notable éxito.

Mahler, de aspecto más bien serio y casi siempre encerrado en su íntimo mundo (la creación musical), también esporádicamente tenía sus «tintes» de humor y por ello creo que le gastaba una broma a su admirado amigo Bruno, porque ¿cómo no iba a saber Mahler qué tratamiento con la batuta había que darle a su gran obra?

Cierto es que, La Canción de la Tierra, no facilita las cosas a los directores que se atreven con ella que dicho sea de paso no abundan. Su último movimiento cercano a los 30 minutos de duración y titulado «La Despedida» contiene al menos 10 variaciones temáticas y frecuentes cambios de ritmo siendo complicado guardar el equilibrio y dar con el pulso correcto que evite molestias a las diferentes secciones orquestales de por sí muy exigidas técnicamente por la partitura.

El 18/5/2011 en la sala Philharmonie de Berlín celebró la Filarmónica el primer centenario de la muerte de Mahler y en el programa:

*Adagio de la Décima (inconclusa) y en la segunda parte La Canción de la Tierra

Las voces las ponían: Jonas Kaufmann (tenor) y Anne Sophie von Otter (mezzo)

La batuta fue la de Claudio Abbado que sorprendentemente, esta vez, sí tenía en su atril la partitura luego alguna dificultad hay.

Como asistente a dicho acto, no albergo duda de que si Mahler se hubiese encontrado presente hubiera acabado loco de alegría teniendo en cuenta la calidad que ofrecieron todos sus intérpretes. Puedes verlo en Digital Concert Filarmónica de Berlín pero, si no quieres comprar el abono puedes ver 9 minutos en youtube del citado concierto.

Concluyo con una de sus muchas frases que a lo largo de su vida le definieron:

«Se empieza siendo abatido a garrotazos para ser después transportado hacia las cimas, sobre las alas de los ángeles.»

Como siempre, cuánta razón le asistía!

Primavera 2023.

 

 

Algo parecido viene a decir la sabiduría popular sintetizada en el refranero que todos conocemos.

En la década de los noventa (en plena explosión del fenómeno tecnológico llamado C D) leí en una revista, especializada en música, la excelente acogida que había tenido un C D grabado por la firma DECCA en el que el pianista rumano RADU LUPU interpretaba los impromptus OP 90 (D 899) y OP 142 (D 935) de FRANZ SCHUBERT.

Movido por mi curiosidad musical, en cuanto tuve oportunidad me hice con un ejemplar que rápidamente impactaron mis oídos y fue tan espectacular la gozada que recibí hasta el punto de convertirla en un himno al que en casa se acudía sin faltar a una cita diaria.

La admiración hacia el trabajo artístico de RADU fue creciendo y de la misma firma discográfica adquirí los cinco conciertos para piano de BEETHOVEN acompañados de la Filarmónica de Israel y con ZUBIN MEHTA en la dirección.

Para más abundancia, no dudé en aprovechar la visita de RADU a Sevilla (Teatro de la Maestranza) dentro de un ciclo de conciertos dedicado al piano y sus intérpretes. Todas las localidades se habían agotado para presenciar en directo la excelencia artística de tan insigne músico que, como no podía ser de otra forma, nos obsequió con una buena dosis de SCHUBERT. Creo no equivocarme, observando las manifestaciones del público, que esa tarde RADU consiguió muchos seguidores en toda ANADALUCÍA porque allí estábamos de todas las provincias andaluzas y que éstos le han sido fieles hasta su muerte ocurrida el 17 de abril 2022 y no precisamente por el famoso virus.

Inevitablemente, los músicos de este perfil tarde o temprano están llamados a encontrarse porque la música actúa, creo yo, como un imán; esto es lo que sucedió entre el rumano RADU y el español LUCAS y por si fuera poco, el padrino musical de este formidable encuentro artístico-humano fue CLAUDIO ABBADO con sus orquestas: FESTIVAL DE LUCERNA Y ORQUESTA MOZART.

Desde entonces ambos artistas han mantenido una estrecha amistad en lo humano y una excelente conexión en lo artístico, como prueba fehaciente se inserta esta foto que dice bastante del cariño que se profesaban estos personajes.

Verano 2022.

«La música llena el alma con miles de cosas mejores que las palabras.»

(FELIX MENDELSSOHNN)

El Cielo, para muchas religiones es lo mismo que el Paraíso, ese figurado lugar en el que todo es perfecto y eterno.

La música, como arte producto del humano, puede también tener su Cielo y así lo creemos muchos de sus incondicionales seguidores por el mundo.

Para el filósofo EUGENIO TRÍAS, según se desprende de su extraordinario trabajo: «EL CANTO DE LAS SIRENAS», el Cielo de la música estaría formado por los Adagios: de la 9ª de BEETHOVEN, de la 9ª de BRUCKNER, 3ª, 9ª y 10ª de MAHLER y por último el de la 2ª de SCHUMANN.

Seguramente, cada uno de nosotros añadiríamos, sin al alterar nada más bien al contrario, un Adagio más. Yo, personalmente, añadiría el de la sinfonía «escocesa» de MENDELSSOHNN, el del concierto «Emperador» de BEETHOVEN así como el de su 5ª sinfonía.

Este figurado «cielo musical» unido a vuestros añadidos, aunque uniforme en su estilo (recuerdo todos Adagios) no puede ser más armonioso y melodioso, conscientemente creado por sus gestores con el ánimo de ser trascendentes y piezas fundamentales de la Historia de la Música de todo Occidente.

Os puedo garantizar, que si animados por vuestra paciencia y tiempo, hacéis una lista de estas piezas musicales con el fin de explotarlas al máximo, os identificaréis con la belleza sublime que en ocasiones se produce con la manipulación del sonido que en definitiva es el arte de los creadores musicales.

Como he dicho en otras ocasiones y a riesgo de resultar pesado: no os conforméis con cualquier interpretación de estas obras, elegid siempre las mejores versiones porque además de ser las más bellas educan mejor los oídos, siempre habrá alguien dispuesto a ayudaros si lo necesitáis y para los más iniciados, sugerirles, si no lo hubieran hecho ya, que lean las páginas del citado libro de EUGENIO TRÍAS porque enriquecerán sus conocimientos sobre este bello arte.

Como ejemplo de lo dicho, podéis entrar en youtube, escribid 2ª sinfonía de Schumann, pinchen en la que interpretan la Filarmónica de Munich con Celebidache como director y se van al minuto 21,57 del cursor porque hay comienza el célebre adagio que dura hasta el minuto 35. Gracias!

Verano 2022 (hasta las narices de calor)

«Componer no es difícil, lo complicado es dejar caer bajo la mesa las notas que son superfluas»

(J. BRAHMS)

Cuando el rey Saúl, dice la Biblia, se veía turbado mentalmente, David tomaba el arpa y le tocaba, Saúl se tranquilizaba y desaparecían sus molestias momentáneas.

Esta terapéutica acción, que ejercía la música sobre los estados ansiosos del rey Saúl y relatada por la Biblia hace muchísimos años, está en la actualidad reafirmada por trabajos de carácter científico que reconocen su valor para ayudar en trastornos mentales de sintomatología diversas.

Pero, la pregunta sería: ¿cómo es posible? y, entonces, entramos en el tema.

La palabra manipulación, coincidirán conmigo tiene en la actualidad bastantes connotaciones negativas: políticas, culturales, sindicales, sociales, etc., pero todos sabemos de su efectiva ayuda cuando se emplea con propósito positivo, en este sentido en el arte encuentra acogida favorable.

La creación musical es, a mi juicio, una apuesta por la manipulación positiva; el compositor con sus herramientas manipula: sonidos, tiempos, silencios, ritmos, fraseos, tensiones y relajaciones, etc., con el fin de concluir expectativas que contribuyan a mantener la atención de los futuros oyentes hasta concluir la historia sonora que el creador se ha propuesto contarnos. No olvidemos que una obra musical es un trabajo artístico impregnado de soledad que sólo cobra vida cuando se interpreta delante de un público.

Voces más autorizadas que la de un aficionado como yo, hace tiempo que lo expresaron:

               «Ciertas infracciones deliberadas del ritmo suelen resultar excepcionalmente hermosas y bellas.»    (C.P.E. BACH)

               «Nunca hay que olvidar que un tema, al fin y al cabo, no es más que una sucesión de notas. Basta con acelerar la dinámica para transformar la sensación emocional de esa misma sucesión de notas. Un cambio de armonía puede añadir patetismo al tema; y las mismas notas, con otro tratamiento rítmico, pueden pasar, de ser una Nana a una Canción de guerra»        (Aaron Copland)

Algunos creadores, en su afán de aportar el mayor realismo posible a la creación de expectativas, hasta se permitieron crear nuevos instrumentos musicales para tal fin; ejemplos: Gustav Mahler y Richard Wagner.

Los anteriores ejemplos, junto a la inicial frase de Brahms, evidencian la manipulación afirmativa que requiere el trabajo artístico de componer música con destino a audiencias necesitadas de expectativas emocionales.

Terminando, si te apeteciera comprobar en la práctica la esencia del presente contenido, te sugiero veas/oigas la obra de I. Stravinsky «El pájaro de fuego»  pero si es posible en versión de V. Gergiev con la Filarmónica de Viena en el Festival de Salzburgo, la encontrarás en youtube y garantizado que te dejará huella.

Mahler, mi favorito «manipulador del siglo XX»

Invierno 2023.

 

Hoy, como todas las semanas, siguiendo al que considero amigo, el profesor Don Luis Angel de Benito, con su extraordinario programa «Música y significado» que se emite por Radio Clásica, me llega la siguiente noticia:

Una persona cercana a la compositora húngara/croata DORA PEJACEVIC (popularmente conocida por Comtessa Dora) llevó al compositor ARNOLD SCHÖNBERG (padre del atonalismo, dodecafonismo y puede que de otros «ismos») diversas canciones compuestas por DORA con objeto de recabar la opinión artística de ARNOLD sobre la calidad de la compositora.

Y, cuenta un biógrafo de DORA (que por cierto murió joven a los 37 años) que SCHÖNBERG, previo vistazo, manifestó que: «le parecían bien pero, que tenía grandes reservas sobre la incorporación de la mujer a las tareas de composición propias y exclusivas para los hombres.»

De ser veraz la anterior anécdota, me produce una gran confusión el comportamiento de un señor como SCHÖNBERG, del que guardo una imagen de persona avanzada para su tiempo en todas las facetas de la vida.

No obstante, ARNOLD SCHÖNBERG, aún suponiendo cierta la anécdota, te seguiré siendo fiel como compositor con algunas de tus obras y de forma especial con tu «Noche transfigurada» reconociendo que el motivo que te hizo escribir esta obra, contiene una historia que hoy no deja en buen lugar a la mujer.

Podría ser, que tu entrañable amigo GUSTAV MAHLER te inculcara esa posible fobia a las mujeres compositoras?, ya que  GUSTAV le prohibió, haciéndole firmar a su esposa ALMA seguir escribiendo música y quien sabe! si nos perdimos un gran talento para nuestro Arte.

En la foto ARNOLD SCHÖNBERG en tareas de dirección.

Invierno 2023.

 

Don LUIS BEETHOVEN considerado (como decimos en mi pueblo un excelente «mollatero» por su afición al vino) viviendo sus últimos días llegó a su casa un amigo portando una caja de excelente vino. La persona encargada de cuidar a Don Luis, aprovechó un momento de lucidez del enfermo y le dijo: » Maestro, uno de sus apreciados amigos le ha obsequiado con esta caja de vino para que la disfrute.»

El Maestro contesto: «Demasiado tarde, llega demasiado tarde hijo.»

Al francés HÉCTOR BERLIOZ le gustaba frecuentar el uso de ciertas drogas, buscaba el hombre con ello aliviar los pesares de la vida y de paso propiciar la llegada de la inspiración para la creación musical. En una de sus sesiones con el opio la inspiración le regaló toda la temática de su célebre Sinfonía Fantástica, esa que aún sigue siendo bien recibida en los auditorios de todo el mundo.

El austríaco ANTON BRUCKNER padecía de un trastorno obsesivo por los trenes y la puntualidad de sus horarios. Siendo bastante mayor le dio por cortejar jovencitas y en cierta ocasión se pasó un poquito acarreándole su conducta problemas serios con autoridades policiales.

El ruso DIMITRI SHOSTAKÓVICH era un tipo bastante maniático. Diariamente ponía todos los relojes de su casa que eran varios a la misma hora igualmente se enviaba cartas asimismo para comprobar la efectividad del servicio de correos.

El veneciano ANTONIO VIVALDI fue ordenado sacerdote por imposición familiar. Esta contrariedad tuvo un efecto psicosomático que el llamaba «mal de pecho» (síntomas respiratorios inadecuados) que utilizaba para alejarse de los altares y dedicarse a la gran pasión de su vida componer música.

El autor del famoso MESIAS G.F. HAENDEL estuvo a punto de tirar por una ventana a la soprano francesa CUZZONI por negarse la muchacha a cantar en un ensayo el aria de la ópera OTTONE.

Durante el siglo XVIII algunos de los célebre directores acostumbraban a dirigir con guantes blancos en las manos; cuando había que interpretar un REQUIEM se colocaban guantes negros.

Sentía especial motivación GAETANO DONIZZETTI eligiendo como protagonistas de sus óperas a mujeres afectadas por desordenes mentales (LUCÍA DE LAMERMOOR, ANNA BOLENA).

Hoy, no os quiero cansar más, pero amenazo con seguir pronto!

Raro verano de 2022.

 

 

 

Nueve años ya!, huérfana tu batuta de la diestra que tan hábilmente manejabas con toda la elegancia del mundo.

Nueve años ya!, tus amigos, elegidos por ti para ese gran proyecto artístico: ORQUESTA DEL FESTIVAL DE LUCERNA igualmente huérfanos de tus sobrios pero eficaces gestos (manos y cara) en pos de coronar de excelencias las grandes partituras de Mahler.

Nueve años ya!, los que nos consideramos tus seguidores, faltos de tus tímidas sonrisas cuando cualesquiera de tus preciados solistas ejecutaba un difícil pasaje a la perfección.

Nueve años ya!, añorándote tus también elegidos, miembros de tu último engendro musical: la Orquesta Mozart de Bolonia que tantos éxitos cosechó por Europa durante los diez años de tu liderazgo.

Nueve años ya!, ausentes en los escenarios diversos el riego de pétalos con que te obsequiaban tus fans del Club Abbadiani al finalizar tus interpretaciones.

Nueve años ya!, los filarmónicos berlineses privados de tu visita anual a la Philharmonie para hacer grande cualquier partitura musical encima de los atriles.

Nueve años ya!, descansando en ese bello lugar suizo elegido por tí para ello y donde precisamente Nietzsche se retiraba para dar a luz a «Así habló Zaratustra»  a la vista del lago Silvaplana ( Sils Maria ) .

CLAUDIO ABBADO,  fallecido el 20 de enero 2014 en Bolonia (Italia)

Gracias a uno de sus estimados solistas puedo insertar la presente foto.

A CLAUDIO ABBADO con ammirazione e affetto