EN MÚSICA, POR FAVOR CULTIVEN LA RESILIENCIA.

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La inminencia de un nuevo curso para los estudios de nuestro Arte por excelencia: MÚSICA, me apremia, dictado por mi propia experiencia como padre, reclamar la necesidad perentoria de aumentar el cultivo de ese atributo tan importante en la vida como es la resiliencia .

Seguro que habrá infinidad de niños y jóvenes con excelentes cualidades para el cultivo de la música, pero igualmente es muy probable que alguna materia de las que conforman el curriculum docente se “atragante”, hasta el punto de plantearse un posible abandono.

Como dice el texto de la foto que inicia el presente post, no es de recibo consentir que un pequeño contratiempo arruine nuestras posibilidades artísticas-musicales, esas que contribuirán a que seáis: más felices en vuestras vidas, más disciplinadas como personas, más humanas, más empáticas, a ganarnos con alegría nuestro sustento diario y hasta hacer más felices a los que nos rodean porque, no olvidemos, todo esto (que no es poco), puede conseguirse con la música como profesión.

La Historia de la Música, desde antes de BACH y hasta hoy, está repleta de ejemplos en los que brilla el gran poder de la resiliencia pero, ¡ojo!, ésta no se debe abandonar nunca por muy alto que pueda ser el status que alcances, ya lo decía una autoridad tan prestigiosa como Gustav Mahler“Para estar donde hay que estar, hay que ser un eterno aprendiz.”

Ánimos, suerte y emplea gran dosis de HUMILDAD!

Melómano José Mel. Macias Romero

Verano 2020.

 

LA COVID-19 Y EL FESTIVAL DE LUCERNA.

“Disfruta siempre del presente con inteligencia, de esa manera el pasado será un bello recuerdo y el futuro no se convertirá en una visión espantosa.”

(Franz Schubert)

 

En la bella Lucerna (Suiza) nació en 1938 su acreditado Festival de Música. En los jardines de la mansión que ocupaba Wagner, un enérgico TOSCANINI reunía a los mejores intérpretes del mundo configurando una orquesta que servía de soporte artístico-musical a todo el Festival.

Hace relativamente poco, 2003, un eufórico CLAUDIO ABBADO (que acababa de superar una grave enfermedad) acepta el encargo de imitar a TOSCANINI y convocar a los mejores músicos del momento y del mundo para formar una orquesta que, con las mismas intenciones de 1938, hiciera las delicias de la melomanía mundial que se da cita anualmente en la ciudad del lago.

Por si a pesar del tiempo transcurrido, con citas, grabaciones y giras hartos conocidas, existieran dudas sobre la excelencia artística de esta formación, ha tenido que ocurrir que la pandemia de la Covid-19, este fatídico verano, obligase a sus músicos a dar la cara en grupos casi camerísticos que han supuesto revalidar en directo y vía internet sus grandes potencialidades como profesionales de la más alta cualificación.

Claudio y Lucas

(Claudio Abbado y Lucas Macias comparten el momento después del concierto)

Y, sobretodo, me quedo con el concierto que celebraron el pasado 15 de agosto con un programa íntegramente dedicado a Beethoven por su 250 aniversario: concierto para piano y orquesta num. 1 con una Martha Argerich inspiradísima y la sinfonía num. 3 Eroica con tan sólo 34 músicos en escena; todos conducidos por el veterano Herbert Blomstedt que con sus 93 años cumplidos continúa en pie de guerra con una honestidad y empatía profesional al alcance de pocos.

Cierro, si me lo permiten, con dos sugerencias para los buenos melómanos: si aún no lo han hecho, acudan un año a esta importante cita, no se arrepentirán! y en youtube disponen de abundante material para disfrutar con la Luzerner Festival Orchestra.

Nota: el concierto que he citado será editado en soporte DVD no te lo pierdas cuando salga a la venta.

Melómano José Manuel Macias Romero

Verano de la mascarilla.

 

OVIEDO, UN ESPEJO MUSICAL PARA QUE SE MIRE EL RESTO DEL PAÍS.

Portada de Farkas

“Más hace el que quiere que el que puede.” 

(Del refranero popular)

 

Oviedo, preciosa ciudad del Principado de Asturias y capital del mismo, no sólo es noticia por su belleza natural y por la limpieza que en todo momento exhibe. Es noticia y destacada también por sus fuertes proyectos culturales.

Dentro de estos proyectos, ocupa un importante espacio el que se dedica al Arte de la Música. Oviedo, sede de dos orquestas: la OSPA (ORQUESTA SINFÓNICA PRINCIPADO ASTURIAS) y la OVIEDO FILARMONÍA (tutelada por el Ayuntamiento) cubren casi al completo las necesidades musicales del Principado y de la ciudad.

El trabajo artístico de estas formaciones musicales, ofrecen al asturiano y a sus innumerables visitantes una gama amplia de la oferta musical: ópera, danza, zarzuela, ciclos de conciertos, jornadas de piano (G. Iberni), conciertos para escolares, conciertos para colectivos desfavorecidos, música de cámara, música coral, música de cine, etc.

Para el desarrollo de todos estos proyectos, la ciudad cuenta con extraordinarias infraestructuras musicales siendo las más populares el Auditorio Príncipe de Asturias y el célebre Teatro Campoamor, por estos escenarios, año tras año pasan las figuras más emblemáticas de la voz, el piano así como los mejores concertistas de instrumentos diversos.

Por todas estas razones y otras de índoles diferentes, aconsejo a mis amigos melómanos que, aunque en tempo moderato, cada vez somos más hagan una visita por Uvieu que les aseguro no se arrepentirán. El programa operístico de la próxima temporada puede ser buena ocasión para ello. ANÍMATE!

Melómano José Manuel Macias Romero

Verano de la mascarilla. 

HUBO, LUEGO QUEDA.

El refranero popular, síntesis de sabiduría práctica a lo largo de miles de años, eso más o menos es lo que viene a decir que: “el que tuvo retuvo.”

Sinceramente creo que si tuviese que volver a renombrar la palabra ternura lo que mejor haría es en lugar de palabras usar imágenes y concretamente, las que se visualizan en el vídeo que abre este post acaban, como decimos en el Sur, con el cuadro.

En septiembre cumplirá 85 años SEIJI OZAWA, a el quiero dedicar estos momentos.seiji-ozawa-1

es japonés de orígenes chinos, heterodoxo en sus formas de expresión en el podio pero, como decía Stefan Zweig: “brillante en los resultados finales”; muy conocido por sus versiones de obras postrománticas para formato de gran orquesta, sin abandonar otros estilos incluido el operístico, figura destacada de la élite orquestal desde mediados del siglo XX hasta hace poco que por fuerzas mayores (confluencia de enfermedades graves) le han obligado a dejar el gran amor de su vida: la Música.

Tenía gran predilección a trabajar con los jóvenes valores y, a principios del 2000 fue invitado por Abbado a la realización de una gira con la Joven Orquesta Gustav Mahler, ella es el origen de esta foto esperando tomar un vuelo.

Seiji y Lucas

(Seiji complaciendo a los jóvenes músicos)

Si os apetece adentraros en la amplia biografía de este genial director e incluso ver sus vídeos, utilizad internet. Ozawa, con sus enfermedades, han ocasionado una estimable pérdida en el mundo de la dirección de orquesta.

Maestro, te deseamos un feliz cumpleaños y aunque apartado de tu gran pasión, que vivas muchos más y tus dolencias sean lo más dulces posibles.

Desde el rincón de Farkas

Verano de la mascarilla.

LA MÚSICA, CLAVE HACIA LA FELICIDAD.

El tren

“La música dulcificó mi enfermedad.”

(CLAUDIO ABBADO)

 

Ni es la primera vez ni será la última que trate en este blog de las bondades que, para nosotros los humanos y hasta para ciertos animales, nos dispensa la MÚSICA.

Cada día, se hace más grande el abanico de prestaciones que en la ciencia médica se le encomienda a la MÚSICA con excepcionales resultados.

Inmersos aún en esta pandemia generada por la Covid-19, hemos comprobado la enorme ayuda que este arte ha protagonizado en todos los rincones del mundo, tanto a los que hemos sufrido el confinamiento como a los enfermos hospitalizados a los que se les permitió tener un aparato reproductor de música en su habitación.

Desde que el hombre habita en este planeta, la MÚSICA le acompaña, hoy esa compañía se ha intensificado más que nunca, no hay actividad humana en la que falte su presencia. Hasta en las profesiones más delicadas se hace notar, raro es el quirófano en el que ella no tiene un destacado protagonismo: ya sea para hacer más leve el delicado trabajo de los cirujanos o para colaborar sustituyendo a la anestesia en enfermos muy concretos.

Si, hipotéticamente me traslado a la bella foto con la que encabezo esta reflexión, y me hago pasar por el Jefe de Estación, contestaría al pequeño que me interroga: “saca por favor billete para la música que seguro te llevará a un mundo mejor.”

Desde el rincón de Farkas

Verano de la mascarilla.

 

ELUDIR LO SUPERFLUO: UN ARTE, TAMBIÉN EN MÚSICA.

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(proyecto dueto Leonore-Rocco de Fidelio -Beethoven-)

Seguro que, no soy el más adecuado para afrontar el presente tema pero puede que, al sacarlo, motive a personas más capacitadas y ejercitadas en ello para abrir un adecuado debate y sacar conclusiones.

Resulta que, el hamburgués J. BRAHMS (1833) excelente seguidor del hilo sinfónico/beethoveniano,  hasta el punto de que a su 1ª sinfonía en ciertos círculos se le llegó a llamar la 10ª de BEETHOVEN , espetó en cierta ocasión:

“Componer no es difícil, lo complicado es dejar caer bajo la mesa las notas que son superfluas.”

Reconociendo, sin haber practicado la composición musical, que debe ser cierto el argumento que expone BRAHMS, pienso que, más difícil aún debe ser esa tarea o mejor arte de eludir lo superfluo cuando imperan poderosas razones y tienes que escribir música valiéndote del “sarcasmo” (caso de Shostakovich casi durante toda su vida) o como el caso de MAHLER cuya música, marcada por un intimísimo/subjetivismo le obligaba a una determinadas pautas compositivas.

De la foto que encabezo, se desprende que el Genio por excelencia BEETHOVEN era un gran avispado en este género aunque cambiaba: “el debajo de la mesa” por la propia partitura y sus borrones, por supuesto cuando te lo presentaba listo, morías de gusto.

Ah!, pero había un tal MOZART para el que no existía: “debajo de la mesa” porque este prodigio almacenaba sus notas superfluas (cuando las tenía) en su cabeza y, cuando menos lo esperas, se carga tus expectativas sobre su discurso musical, proveyéndote de un tema que no esperabas ni por asomo. Y, esa sigue siendo su grandeza.

Todo esto, pone de manifiesto la excelencia intelectual y emocional de las personas, hombres y mujeres, que un día deciden coger papel pautado y un lápiz para reflejar lo que llevan en su imaginación musical, hacernos con su arte más felices y de paso serlos ellos. Y… en ocasiones, se consigue, otras, en “el bajo de la mesa” se forma una montaña de notas porque esos días todo se ve superfluo; cosas de la VIDA y la MÚSICA.

Esta humilde reflexión,  de un simple aficionado a este gran arte , va dedicada a Don Enrique Rueda Frías, de esto sabe tela porque a esto y a otras ramas de la música dedica su vida con contrastada honradez, acierto y dosis de alegría.

José Manuel Macías Romero

Verano de la mascarilla.

 

UNA SINFONÍA PARA LA MUERTE… Y, PARA LA VIDA.

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FRANZ JOSEPH HAYDN (1732/1809) que aparece en la foto, conocido mundialmente como Joseph Haydn “padre de la sinfonía y del cuarteto de cuerdas” por el intenso y productivo trabajo que hizo en estos géneros musicales, escribió en 1772 su sinfonía num. 44 (Hoboken I/44) en la tonalidad de “mi menor”, de ella quiero ocuparme a partir de ahora.

El primer contacto que tuve con esta, para mí, maravillosa sinfonía, data del 3 de julio del año 2000. Asistía en Freiburg in Brisgovia (Alemania) al examen final de Solistas en el que intervenían: la orquesta de la Universidad, el violinista Daishin Kashimoto (hoy concertino de Filarmónica de Berlín) y Lucas Macias Navarro (oboísta, hoy Director Titular de la Oviedo Filarmonía), todos bajo la dirección de Heinz Holliger. Al margen de las obras que examinaban ante el Jurado y público que abarrotaba la sala a Daishin y a Lucas, se hallaba esta sinfonía llamada “Trauersinfonie” (sinfonía Fúnebre).

Examen Lucas

(Recuerdo sonoro del evento que cito grabado por los técnicos de la Universidad)

Desde entonces me encuentro atrapado por esta maravillosa música a la que acudo en infinidad de ocasiones y, no seré el único atrapado por ella, dado que hasta el mismo autor de la obra: Haydn, dejó dicho a sus amigos más cercanos: “les ruego que en mi funeral suene el adagio de mi sinfonía fúnebre.”

La grandeza, siempre para mí, de la composición radica en que supera la tristeza a pesar de su tonalidad menor que por regla general invita a ello; cuando la oigo se estimulan mis ganas de vivir y no de morir. Espero y deseo que si alguien se acerca a ella y en youtube hay una excelente versión de John Eliot Gardiner, le ocurra lo mismo que yo siento las reiteradas veces que la oigo.

El destino ha querido que 20 años después pueda volver a disfrutarla en directo, esta vez si la Covid me lo permite en la bella y limpia Oviedo con su magnífica orquesta y bajo la dirección Lucas Macias Navarro; por todo ello creo que es una obra para la Muerte y… para la Vida.

Aficionado José Mel. Macias Romero

Verano 2020

A. NELSONS: ESTRELLA DE LA DIRECCIÓN ACTUAL.

Nelsons

“Parece que, en el arte, cualquier método es bueno si arroja unos resultados satisfactorios.”

              (STEFAN ZWEIG)

 

Sin duda, la nueva élite de la Dirección de Orquesta tiene en ANDRIS NELSONS (1978) a uno de sus más destacados representantes.

Inició su vida musical ejerciendo como 2º trompeta en la Orquesta de la Ópera de Letonia.

Mi inacabado seguimiento a este artista comienza en 2011 viéndole un excelente trabajo con la Royal Concertgebouw Orchestra; su particular gesticulación y braceo me recordaron a su también letón profesor Maris Jansons. Pero nunca he visto esto como un lastre ya que, raro es el alumno (de la profesión que sea) que no tiene pequeñas cosas de su profesor como consecuencia lógica de años de aprendizaje.

Tratando de ser todo lo objetivo posible al abordar sus dotes personales y artísticas, he acudido a mis amistades musicales (profesionales que han trabajado con él) y estos son sus rasgos principales:

Mucho amor a la música, generosidad absoluta con sus colegas de atriles (libertad de expresión y confianza), humildad en su trato (algo difícil en los divos), mucho talento y efusiva expresividad en sus gestos.

Puede que el éxito le ha llegado muy rápidamente pero seguro que encontrará tiempo para madurar debidamente en el repertorio y seguir avanzando, ya que por todos es reconocido su afán de superación.

El crítico Lebrecht auguraba no hace mucho un panorama muy triste para la Dirección de Orquesta a consecuencia de las muertes y el envejecimiento. Qué me dice Sr. Lebrecht de Nelsons, Dudamel, Petrenko, Sokiev, Harding, etc., por citar algunos? Le parece poco sin añadir lo que viene de camino?

Como siempre en youtube puedes encontrar varios trabajos de este excelente director, siempre con las mejores orquestas del mundo que es buen ejemplo de su excelencia.

José Manuel Macias Romero

Verano de la mascarilla

¿DISCUTIDA, LA INTENCIONALIDAD DEL LENGUAJE MUSICAL DE SCHOSTAKOVICH?

Shostakovich

“Me acostaba vestido y con la maleta hecha por si golpeaban la puerta durante la madrugada.”

(Dmitri Schostakovich)

 

Pudiera ser que, Dmitri Shostakovich (1906/1975) fuese el paradigma del psicoanálisis cuando esta disciplina freudiana concluía: “ las respuestas sublimes a estímulos aversivos están reservadas, exclusivamente, para los humanos” y, por supuesto, él lo era, quizá demasiado!

Cuando de Dmitri se trata, pienso que es necesaria, a la hora de calificar su obra, una dosis especial de empatía, de lo contrario podríamos caer en la injusticia sobre su figura humana y artística.

De familia acomodada en lo económico, le tocó vivir la época más convulsa que sufriera su país: la Revolución de 1917 y sus posteriores desenlaces así como el cerco de Hitler a Leningrado.

Desde niño creció inmerso en la música: su madre tocaba el piano y su padre, como aficionado, cantaba las arias de las óperas más famosas. Estos antecedentes le reportarían: oído absoluto y brillante memoria musical, dos herramientas que, sin ser imprescindibles pero sí importantes para su profesión de músico.

Madrugó Dmitri para acuñar un rasgo muy aclaratorio de su personalidad: cuando sufría una fuerte impresión reaccionaba contundentemente con una respuesta musical.

Y así ocurrió en 1917 (los turbulentos hechos que presenció con 11 años de edad, tuvieron respuestas con la creación de una sinfonía revolucionaria y una marcha fúnebre para las víctimas de la Revolución).

A medida que crecía, se agudizaba su particular rasgo-respuesta subliminal en forma de música y así surgieron partituras que han pasado a la Historia de la Música con fuertes connotaciones autobiográficas no exentas de arte.

Pero, ¿qué estimulo tan agresivo recibió Dmitri en 1960 para responder creativamente de forma tan sublime?

Acudamos a la Historia: en 1960 dirige la Unión Soviética Nikita Jruschov quien decide que Shostakovich sea nombrado Presidente de la Unión de Compositores de la Federación de Rusia, para ello, era indispensable ser afiliado al partido (algo que jamás se le pidió en 40 años).

No entraba en los planes del compositor esta noticia/imposición, sabedor del daño moral y social que le supondría tal adhesión.

Sumido en un debate interno que le costó enfermar y derramar muchas lágrimas por la humillación que le suponía tal afiliación, da su consentimiento huyendo así de complicaciones profesionales e incluso de su integridad física.

Su respuesta a todo este revés dio luz a su cuarteto num. 8 op. 110 compuesto en tan sólo 3 días en la ciudad alemana de Dresde, una joya de su música de cámara que en su manuscrito original contiene una dedicatoria que dice: “A la memoria de las víctimas del fascismo y de la guerra.”

Para mí, esta dedicatoria da alas a la enigmática intencionalidad de su lenguaje musical: decir con sarcasmo lo contrario a lo que las gentes interpretan.

En youtube puedes encontrar excelentes trabajos sobre  este maravilloso cuarteto incluso versiones de un arreglo de Barshai para orquesta de cuerdas que contó con el visto bueno de Dmitri antes de ser publicado.

Para muchos, se ha convertido en la actualidad en el más digno heredero de Gustav Mahler y puede que en el futuro inmediato sus obras acaparen mucha más atención de la que ya gozan en todos los escenarios del mundo.

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Verano de la mascarilla.

 

 

 

 

 

 

EL SUEÑO SE REALIZÓ

Portada de Farkas

 

“La gota horada la roca.” 

(OVIDIO)

 

Hoy, Lucerne  Festival, ha republicado en facebook una foto de Tokio (año 2017) que por su simpatía, me ha hecho recordar una agradable historia que remonta a 1988.

TVE, a finales de los años 80, retransmitía todos los domingos a las 8 de la mañana conciertos en los que casi siempre aparecía la Royal Concertgebouw Orchestra dirigida por su titular en la época Riccardo Chailly. 

Fielmente, cada domingo, acompañado de Lucas que tenía 10 años, disfrutábamos del concierto. Con bastante frecuencia decía el niño: “emplearé todas mis fuerzas para algún día tocar en esta orquesta y sobre todo al lado de su primer flauta Jacques Zoon.”

En 2007, obtiene la plaza de oboe solista en su ansiada orquesta de prestigio mundial Royal Concertgebouw Orchestra de Ansterdam, pero , cuando se incorpora a esta formación musical holandesa,  ya su primer flauta Jacques no formaba parte de la misma.

Casi de inmediato, Claudio Abbado (perfecto conocedor de los mejores instrumentistas del mundo) decide incorporar a esta pareja a su recién rescatada Orquesta del Festival de Lucerna  así como a la recién creada Orquesta Mozart, y, es entonces, cuando se cumple íntegramente el sueño de un chico que desde muy temprana edad se marcó una meta y que su perseverancia fue premiada con el cumplimiento de su sueño, haciendo además realidad la frase de Ovidio.

Os dejo con la citada foto,  contando de antemano con la benevolencia de estos dos grandes intérpretes, que por cierto!, no llevan muy bien este tipo de publicidad.

 

 

 

Lucas y Jacques copia

Jose Manuel Macías Romero

Casi fin primavera 2020