Autor: desdeelrincondefarkas

Algo parecido viene a decir la sabiduría popular sintetizada en el refranero que todos conocemos.

En la década de los noventa (en plena explosión del fenómeno tecnológico llamado C D) leí en una revista, especializada en música, la excelente acogida que había tenido un C D grabado por la firma DECCA en el que el pianista rumano RADU LUPU interpretaba los impromptus OP 90 (D 899) y OP 142 (D 935) de FRANZ SCHUBERT.

Movido por mi curiosidad musical, en cuanto tuve oportunidad me hice con un ejemplar que rápidamente impactaron mis oídos y fue tan espectacular la gozada que recibí hasta el punto de convertirla en un himno al que en casa se acudía sin faltar a una cita diaria.

La admiración hacia el trabajo artístico de RADU fue creciendo y de la misma firma discográfica adquirí los cinco conciertos para piano de BEETHOVEN acompañados de la Filarmónica de Israel y con ZUBIN MEHTA en la dirección.

Para más abundancia, no dudé en aprovechar la visita de RADU a Sevilla (Teatro de la Maestranza) dentro de un ciclo de conciertos dedicado al piano y sus intérpretes. Todas las localidades se habían agotado para presenciar en directo la excelencia artística de tan insigne músico que, como no podía ser de otra forma, nos obsequió con una buena dosis de SCHUBERT. Creo no equivocarme, observando las manifestaciones del público, que esa tarde RADU consiguió muchos seguidores en toda ANADALUCÍA porque allí estábamos de todas las provincias andaluzas y que éstos le han sido fieles hasta su muerte ocurrida el 17 de abril 2022 y no precisamente por el famoso virus.

Inevitablemente, los músicos de este perfil tarde o temprano están llamados a encontrarse porque la música actúa, creo yo, como un imán; esto es lo que sucedió entre el rumano RADU y el español LUCAS y por si fuera poco, el padrino musical de este formidable encuentro artístico-humano fue CLAUDIO ABBADO con sus orquestas: FESTIVAL DE LUCERNA Y ORQUESTA MOZART.

Desde entonces ambos artistas han mantenido una estrecha amistad en lo humano y una excelente conexión en lo artístico, como prueba fehaciente se inserta esta foto que dice bastante del cariño que se profesaban estos personajes.

Verano 2022.

«La música llena el alma con miles de cosas mejores que las palabras.»

(FELIX MENDELSSOHNN)

El Cielo, para muchas religiones es lo mismo que el Paraíso, ese figurado lugar en el que todo es perfecto y eterno.

La música, como arte producto del humano, puede también tener su Cielo y así lo creemos muchos de sus incondicionales seguidores por el mundo.

Para el filósofo EUGENIO TRÍAS, según se desprende de su extraordinario trabajo: «EL CANTO DE LAS SIRENAS», el Cielo de la música estaría formado por los Adagios: de la 9ª de BEETHOVEN, de la 9ª de BRUCKNER, 3ª, 9ª y 10ª de MAHLER y por último el de la 2ª de SCHUMANN.

Seguramente, cada uno de nosotros añadiríamos, sin al alterar nada más bien al contrario, un Adagio más. Yo, personalmente, añadiría el de la sinfonía «escocesa» de MENDELSSOHNN, el del concierto «Emperador» de BEETHOVEN así como el de su 5ª sinfonía.

Este figurado «cielo musical» unido a vuestros añadidos, aunque uniforme en su estilo (recuerdo todos Adagios) no puede ser más armonioso y melodioso, conscientemente creado por sus gestores con el ánimo de ser trascendentes y piezas fundamentales de la Historia de la Música de todo Occidente.

Os puedo garantizar, que si animados por vuestra paciencia y tiempo, hacéis una lista de estas piezas musicales con el fin de explotarlas al máximo, os identificaréis con la belleza sublime que en ocasiones se produce con la manipulación del sonido que en definitiva es el arte de los creadores musicales.

Como he dicho en otras ocasiones y a riesgo de resultar pesado: no os conforméis con cualquier interpretación de estas obras, elegid siempre las mejores versiones porque además de ser las más bellas educan mejor los oídos, siempre habrá alguien dispuesto a ayudaros si lo necesitáis y para los más iniciados, sugerirles, si no lo hubieran hecho ya, que lean las páginas del citado libro de EUGENIO TRÍAS porque enriquecerán sus conocimientos sobre este bello arte.

Como ejemplo de lo dicho, podéis entrar en youtube, escribid 2ª sinfonía de Schumann, pinchen en la que interpretan la Filarmónica de Munich con Celebidache como director y se van al minuto 21,57 del cursor porque hay comienza el célebre adagio que dura hasta el minuto 35. Gracias!

Verano 2022 (hasta las narices de calor)

«Componer no es difícil, lo complicado es dejar caer bajo la mesa las notas que son superfluas»

(J. BRAHMS)

Cuando el rey Saúl, dice la Biblia, se veía turbado mentalmente, David tomaba el arpa y le tocaba, Saúl se tranquilizaba y desaparecían sus molestias momentáneas.

Esta terapéutica acción, que ejercía la música sobre los estados ansiosos del rey Saúl y relatada por la Biblia hace muchísimos años, está en la actualidad reafirmada por trabajos de carácter científico que reconocen su valor para ayudar en trastornos mentales de sintomatología diversas.

Pero, la pregunta sería: ¿cómo es posible? y, entonces, entramos en el tema.

La palabra manipulación, coincidirán conmigo tiene en la actualidad bastantes connotaciones negativas: políticas, culturales, sindicales, sociales, etc., pero todos sabemos de su efectiva ayuda cuando se emplea con propósito positivo, en este sentido en el arte encuentra acogida favorable.

La creación musical es, a mi juicio, una apuesta por la manipulación positiva; el compositor con sus herramientas manipula: sonidos, tiempos, silencios, ritmos, fraseos, tensiones y relajaciones, etc., con el fin de concluir expectativas que contribuyan a mantener la atención de los futuros oyentes hasta concluir la historia sonora que el creador se ha propuesto contarnos. No olvidemos que una obra musical es un trabajo artístico impregnado de soledad que sólo cobra vida cuando se interpreta delante de un público.

Voces más autorizadas que la de un aficionado como yo, hace tiempo que lo expresaron:

               «Ciertas infracciones deliberadas del ritmo suelen resultar excepcionalmente hermosas y bellas.»    (C.P.E. BACH)

               «Nunca hay que olvidar que un tema, al fin y al cabo, no es más que una sucesión de notas. Basta con acelerar la dinámica para transformar la sensación emocional de esa misma sucesión de notas. Un cambio de armonía puede añadir patetismo al tema; y las mismas notas, con otro tratamiento rítmico, pueden pasar, de ser una Nana a una Canción de guerra»        (Aaron Copland)

Algunos creadores, en su afán de aportar el mayor realismo posible a la creación de expectativas, hasta se permitieron crear nuevos instrumentos musicales para tal fin; ejemplos: Gustav Mahler y Richard Wagner.

Los anteriores ejemplos, junto a la inicial frase de Brahms, evidencian la manipulación afirmativa que requiere el trabajo artístico de componer música con destino a audiencias necesitadas de expectativas emocionales.

Terminando, si te apeteciera comprobar en la práctica la esencia del presente contenido, te sugiero veas/oigas la obra de I. Stravinsky «El pájaro de fuego»  pero si es posible en versión de V. Gergiev con la Filarmónica de Viena en el Festival de Salzburgo, la encontrarás en youtube y garantizado que te dejará huella.

Mahler, mi favorito «manipulador del siglo XX»

Invierno 2023.

 

Hoy, como todas las semanas, siguiendo al que considero amigo, el profesor Don Luis Angel de Benito, con su extraordinario programa «Música y significado» que se emite por Radio Clásica, me llega la siguiente noticia:

Una persona cercana a la compositora húngara/croata DORA PEJACEVIC (popularmente conocida por Comtessa Dora) llevó al compositor ARNOLD SCHÖNBERG (padre del atonalismo, dodecafonismo y puede que de otros «ismos») diversas canciones compuestas por DORA con objeto de recabar la opinión artística de ARNOLD sobre la calidad de la compositora.

Y, cuenta un biógrafo de DORA (que por cierto murió joven a los 37 años) que SCHÖNBERG, previo vistazo, manifestó que: «le parecían bien pero, que tenía grandes reservas sobre la incorporación de la mujer a las tareas de composición propias y exclusivas para los hombres.»

De ser veraz la anterior anécdota, me produce una gran confusión el comportamiento de un señor como SCHÖNBERG, del que guardo una imagen de persona avanzada para su tiempo en todas las facetas de la vida.

No obstante, ARNOLD SCHÖNBERG, aún suponiendo cierta la anécdota, te seguiré siendo fiel como compositor con algunas de tus obras y de forma especial con tu «Noche transfigurada» reconociendo que el motivo que te hizo escribir esta obra, contiene una historia que hoy no deja en buen lugar a la mujer.

Podría ser, que tu entrañable amigo GUSTAV MAHLER te inculcara esa posible fobia a las mujeres compositoras?, ya que  GUSTAV le prohibió, haciéndole firmar a su esposa ALMA seguir escribiendo música y quien sabe! si nos perdimos un gran talento para nuestro Arte.

En la foto ARNOLD SCHÖNBERG en tareas de dirección.

Invierno 2023.

 

Don LUIS BEETHOVEN considerado (como decimos en mi pueblo un excelente «mollatero» por su afición al vino) viviendo sus últimos días llegó a su casa un amigo portando una caja de excelente vino. La persona encargada de cuidar a Don Luis, aprovechó un momento de lucidez del enfermo y le dijo: » Maestro, uno de sus apreciados amigos le ha obsequiado con esta caja de vino para que la disfrute.»

El Maestro contesto: «Demasiado tarde, llega demasiado tarde hijo.»

Al francés HÉCTOR BERLIOZ le gustaba frecuentar el uso de ciertas drogas, buscaba el hombre con ello aliviar los pesares de la vida y de paso propiciar la llegada de la inspiración para la creación musical. En una de sus sesiones con el opio la inspiración le regaló toda la temática de su célebre Sinfonía Fantástica, esa que aún sigue siendo bien recibida en los auditorios de todo el mundo.

El austríaco ANTON BRUCKNER padecía de un trastorno obsesivo por los trenes y la puntualidad de sus horarios. Siendo bastante mayor le dio por cortejar jovencitas y en cierta ocasión se pasó un poquito acarreándole su conducta problemas serios con autoridades policiales.

El ruso DIMITRI SHOSTAKÓVICH era un tipo bastante maniático. Diariamente ponía todos los relojes de su casa que eran varios a la misma hora igualmente se enviaba cartas asimismo para comprobar la efectividad del servicio de correos.

El veneciano ANTONIO VIVALDI fue ordenado sacerdote por imposición familiar. Esta contrariedad tuvo un efecto psicosomático que el llamaba «mal de pecho» (síntomas respiratorios inadecuados) que utilizaba para alejarse de los altares y dedicarse a la gran pasión de su vida componer música.

El autor del famoso MESIAS G.F. HAENDEL estuvo a punto de tirar por una ventana a la soprano francesa CUZZONI por negarse la muchacha a cantar en un ensayo el aria de la ópera OTTONE.

Durante el siglo XVIII algunos de los célebre directores acostumbraban a dirigir con guantes blancos en las manos; cuando había que interpretar un REQUIEM se colocaban guantes negros.

Sentía especial motivación GAETANO DONIZZETTI eligiendo como protagonistas de sus óperas a mujeres afectadas por desordenes mentales (LUCÍA DE LAMERMOOR, ANNA BOLENA).

Hoy, no os quiero cansar más, pero amenazo con seguir pronto!

Raro verano de 2022.

 

 

 

Nueve años ya!, huérfana tu batuta de la diestra que tan hábilmente manejabas con toda la elegancia del mundo.

Nueve años ya!, tus amigos, elegidos por ti para ese gran proyecto artístico: ORQUESTA DEL FESTIVAL DE LUCERNA igualmente huérfanos de tus sobrios pero eficaces gestos (manos y cara) en pos de coronar de excelencias las grandes partituras de Mahler.

Nueve años ya!, los que nos consideramos tus seguidores, faltos de tus tímidas sonrisas cuando cualesquiera de tus preciados solistas ejecutaba un difícil pasaje a la perfección.

Nueve años ya!, añorándote tus también elegidos, miembros de tu último engendro musical: la Orquesta Mozart de Bolonia que tantos éxitos cosechó por Europa durante los diez años de tu liderazgo.

Nueve años ya!, ausentes en los escenarios diversos el riego de pétalos con que te obsequiaban tus fans del Club Abbadiani al finalizar tus interpretaciones.

Nueve años ya!, los filarmónicos berlineses privados de tu visita anual a la Philharmonie para hacer grande cualquier partitura musical encima de los atriles.

Nueve años ya!, descansando en ese bello lugar suizo elegido por tí para ello y donde precisamente Nietzsche se retiraba para dar a luz a «Así habló Zaratustra»  a la vista del lago Silvaplana ( Sils Maria ) .

CLAUDIO ABBADO,  fallecido el 20 de enero 2014 en Bolonia (Italia)

Gracias a uno de sus estimados solistas puedo insertar la presente foto.

A CLAUDIO ABBADO con ammirazione e affetto

 

 

 

«No sólo cultive su arte, sino penetre en él hasta lo más profundo: merece la pena, porque sólo el arte y la ciencia elevan a la humanidad hasta lo divino.»

(Beethoven, a un joven amigo)

Con frecuencia, dedico tiempo a fisgonear en youtube con el fin de encontrar nuevos trabajos musicales que sirvan para ensanchar mis conocimientos y obviamente disfrutarlos.

Hace un par de años, en el modo antes descrito, me encuentro con una versión para orquesta de cuerdas del cuarteto num. 14 opus 131 en do sostenido menor de L. van BEETHOVEN. Sus intérpretes, ya me auguraban como así fue, un éxito rotundo: FILARMÓNICA DE VIENA dirigida por LEONARD BERNSTEIN en el Konzerthaus vienés y en el año 1977.

Su primera visión/audición, ya me dejó «colgado» hasta el punto de colocar la pieza en mi canal(biblioteca) para disfrutarla cuantas veces quisiera que es lo que habitualmente hago desde entonces con notoria asiduidad.

Y, ha sido tan grande la huella musical que esta obra beethoveniana ha dejado en mi persona que me obliga a conocer todo lo posible sobre ella, encontrándome hasta la fecha con excelentes sensaciones que comparto con vosotros:

BEETHOVEN comenzó el cuarteto en diciembre 1825, terminado en julio 1826 y publicado en abril de 1827 después de su muerte.

El cuarteto causó el asombro de sus contemporáneos músicos:

SCHUBERT al conocerlo dijo: ¿Qué nos resta por escribir después de esto?

SCHUMANN dijo: «grandeza que ninguna palabra puede expresar»

WAGNER escribió a propósito un artículo estimando su grandeza

BEETHOVEN, personalmente, dijo que era una de sus obras favoritas

Al famoso director DIMITRI MITRÓPOULOS le entusiasmó tanto el cuarteto que se permitió hacer un pequeño arreglo del mismo para una orquesta de cuerdas de 60 músicos y esta versión es la referida al comienzo del post.

BERNSTEIN dijo después del concierto en Viena: «esta obra es mi favorita de todas mis grabaciones»

Que no son pocas!, digo yo; verlo como disfrutó interpretando esta obra, ya lo dice todo.

Como la música instrumental, sin adornos de palabras, se presta a multitud de interpretaciones en los oyentes, (todas subjetivas) me reservo las mías al ver/oír una y otra vez este cuarteto ya sea en la versión de MITRÓPOULOS o en la original de BEETHOVEN para 4 cuerdas.

Por tanto, dejo a vuestro criterio las sensaciones que podáis recibir los que optéis acercaros a esta gran obra de arte que seguro cubrirá todas vuestras expectativas.

Os dejo con la carátula de youtube para esta obra en Viena.

Otoño 2022.

La buena música está llena de casos en los que el coloquio no admite palabras porque por muy bellas y acertadas que pudieran ser, jamás podrían alcanzar el nivel y la riqueza expresiva de los sonidos bien organizados en un pentagrama. Evidente, que para conseguir esto hay que tener una pluma muy bien afilada y la mejor tinta posible, algo no muy usual y al alcance de pocos.

Ya lo dijo bien clarito GOETHE: «En donde acaba la palabra, empieza la música» y FELIX MENDELSSOHN no andaba descabellado cuando sentenció: «La música llena el alma con miles de cosas mejores que las palabras».

Es cierto que la buena música está repleta de brillantes coloquios ya sean en versión: de cámara, sinfónica u operística.

Hace unos días, acaparó mi atención el largo coloquio musical (30 minutos aproximadamente de conversación sin mediar palabras) que constituye la esencia de todo el octeto para cuerdas ( 4 violines, 2 violas y 2 chelos) opus 20 de FELIX MENDELSSOHN y, lástima que haya llegado un poco tarde a esta joya de la música de cámara.

Es increíble, que un niño de 16 años pudiera crear una pieza de cámara de tan sublime belleza y en un contexto social en el que regían: BEETHOVEN, SCHUBERT, SCHUMANN, LISZT, BERLIOZ, etc. Pero, desde pequeño este para mí ilustre músico, a pesar de su corta existencia (vivió 38 años) nunca fue debidamente reconocido en la sociedad que le tocó vivir; su música se consideraba por algunos expertos entre los que se encontraba tristemente WAGNER: falta de profundidad, facilonamente, y en definitiva poco sustanciosa.

A falta de un análisis más pormenorizado que no estoy preparado para emprender, me da la impresión personal que el peso que ejercía su ascendencia judía en una sociedad como la alemana de aquellos tiempos, pudo influir para que este exquisito músico no obtuviera en su tiempo el éxito que hoy no se le niega y que cada día se promociona más.

No puedo sustraerme a invitarte a conocer este inmenso coloquio musical instrumental de MENDELSSOHN que con toda seguridad no te dejará indiferente. De las versiones disponibles en youtube por si te interesa, la que más me gusta es la que encabeza la violinista holandesa JANINE JANSEN, una para mí, interpretación magnífica técnica y musicalmente. También para los que sepan leer música existe una buena versión encabezada por el mítico JASCHA HEIFETZ que contiene la partitura íntegra.

Anímate, lo pasarás bien!

Verano 2022

Me despido con una bonita foto de FELIX MENDELSSOHN, un músico muy sensible y talentoso.

«Quienes jugándose la vida, deciden ayudar a la música, merecen el calificativo de héroes»     (Anónimo)

Sí, me identifico con la frase teniendo en cuenta la pequeña historia que en su extraordinario libro: «Homo Musicalis» nos narra LUIS ANTONIO MUÑOZ autor del mismo.

OLIVER MESSIAEN (1908-1992) el gran compositor que compartía pasión por los sonidos y por los pájaros, fue uno de los presos del campo de concentración Stalag VIII – A de Görlitz (Silesia) capturado por los alemanes en 1940.

El guardia, Carl-Albert Brüll, acercándose al compositor le proporcionó secretamente, un trozo de papel y un pequeño lápiz.

Con estas humildes herramientas, OLIVER  comenzó a escribir un trío para dos de sus compañeros reclusos: el violinista Jean le Boulaire y el violonchelista Etienne Pasquier pero, la composición terminaría en un extraño cuarteto al añadirle un clarinete y el piano que sería interpretado por el propio OLIVER.

El estreno de la obra tuvo lugar en el patio de la cárcel, al aire libre y bajo la lluvia el 15 de enero de 1941 asistiendo al mismo más de 400 personas entre presos y guardias.

La obra fue llamada por su autor «Cuarteto para el fin de los tiempos», dividida en 9 partes y con textos del Apocalisis, su esencia temática está fundamentada en su espíritu religioso y su amor a los pájaros.

Podría ser que esta pequeña pero a la misma vez gran historia, te despierte interés por conocer este cuarteto si es que aún no lo has hecho. En tal caso, me permito sugerirte que lo hagas con la versión de: Sabine Meyer (clarinete) y Gabetta (chelo) entre otros que encontrarás gratis en youtube.

Finalizo, hace años en la Parroquia de mi pueblo se interpretó esta obra pero claro, muy lejos de la versión que sugiero.

Cálido otoño 2022.

 

 

El 21 de julio pasado se publicó: «CUANDO LA VIDA FUERZA TU MEMORIA EPISÓDICA/MUSICAL».

Se contaba la historia de un niño (10/12 años) cuya pasión musical era ser compañero de interpretación musical con el famoso flautista JACQUES ZOON y ambos, ser dirigidos por RICCARDO CHAILLY.

Se decía que la infantil aspiración se  cumplió  cuando a la muerte de CLAUDIO ABBADO el también italiano RICCARDO CHAILLY fue nombrado titular de la LUCERNE FESTIVAL ORCHESTRA.

El 8 de septiembre de 2019 dentro de la programación del Festival se interpretaba un concierto cuya programación no suele ser habitual en las diferentes salas del mundo y una de sus obras reunía a los dos intérpretes como solistas en la GRANDE AULODÍA del compositor BRUNO MADERNA a la batuta de este concierto RICCARDO CHAILLY.

En la citada obra de MADERNA, muy exigente por cierto técnicamente para los solistas, éstos están obligados a tocar varios instrumentos de sus respectivas familias: flauta y oboe (3 el flautista y 4 el oboísta).

Además del Festival, esta obra con su orquesta fue interpretada posteriormente con los mismos solistas en Hamburgo (auditorio ELBPHILHARMONIE) siendo muy bien acogida en ambas localidades.

Inserto un vídeo de youtube grabado en Lucerna, en directo el día de la primicia suiza de esta excelente obra de MADERNA y una foto de los solistas con el Director después de un ensayo.

Aclaro, el vídeo comienza con una obra diferente y, a los 10 minutos comienza la Grande Aulodía.

De izquierda a derecha: Lucas Macias Navarro, Riccardo Chailly y Jacques Zoon

Nota: Dado que me resulta imposible insertar el vídeo referido para que podáis ver el concierto, os facilito su dirección para el buscador de youtube:

Riccardo Chailly Orchestra of the LUCERNE FESTIVAL ALUMNI

Espero que con estos datos podáis disfrutar de un insólito concierto.

Otoño 2022