HISTÓRICO MAYO DE LA FILARMÓNICA DE BERLÍN

Una orquesta sinfónica es el fiel reflejo de la concordia, organización, sincronía, cooperativismo y equilibrio social.»

( CONFUCIO )

Aunque CONFUCIO (n. 479 a. de C.) no pudo conocer a la FILARMÓNICA DE BERLÍN pero no estaba confundido al definir lo que debe ser una orquesta, diría que parece pensaba en una futura FILARMÓNICA DE BERLÍN dado que todas las características que cita en su definición, son las que, para mí, reúne esta orquesta.

La FILARMÓNICA DE BERLÍN que el 1 de mayo próximo cumplirá la friolera de 140 años ha conseguido a base de tenacidad escribir una historia llena de excelencia profesional que la sitúan como modelo privilegiado en el panorama musical-mundial.

Compositores tan señalados como: BRAHMS, CHAIKOVSKI, GRIEG, RICHARD STRAUSS y MAHLER interpretaron sus obras con ella.

Directores míticos como: HANS VON BÚLOW, ARTHUR NIKISCH, FURTWÄNGLER, CELIBIDACHE, KARAJAN y ABBADO han forjado a lo largo de los años un estilo interpretativo riguroso con sonido propio que la convierte en señera del mundo musical.

En este contexto, en mayo 2011 escribieron una página que ocupará un lugar privilegiado en su dilatada historia.

Se celebraba el primer centenario de la muerte de GUSTAV MAHLER (18.05.1911) era necesario tener el mejor gesto posible con el compositor que con ellos estrenó su 2ª sinfonía el 13.12.1895.

Se le encargó a ABBADO que confeccionara el programa y señalara los artistas invitados para tan especial momento y controlado todo por su experta batuta quedó así:

PROGRAMA: ADAGIO de la inconclusa 10ª y LA CANCIÓN DE LA TIERRA.

VOCES: JONAS KAUFMANN (tenor) y ANNE SOFIE VON OTTER (mezzo)

ORQUESTA FILARMÓNICA DE BERLÍN director: CLAUDIO ABBADO

No les molestaré describiendo las múltiples bellezas sonoras que brindaron esa tarde-noche centenaria los actores antes descritos, porque si visitan la web: DIGITAL CONCERT podrán con superlativa calidad de imagen y sonido disfrutarlas cuando podáis; de lo que sí estoy seguro por haber sido afortunado en presenciarlo en directo es de que si MAHLER hubiera podido verlo se sentiría tan contento como lo estuvo en Munich cuando presentó y dirigió su 8ª sinfonía con rotundo éxito.

Pero, no acaba aquí este histórico mayo berlinés, porque 3 días antes ( el 15 de mayo) la FILARMÓNICA, en su sede habitual (Philharmonie) ofrecía un concierto con un cartel poco corriente pero lleno de atractivo:

PROGRAMA. Arias de Mozart, piezas sinfónicas de la ópera Lulu de Alban Berg, Concierto para piano num. 17 de Mozart y Adagio de la 10ª sinfonía de Mahler

VOZ: ANNA PROHASKA, PIANO: MAURIZIO POLLINI

ORQUESTA FILARMÓNICA DE BERLÍN dirigida por CLAUDIO ABBADO.

Me vuelvo a repetir, visiten DIGITAL y disfrutarán de una belleza sublime con la que los filarmónicos berlineses escribieron con letras de oro en su larga historia y por eso y como afortunado en presenciar estas dos obras de arte no albergo duda en señalar como histórico mayo 2011 en la biografía de la FILARMÓNICA DE BERLIN.

Gracias por ofrecernos estas sobrecogedoras experiencias musicales archivadas además en vuestra web.

Primavera 2022.

CUANDO BEETHOVEN SE CANSÓ Y ATACÓ

En su libro Repertorio de vituperios musicales, NICOLAS SLONIMSKY (1894-1995) nos muestra la acidez hilarante que transmitía la crítica musical durante el siglo XIX. Esta crítica que soportaban los compositores e interpretes de la época, en ocasiones llegaba al insulto personal destacando defectos humanos que en absoluto tenían que ver con sus respectivas profesiones.

En este contexto, cuenta SLONIMSKY en su apartado dedicado al Gran Genio:

«Cuando Gottfried Weber publicó un artículo acusando a BEETHOVEN de profanar los elevados objetivos de su arte al escribir La victoria de Wellington, BEETHOVEN garrapateó en el margen de su ejemplar de la revista Cecilia, en la que apareció el artículo: ¡ Tú, miserable bellaco ! ¡ Lo que yo cago es mejor que cualquiera de tus ideas !.

Probablemente, nuestro ahora loado Gran Genio Universal, cansado de recibir críticas malsonantes y poco constructivas, pensó pasar al ataque en este caso de forma escatológica con este profesional del periodismo. Pero, hasta en ocasiones como ésta, se reafirma la personalidad del artista.

Finalizo permitiéndome la invitación a que veas en youtube la 3ª sinfonía del Gran Genio en interpretación de la Orquesta del Festival de Lucerna con Abbado en la dirección. Seguro que no te deja indiferente!

Primavera 2022.

DIEZ AÑOS DE ARROBAMIENTO MUSICAL

» SEMPRE SI IMPARA» (Siempre se aprende)

(Claudio Abbado)

La vida, como le ocurrió a muchos artistas, te negó cuando profesionalmente estabas más a gusto y feliz. En mi humilde opinión en un grado superior de felicidad profesional que en otras etapas anteriores por razones para mí, bien evidentes según mi personal criterio.

Digo bien evidentes basando mi creencia en los datos que me ofrece tu comunicación no verbal; esa comunicación basada en gestos, que todos los humanos y muchos animales compartimos y que el pueblo para definirla acordó expresar el refrán: «una imagen vale más que mil palabras».

Cuando tranquilo y sin prisas, visiono una y otra vez tus interpretaciones con tu Orquesta FESTIVAL DE LUCERNA o también con tu otra hija la Orquesta MOZART DE BOLONIA, percibo en tus gestos y rostro que, por cierto, captan a la perfección los excelentes profesionales que te asistían, un gozo y un estado de admiración en tu cara que delatan un estado de felicidad de dudosa superación.

Claro!, habías apostado mucho para conseguir esos inolvidables momentos y tus compañeros de atriles, (minuciosamente seleccionados por tí producto de tu amplia experiencia con muchas orquestas) locos por la pasión musical que compartíais , siempre estuvieron de tu lado y me atrevo a decir que la mayoría de ellos siguen estando contigo sabedores de que desearías que tu proyecto iniciado en 2003 fuese lo más duradero posible … y, lo van consiguiendo, ya han transcurridos 8 años de orfandad y persisten en la brecha.

Hablando de orfandad, tus filarmónicos berlineses echan en falta tus apariciones cada año en el mes de mayo y, personalmente, nunca olvidaré tu presencia en la PHILHARMONIE en el primer centenario de la muerte de nuestro GUSTAV MAHLER (mayo 2011) cuando juntos interpretasteis el Adagio de la inconclusa Décima y La Canción de la Tierra; ese 18 de mayo la cinesis de tu rostro, según las cámaras, lanzaba mensajes muy próximos a los efectos emocionales que provoca MAHLER pero, en el fondo, pletóricos de felicidad porque puede que seamos de los que creen que pueden convivir la felicidad con un fondo de tristeza.

Con el paso del tiempo supiste sacar el máximo partido a tu compañera la MÚSICA durante tus últimos 10 años de vida, y ella, generosa y salvadora como tú mismo la definías, se identificó profundamente contigo hasta el 20 enero 2014 fecha en la que nos hiciste huérfanos a todos los que amamos el trabajo artístico bien hecho previo profundo y concienzudo estudio.

Seguro que volveré contigo CLAUDIO como te gustaba que te llamaran de forma especial, los afortunados en hacer Música contigo que fueron muchos dada tu magna trayectoria con orquestas del mundo.

Invierno 2022

CUANDO ME PELLIZCÓ MAHLER

«Una melodía divinamente alegre y profundamente triste lo atraviesa todo, con lo que no haréis más que reír y llorar»

                                         (GUSTAV MAHLER dijo esto cuando finalizó la composición de su 4ª sinfonía)

Siento necesidad de intentar agradar a un grupo de lectores que mediante mensajes personales me piden, cuente a mi modo, mis vivencias musicales como fiel aficionado a este arte.

Me hice mahleriano allá por el año 1974 al ver la famosa película de LUCHINO VISCONTI: «La muerte en Venecia».  Parte de la banda sonora de la cinta contiene el Adagietto de la 5ª sinfonía de MAHLER, esta sublime y trascendente música dejó tanta huella en mi persona que desde entonces no pierdo de vista a su autor.

Pero, a pesar de la fama que para algunos adquirió MAHLER como el compositor que hace llorar a las personas desde los años 60, a mí, personalmente, nunca me ocurrió habiendo oído su música en directo e interpretada por músicos de toda solvencia en el panorama mundial.

En agosto 2009 acudo a Lucerna (Suiza) y dentro de la programación de su histórico festival que en 2003 rescató CLAUDIO ABBADO tras un período de inactividad largo, se interpretaba por la ORQUESTA DEL FESTIVAL DE LUCERNA la 4ª sinfonía de MAHLER dirigida por ABBADO y con la voz de la mezzo: MAGDALENA KOZENÁ.

En uno de sus libros dedicados a MAHLER dice el «discutido» crítico musical NORMAN LEBRECHT: » Puedes encontrarte en un auditorio junto a tres mil personas pero, si el que suena es Mahler te encontrarás solo.»

Pues sí, SR. LEBRECHT, esta vez lleva Ud razón, me encontré solo inmerso en el bello oleaje sonoro que creó MAHLER y que en mi opinión me hablaba de: naturaleza, de amor, de piedad, de costumbres populares austríacas, de alegría, de tristeza, de esperanza, de libertad y cómo no! al final de la vida celestial.

A medida que avanzaban los compases evidenciaba que mi mente y cuerpo se estaban alterando sin poder remediarlo y cuando finalizó el tercer movimiento (silencioso y lento) mis ojos estaban cubiertos de lágrimas y así permanecieron hasta la conclusión del cuarto movimiento que había atacado la mezzo ya citada.

Ya, en el vestíbulo y alrededores de la lujosa sala a orillas del lago, observé que éramos muchos los que, pañuelo en mano, secábamos nuestras lágrimas sin poder evitarlo.

Esa noche no dormí bien a consecuencia de la excitación musical recibida pero mi estado anímico era de paz, tranquilidad y nada contrariado o sea, como medicina sonora.

Por todo ello, en absoluto me extraño de que muchos músicos de orquestas de alto nivel, digan que cuando han interpretado a MAHLER se han sentido «mejores personas».

La discográfica EUROARTS registró la sinfonía en formato DVD y que sepa, hasta hoy mismo,  se encuentra en youtube la citada grabación que ha recibido ya más de un millón de visitas.

Aunque la veáis, estáis invitados,  no creo que os suceda mi caso porque la calidez de la música en directo nunca podrá ser comparable con los vídeos, no obstante si os sucediera algo parecido pues bienvenidos al Club de los «llorones»! cuyo presidente honorífico es el Sr. GUSTAV MAHLER

Acabo, la vida musical en ocasiones es como un pequeño pañuelo, observarán en el vídeo que el solista de oboe es LUCAS MACIAS, el mismo que los próximos 18 y 19 de marzo dirigirá en Granada a la ORQUESTA CIUDAD DE GRANADA en la 4ª sinfonía de MAHLER en la ocasión la voz la pondrá NURIA RIAL.

Se me olvidaba: «En absoluto me importaría volver a llorar» si es que es posible mi deseada asistencia al citado concierto en la bella GRANADA.

Invierno 2022.

DE AÑORANZAS MUSICALES

El firmamento será siempre azul y la Tierra reverdecerá en primavera.

Pero tu, hombre, ¿cuánto vivirás? No tienes ni un siglo para gozar de todas las vanidades putrefactas de esta Tierra.! Texto traducido de LA CANCIÓN DE LA TIERRA.

Bruno Walter (1876/1962) colaborador en lo profesional durante muchos años de GUSTAV MAHLER y excelente amigo del compositor en lo humano, fue el primero en conocer el manuscrito original de: LA CANCIÓN DE LA TIERRA. Una vez estudiado se lo devolvió a MAHLER, éste lo abrió por el último lieder La Despedida y ceremoniosamente dijo a Bruno: ¿Qué le parece? ¿Se puede soportar? ¿No incitará a la gente a poner fin a sus días? ¿Tiene Ud alguna idea sobre cómo hay que dirigir esto? ¡ Yo no !.

La vida escatimó a GUSTAV el placer de ver sus estrenos de su 9ª sinfonía, de La Canción de la Tierra y de los trabajos ya finalizados, algunos, de lo que hubiera sido su 10ª sinfonía.

Sintetizada una larga historia musical entre estos personajes (Mahler-Bruno) y fallecido el primero el 18.5.1911, La Canción de la Tierra fue estrenada públicamente bajo la dirección de Bruno el 20.11.1911 en Munich obteniendo un éxito rotundo.

En 1952, se produce un acontecimiento insólito en la carrera de Walter que le marcaría para el resto de su vida: conocer a la mejor contralto de todos los tiempos en el Reino Unido KATHLEN FERRIER grabando juntos para la posteridad La Canción de la Tierra con la Filarmónica de Viena.

Y, fue tan sublime el trabajo de FERRIER para BRUNO que le hizo añorar la presencia de MAHLER para juntos, haber disfrutado de tan excelente voz en todo su registro.

La siguiente añoranza, de menor calado artístico pero sin dejar de serlo, ocurre el 23.1.2022 en Madrid (Auditorio Nacional):

La Orquesta Nacional de España en su noble deseo de dar oportunidades a los jóvenes talentos españoles, permitía el debut de Noelia Rodiles (pianista) y de Lucas Macias Navarro (dirección) encargándoles un programa musical de altos vuelos:

BEETHOVEN con su concierto para piano «Emperador» y la 1ª sinfonía de DMITRI SHOSTAKOVICH.

Todos los medios especializados que acudieron a la cita musical (SCHERZO, RITMO, BECKMESSER y CODALARIO) para posteriormente emitir sus respectivas recensiones, coincidieron de forma generalizada en poner en valor el excelente trabajo artístico de Noelia y Lucas augurándoles además un excelente futuro.

Quien administra este blog, tuvo la fortuna de ser testigo directo de esta manifestación musical y finalizada la misma, en el vestíbulo ya, coincidió con quien fue (ya hoy jubilado) el empresario musical más importante que ha tenido el país. Cuando nos juntamos y después del saludo de rigor dado el tiempo transcurrido desde nuestro último encuentro, los dos al unísono como si de un duetto se tratara exclamamos: «Hoy, debería haber vuelto ABBADO para presenciar esto que acaba de suceder.» Más del millar y medio de personas que asistieron al concierto se identificaron totalmente con todos los interpretes y la Orquesta a tenor de sus caras y gestos hizo lo mismo con la solista y el director, por cierto, el trabajo de la Orquesta fue interesante y satisfactorio.

Acabo con una anécdota de esta 1º sinfonía de DMITRI: Acudió el compositor a la hoy ciudad ucraniana de Járkov para presenciar la interpretación de la sinfonía en un parque de la ciudad y al aire libre. Fue tan desastrosa la ejecución según contó DMITRI que cantidad enorme de perros acudieron emitiendo enormes ladridos que superaban los sonidos de la orquesta.

En youtube hay excelentes versiones de La Canción de la Tierra recomiendo 9 minutos de la Filarmónica de Berlín con ABBADO en el 1er. centenario de la muerte de GUSTAV MAHLER.

Invierno 2022.

MUY PRONTO MOSTRÓ SUS CREDENCIALES MUSICALES

«Aunque me corten las manos, seguiré escribiendo música con una pluma en la boca.»

(D. SHOSTAKOVICH)

1923, tenía 17 años cuando, cargado de ilusión, comenzó a realizar su trabajo de composición para obtener su graduación.

Lo concluyó en 1925 y le llamó: SINFONÍA NUM. 1 en Fa menor; el tribunal calificador le otorgó la máxima distinción.

La Sinfonía se estrenaría públicamente en Leningrado el 12 de mayo de 1926 e inmediatamente lo hizo en Berlín cosechando un éxito bastante notorio.

En esta, su primera sinfonía, muestra ya lo que a lo largo de su carrera sería una fundamental seña de identidad en su dilatada obra: la utilización de la ironía musical , queriendo decir lo contrario a las apariencias sonoras.

Durante el desarrollo de la sinfonía pone a prueba a todas las secciones de la orquesta y por supuesto a sus primeros atriles: concertino, primer chelo, oboe, flauta, clarinete, fagot, trompeta, percusión e incluso a los posibles pianistas ya que la obra contiene breves pero significativos pasajes para este instrumento.

Efectivamente, me refiero al último gran sinfonista del siglo XX : DMITRI SHOSTAKOVICH quien con expresión un tanto «brusca» abre el presente y nos garantiza que por muy difícil que se lo pusiera la vida, jamás renunciaría a escribir música en sus diferentes modalidades estilísticas.

Encontrarás en youtube diferentes versiones de esta obra, personalmente la que más me convence la de VARELY GERGIEV dirigiendo a la Mariinsky Theatre Orchestra.

No es frecuente en España programar obras sinfónicas de SHOSTAKOVICH pero este mes de enero 2022, concretamente el día 23 en Madrid y en el Auditorio Nacional la Orquesta Nacional interpretará su primera sinfonía en Fa menor con Lucas Macias Navarro en la dirección.

En la foto D. SHOSTAKÓVICH.

Invierno 2022.

EL ECLIPSAMIENTO PROFESIONAL O ARTÍSTICO

Es posible que sea Ud una de esas escasas personas que desde su infancia haya tenido claro su futura profesión.

También es posible además, que Ud siempre pensó ser de los mejores en su temprana elección profesional y para ello, con una pasión impresionante trabajó con toda intensidad y sin descanso por conseguir su preciado objetivo.

Cuando llegó ese momento oportuno de tomar el «tren» porque Ud estaba en la estación adecuada y con sus «maletas» hechas, comienza a desempeñar su ilusionante profesión.

Se percata muy pronto, porque Ud es además un excelente analista social que en ese mundo profesional que eligió es eclipsado por otras personas con mayores habilidades y que por mucho que se esmere jamás llegará a igualarlas.

Ante el escenario narrado existen varias respuestas, algunas de resignación y otras de imaginación como la protagonizada por el compositor vienés FRANZ SCHUBERT (1797/1828).

Durante su corta vida (31 años) SCHUBERT sufrió triple eclipsamiento artístico de: HAYDN, MOZART y por si fuera poco de BEETHOVEN.

Pero SCHUBERT supo abrirse su hueco en el mundo de la composición, decidió especializarse en obras para voz y acompañamiento de piano (lieders que llaman en Alemania) colocándose, desde entonces y hasta hoy, en la cima del género sin que nadie le haya superado en ese terreno.

Concluyo con Ernesto Pérez de Zúñiga y su libro «La fuga del maestro Martini» cuando dice: «la partitura del mundo la escribimos y emborronamos todos. Hay esperanzas mientras sepamos esto.»

Invierno 2021.

LA TRINIDAD MUSICAL DE 1685

«No es necesario que la música haga pensar a las personas…bastaría con que las hiciera escuchar.»

(Claude Debussy)

En música, como en la vida también hay fechas determinantes que pueden suponer el inicio de nuevos caminos para el progreso humano y del arte.

Y, en este sentido 1685 vio nacer a lo que personalmente llamo en la presente ocasión su «trinidad musical» que provocó una revolución que perdura hasta nuestros días.

Haendel 23 de febrero

Bach 21 de marzo

Scarlatti 26 de octubre

En este orden, el citado año dio al mundo estas tres figuras de la música que, con gran talento y pasión, cambiaron el panorama musical que les antecedía propiciando un salto adelante que sigue vigente en nuestros días.

No entraré en batalla sobre quién fue más importante porque cultivaron estilos diferentes que imposibilitan la comparación, no obstante si alguien desea entrar en ese terreno se quedará con su propia subjetividad.

De los tres músicos, el más longevo fue Haendel que vivió 74 años, teniendo en cuenta aquellos tiempos podría afirmarse que tuvo larga vida pese a sus graves dolencias. También Haendel puede que hubiera sido el más popular dadas las características de su música, como ejemplo valga la siguiente anécdota histórica:

«Su música para los Reales Fuegos Artificiales consiguió reunir en el centro de Londres a doce mil personas que abonaron cada una dos chelines y medio por asistir al ensayo general.»

Y, todo lo anterior sucedió en 1749 cuando la música comenzaba a salir de los templos religiosos y de los salones de la alta aristocracia a los que asistían unos invitados muy restringidos y poco populares. Podría entonces afirmarse que comienza en Londres (siglo XVIII) ese largo recorrido que hoy tienen los macro-conciertos al aire libre? Yo, así lo creo y finalizo además afirmándome con Debussy que muchos profesionales de la música cuando la interpretan en orquestas también encuentran dificultades para escucharse y de esto saben bastante los directores de orquestas, seguro que si se empeñaran en escucharse los resultados finales serían notablemente diferentes a los que presenciamos en muchos conciertos.

Otoño 2021

NOTAS, QUE CUENTAN HISTORIAS

«Dos notas musicales, juntas, deben contar una historia.»

(Daniel Barenboim)

Si, con toda su pesada mochila de experiencia profesional-musical (excelente pianista y director de orquestas) Barenboim sintetiza gran parte de su filosofía musical con tan escueta frase, podría decir yo, como aficionado, que una obra sinfónica de duración aproximada en su ejecución de 70 minutos debería contar una gran historia teniendo en cuenta la ingente cantidad de notas musicales que contiene.

Esto, es lo que sucede con la 11ª sinfonía de Dmitri Shostakovich titulada «Año 1905» por su autor y escrita en la tonalidad de sol menor.

Pero, ¿qué ocurrió en su país un año antes del nacimiento de Dmitri?

El 22 de enero de 1905, reinando el Zar Nicolás II, una multitud pacífica integrada por campesinos y obreros con sus respectivas esposas e hijos, decidieron entregar, repito, pacíficamente un escrito al Zar con el fin de que se estudiase la posibilidad de mejorar sus condiciones de vida en lo económico ; la respuesta inmediata a tan noble aspiración fue la carga por soldados de infantería y tropas cosacas matando a cerca de dos mil personas muchos de ellos mujeres y niños inocentes.

En 1957, con 51 años de edad, finalizó Dmitri Shostakovich su 11ª sinfonía destinada a la celebración del 40º aniversario de la Revolución de Octubre otorgándosele por tan excelente trabajo el Premio Lenin.

Emulando lo que en ocasiones hizo su admirado Mahler, Dmitri programó su 11ª sinfonía dotando de títulos cada uno de sus cuatro movimientos:

1) ADAGIO (La plaza del Palacio)

2) ALLEGRO (El 9 de Enero) fecha conforme al calendario de su país en la que sucedieron los hechos

3) ADAGIO (In memoriam, el recuerdo eterno)

4) ALLEGRO NON TROPPO (Alarma)

La esencia de los motivos musicales en los movimientos son canciones populares marcadas por gran emotividad para el pueblo. Personalmente, de mis diversas audiciones destaco el precioso motivo del Adagio (In memoriam) que inician en piano las violas y, finalizando el Allegro non troppo, el gran solo del Corno Inglés que encara en forma de lamento el tema principal.

La sinfonía, a lo largo del tiempo, se ha prestado a diversas opiniones y entre ellas la de Rostropovich: «Es un requiem por todas las revueltas reprimidas». También hay quienes piensan que esta sinfonía es más una reflexión sobre los hechos que una descripción de los mismos.

De todas formas, si lo deseas, tienes una excelente oportunidad de acercarte a ella para elaborar tu personal criterio.

Otoño 2021

EL CEREBRO, EN MODO FISIOLÓGICO, ES AGRADECIDO CON LA MÚSICA

«La música es el lenguaje que me permite comunicarme con el más allá».

(Robert Schumann)

Hace bastantes años los neurólogos de los países avanzados científicamente, comenzaron a investigar sobre Cerebro-Música.

De los casos ocurridos y estudiados entre afectados de encefalitis por herpes, muchos de ellos sucedidos a profesionales de la música, llegaron a la conclusión de que la memoria se organiza de diferentes maneras en el cerebro pero que los recuerdos musicales son independientes de las estructuras del lóbulo temporal medial: hablando coloquialmente, el cerebro humano parece ser que ha guardado una deferencia a todo lo relacionado con los recuerdos musicales, alojándolos y protegiéndolos en lugares diferentes a las otras tareas cotidianas vividas.

Esto, explica que la gran mayoría de afectados por estos trastornos sean incapaces de recordar las secuencias cotidianas y en cambio recuerden e incluso interpreten con instrumentos o con la voz cualquier melodía de una complicada sinfonía de Beethoven por citar un ejemplo.

Si la naturaleza, a través del cerebro, ha querido tener este agradecido gesto con la música, ¿ cómo vamos a obviarlo los humanos ?. Los que padecen alzheimer, hoy que se celebra el día Mundial de la enfermedad,seguro que lo agradecen aunque no sean conscientes de ello.

Puede, que el romántico Schumann, intuyendo este beneficio del cerebro con la música, decidiera expresarlo a su forma y por ello comencé con su cita.

Verano 2021, asistiendo al final de la 5ª ola pandémica.