OPINIONES CONTRARIAS SOBRE GUSTAV MAHLER.

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Les enfrento hoy con las opiniones sobre Mahler de los que fueron dos grandes músicos: TOSCANINI y FELIPE PEDRELL, vosotros decidiréis sobre la más razonable.

TOSCANINI:

“Mahler no es un artista serio. Su música no posee ni personalidad ni carácter. Es una mezcla de italianizada a lo Leoncavallo acoplada a la grandilocuencia musical e instrumental a lo Chaikovski, con una búsqueda de la rareza straussiana (por mucho que Mahler se vanaglorie de pertenecer a la tendencia opuesta), pero sin poseer la originalidad de ninguno de aquellos compositores.
Tropieza a cada paso, no en el tópico, sino en la trivialidad. Leoncavallo hubiera despreciado aquel tema que Mahler emplea sin tener ninguna vergüenza. Se puede concebir tal grado de chapuza? A lo que hay que añadir las lamentaciones de los violines y los suspiros de los vientos… Sin hablar de la extrema dificultad de ejecución y la duración excesiva.”

F. PEDRELL:

“Por su herencia judía, Mahler posee el nerviosismo de una expresión libre, nómada y epiléptica; el individualismo; la indomable rabia de imponer, cueste lo que cueste, tanto sus extravagancias como su insaciable y desbordante búsqueda de la belleza… De la raza vienesa provienen su forma y su manera de decir; el arte de expresarse, de su maestro, Bruckner. El resto viene de Nietzsche.
La música de este furioso maníaco musical atrae, subyuga y al mismo tiempo exaspera. Una inspiración tan severa y cautivadora demuestra, sin duda alguna, las evidentes influencias del espíritu judío; las intoxicaciones nietzscheanas, agravadas tal vez por su patria de origen y su patria de adopción, Viena, por la poesía delirante de la danza vienesa y también por esta dejadez cada vez más canallesca y exacerbada.”

Sobre estas opiniones, tengo mi preferida y quienes quieran saberlo por curiosidad, que me lo pregunten vía comentario. Gracias.

FELICIDADES HOLLIGER!

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Miles de críticos y aficionados de todo el mundo a la buena música coincidimos en que hasta hace muy poco HEINZ HOLLIGER (21 de mayo 1939) ha sido el mejor oboísta del planeta.

Tuve la dicha de comenzar a disfrutarlo a finales de los años 60 adquiriendo sus discos de vinilo y posteriormente los oportunos CDS.

Lo que nunca imaginé me ocurrió a finales de los noventa, conocerle personalmente, poder hablar con él y sobre todo escucharle en riguroso directo tanto en ensayos como en conciertos públicos.

Entregado a la música de forma incondicional, además de trabajar con su oboe, se dedica a la composición, a la enseñanza de la que está jubilado y finalmente a la dirección orquestal. Cumplir 80 años en absoluto es para este genio una parada en su camino, más bien al contrario: enriquecido por una gran experiencia y profundo conocimiento de toda la literatura musical, cada día aborda con total entusiasmo nuevos retos musicales.

Sus numerosos y buenos alumnos distribuidos por toda la geografía mundial han decidido en  estricto secreto rendirle un cálido homenaje como merecimiento a toda una vida entregada a su gran pasión: la buena música.

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El acto tendrá lugar en FREIBURGO IN BRISGOVIA (Alemania) en cuya Universidad de Música tenía su cátedra de Oboe acudiendo el pasado 18 de mayo 2019 decenas de oboístas de todo el mundo para mostrarle su admiración y cariño artístico.

No tengo duda de que todo el protagonismo  del que goza el oboe en los momentos actuales, se deben a la dedicación que le prestó Holliger a lo largo de toda su carrera. Grabó todas las composiciones que los diferentes compositores escribieron para el instrumento, compuso exclusivamente para él y su calidad y virtuosismo lo han hecho trascender como el intérprete más cualificado.

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En la foto, Holliger y su alumno Lucas en uno de los momentos de la fiesta-homenaje celebrada en Freiburgo (Alemania) el 18.05.2019 con motivo de su 80 aniversario.

José Mel. Macias Romero

Primavera 2019.

 

 

EL TIEMPO, TAMBIÉN JUEZ DE LA MÚSICA

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Desde que existimos, el tiempo se ha encargado de ser juez de casi todas las actividades que desarrollamos los humanos. De las artes evidentemente también y por ello, en la historia de la música hay numerosos casos en los que es evidente su veredicto pese a que éste se haya pronunciado con notorio retraso respecto al fin de la creación de una obra concreta.

Compositores tan conocidos como: Bach, Beethoven, Schubert, Mendelssohn, etc., estrenaron en vida obras que en principio fueron fracasos o pasaron desapercibidas y que, sociedades posteriores, han puesto en su verdadero lugar, hasta el punto de que hoy  son consideradas como maestras.

Un caso llamativo de principios del siglo XX lo protagoniza el compositor Gustav Mahler, excepto su 8ª sinfonía, el resto, fueron durante años auténticos fracasos  en continuas modificaciones y sin embargo cien años después se ven coronadas por el éxito.

En 1904 y en Nueva York, una revista musical de prestigio COURIER se expresaba así sobre la 4ª sinfonía de Mahler:

” La simplicidad babeante y castrada de G. Mahler!  No sería justo para los lectores de la revista que les hiciéramos perder el tiempo con una descripción detallada de esa monstruosidad musical que se enmascara tras el título de 4ª sinfonía. No hay nada en la estructura, el contenido o la ejecución de la obra  que impresione al oyente, salvo su carácter grotesco. El autor de esta reseña admite con franqueza que… para el supuso una hora, por lo menos, de la tortura musical más dolorosa que lo han obligado a padecer.”

Programar hoy la 4ª si sus intérpretes son de solvencia, es acabar con el aforo de la sala en minutos y con tres meses de antelación al concierto.

Entonces, ¿será que el tiempo ha desinhibido a los aficionados actuales del “miedo a lo desconocido” que probablemente sería lo que padecía en 1904 el cronista de COURIER?

Sea como fuere, el tiempo, con su toga de juez incluida, a finales del XX y principios del XXI vino a sentenciar: “Esto es una obra de arte para la posteridad y como tal podéis disfrutarla.”

A los que no hayan tenido ocasión de oír la 4ª les aconsejo, siempre  si me lo permiten, que oigan primero esta versión de cámara cuya portada adjunto y posteriormente disfrutarán más con las buenas versiones sinfónicas que hay en youtube.

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Sobre este CD el prestigioso diario holandés Het Parool escribió:

“Es un gran placer escuchar la famosa obra en esta delicada versión en la que cada voz es igualmente importante, a pesar de que se necesitan músicos de muy alto nivel para hacer que la aventura sea exitosa. En manos de la Camerata RCO, dirigida por Lucas Macias Navarro, es una experiencia conmovedora”.

José Mel. Macias Romero

Invierno 2019

 

 

 

 

CON LA FILARMÓNICA DE BERLÍN TODO ES POSIBLE.

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Como abonado a DIGITAL CONCERT (plataforma digital de la Filarmónica de Berlín) que por un módico precio me permite ver en directo todos los conciertos de temporada que se celebran en la sala PHILHARMONIE así como visualizar todos los archivos que se contienen en la referida plataforma, me dispuse a ver el celebrado el 10 de septiembre de 2016 en el que bajo la dirección de Andris Nelsons se interpretaba la Sinfonía Fantástica de Hector Berlioz.

Cuando terminó la interpretación de su primer movimiento me sorprendí al ver que todo el público que abarrotaba la sala irrumpió en un aplauso y así fue ocurriendo al finalizar cada uno de los movimientos que conforman esta sensacional sinfonía.

Me alegré de que esto ocurriera en Berlín y con su Filarmónica porque esta conducta de los oyentes venía a demostrar que la concurrencia estaba participando muy activamente de la interpretación que estaba teniendo lugar en tan “sagrado lugar para la música.”

Pero, a la misma vez me preguntaba: ¿cómo es posible que esto ocurra en la ciudad por excelencia en la que los nazis comenzaron a implantar de forma autoritaria y casi coercitiva que no se aplauda entre movimientos ni se formulen ningún tipo de expresiones por parte del público asistente?

A este respecto ya me he manifestado en otras ocasiones, creo que el público anterior a la llegada de los nazis era más espontáneo, participativo y puede que emotivo; siendo respetuoso con los intérpretes, no entiendo ni veo bien reprimir las emociones  de una afición que sostiene el espectáculo musical.

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(En la Philharmonie de Berlín bajo la dirección de Abbado, Anna Proaska, Lucas Macias y la Filarmónica de Berlín interpretan un aria de Mozart, Vorrei Spiegarvi)

José Manuel Macias Romero

Primavera 2019.

SU OBRA MÁS: BELLA, EMPÁTICA Y SOLIDARIA

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Compuso 28 óperas, todas de reconocido prestigio y populares en el mundo entero pero, antes de morir, decidió llevar a cabo el proyecto más: bello, empático y solidario que jamás ha realizado un músico.

CASA VERDI se inauguró en 1902 un año después de la muerte de VERDI (a los 87 años) negándose siempre a recibir agradecimientos por su idea.

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En las antiguas afueras de Milán se encuentra la casa de la foto cuyo único objetivo según su mentor era: ofrecer acogida como residencia de mayores a cuantos músicos se encuentren en situación de soledad o abandono.

El proyecto, totalmente independiente de cualquier administración estatal o regional, se nutre económicamente de los derechos de autor de VERDI, de las donaciones que recibe y de las mensualidades que abonan los residentes de conformidad con sus capacidades.

En CASA VERDI, a pesar de los años de sus moradores, la música sigue siendo la reina de su actividad social, diariamente ocurren conciertos, ensayos, conferencias, coloquios, etc., todo en perfecta armonía con la profesión de sus habitantes.

Últimamente para redondear la finalidad social del proyecto y favorecer la convivencia entre generaciones, se acordó dar permanencia como becarios a 15 jóvenes talentos europeos que compaginan sus estudios musicales conviviendo en CASA VERDI con los que pudieran ser sus abuelos.

Por su arte y por esta su obra por excelencia, su cortejo fúnebre en 1901 fue el más multitudinario que haya conocido Italia y a su paso, las gentes del pueblo entonaban su VA PENSIERO, como todos sabemos famoso coro de su ópera NABUCCO.

Arrivederci caro VERDI!

José Manuel Macias Romero

Primavera 2019.

 

 

UN TRIDENTE DEL PIANO QUE DIFICILMENTE SE REPETIRÁ.

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En ocasiones, la Historia de la Música, nos regala coincidencias que, por su escasa ocurrencia, merece la pena señalar. El tridente pianístico que hoy me ocupa es un digno caso a resaltar.

Buenos Aires (Argentina), ciudad musical por excelencia, es el origen de todo ya que los  miembros del tridente son hijos de la ciudad:

Marta Argerich (5 de junio 1941), Bruno Leonardo Gelber (19 de marzo 1941) y Daniel Barenboim (15 de noviembre 1942).

Recientemente, en una de mis frecuentes lecturas literarias-musicales me encontré con la siguiente reflexión de GOETHE:

“Todo lo que es perfecto en su especie debe trascender de su especie, debe ser otra cosa, algo incomparable. En muchos tonos, el ruiseñor sigue siendo pájaro, pero luego, se eleva por encima de su categoría, como si quisiera demostrar a todas las aves lo que es realmente cantar .”

Si, el poeta-novelista y dramaturgo alemán viviera, seguro que coincidiríamos en aplicar su reflexión artística a este tridente del piano porque estos tres argentinos han trascendido de su especie, son otra cosa y algo incomparable que cuando dicen a cantar manipulando las teclas blancas y negras no tienen parangón.

Humildemente creo, que este caso no se repetirá por: ser contemporáneos que además viven en la actualidad, los tres nacidos en la misma localidad y los tres han trascendido la excelencia musical algo al alcance de muy pocos.

Finalizo con este pequeño recuerdo del canto del ruiseñor en homenaje a estas estrellas vivas del piano.

 

José Manuel Macias Romero

Invierno 2019

 

 

CUANDO EN LUGAR DE TRABAJO CRÍTICO SE PRACTICABA EL VITUPERIO DURO.

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Habrá quienes puedan creer que la crítica especializada en música siempre ha sido tan correcta como lo es en la actualidad, independientemente de que coincidamos o no con la subjetividad de los profesionales que a ello se dedican cuando asisten a un acontecimiento musical.

Gracias al “Doctor Gusano Musical” ( Nikolas Slonimsky) que le dio por hacer un entretenido libro sobre este asunto (Repertorio de Vituperios Musicales), sabemos que durante el siglo XIX y primera década del XX, los críticos musicales se permitían hacer duros ataques personales a los músicos más vanguardistas de la época, cosa que la crítica actual jamás hará pese al gran desacuerdo que pueda existir entre ambos profesionales: músico y crítico.

Y, así como ejemplo, traigo hoy gracias a Slonimsky, las duras manifestaciones que James Gibbons Huneker profirió sobre DEBUSSY:

 

“Tiene la cara plana, la parte superior de la cabeza plana, los ojos prominentes -con una expresión velada y sombría- y, en general, con su pelo largo, su barba descuidada, su ropa ordinaria y su sombrero blando, parecía más un bohemio, un croata, un huno, que un galo. Sus pómulos, altos y prominentes, le proporcionaban un aspecto mongol a su rostro. Con su cabeza branquicefálica, con su pelo negro… Este hombre es un espectro del oriente; su música se oía hace mucho tiempo en los templos de las colinas de Borneo; ¡surgió como una sinfonía para celebrar el regreso de los cazadores de cabezas con sus abominables botines de guerra!”

Como pueden apreciar, nada de trabajo crítico razonado musicalmente puede que por su incapacidad para disfrutar de la música de DEBUSSY en aquel momento.paul-nadar-claude-debussy_a-G-6243433-8880731

En la foto CLAUDE DEBUSSY

José Manuel Macias Romero

Otoño 2018.