Desde el rincón de Farkas

Todo lo que es perfecto en su especie debe trascender de su especie, debe ser otra cosa, algo incomparable. En muchos tonos, el ruiseñor sigue siendo pájaro, pero luego se eleva por encima de su categoría, como si quisiera demostrar a todas las aves lo que es realmente cantar.»

(GOETHE)

La música, omnipresente en toda actividad humana desde los primeros pobladores de la Tierra a la actualidad y, desde la selva a la consulta de su dentista, no podía sustraerse a la vida de los pájaros y las aves; algunos compositores, han sentido tanta atracción hacia estos animales que se han ocupado de ellos en sus trabajos musicales:

VIVALDI, además de dedicar un concierto al canto del jilguero (normalmente interpretado por flautista), se ocupó de las diferentes especies en sus famosas CUATRO ESTACIONES (sobre todo en la primavera). HAENDEL por su parte utilizando el órgano, se ocupó del cuco y del ruiseñor. FRANZ SCHUBERT e IGOR STRAVINSKY dedicaron algunas de sus obras al ruiseñor. BEETHOVEN, en su 6ª sinfonía (2º movimiento) dedica un espacio al cuco valiéndose para ello del clarinete. PAU CASALS inmortalizó con la ayuda de su violonchelo el canto de los pájaros (El Cant del Ocells) cuya melodía cuando en el estadio azulgrana hay que guardar un minuto de silencio sigue y sigue escuchándose.

OLIVER MESSIAEN, era además de compositor un excelente ornitólogo, cómo entonces no se iba a ocupar de sus preciados animales?, su obra más emblemática fue Catálogo de pájaros en la que pueden oírse: petirrojos, zorzales, oropéndolas, alondras, etc. VAUGHAN WILIAMS, compuso una exquisita obra a la que llamó: The lark ascending (la alondra remonta el vuelo).

El gran ROSSINI, ese que en su época volvió loca a toda Italia incluido los albañiles que en el tajo cantaban las arias de sus óperas, compuso una ópera titulada: LA GAZZA LADRA (La urraca ladrona). SAINT SAENS, en su brillante Carnaval de los animales imita los cacareos de las gallinas. PROKOFIEV, en su Pedro y el lobo representa un pájaro por medio de una flauta y a un pato por medio del oboe. MOZART y BRAHMS, en sus sinfonías 29 y 2ª hacen alusión temática en sus respectivos segundos movimientos: al petirrojo MOZART y a la tórtola BRAHMS. SIBELIUS por su parte, se ocupó del cisne en su obra El Cisne de Tuonela siendo el corno inglés el instrumento encargado de imitarlo.

De esta breve reseña se destaca la importancia que para algunos compositores posee el canto del ruiseñor, por ese motivo encontré acertada la frase de GOETHE dedicada también al citado animal.

OTOÑO 2022.

Hoy, trataré un asunto que en los últimos años está siendo objeto de una acelerada actuación a causa de los efectos que la crisis económica provoca sobre la cultura; esa crisis que siempre, cuando llega, lo primero que hace es golpear a las diferentes ramas de la cultura y que una vez más actúa con el mismo patrón de conducta.

Tengo que referirme una vez más como modelo referencial por sus iniciativas novedosas a la ciudad de Berlín que con más de nueve orquestas es lógico que estén más preocupados que nadie.

La experiencia que citaré tuvo lugar en 2015 pero en lugar de en la sala Philharmonie (centro experimental de primer orden) y con su Filarmónica, sucedió en la veterana e histórica Konzerthaus actuando su propia Orquesta y su titular IVAN FISCHER.

Se trataba de involucrar a las gentes, aficionados o no, en las entrañas de la música con objeto de ampliar sus conocimientos sobre ella y, si fuera posible, ganar nuevos adeptos para la causa. Para ello se organizó una audición diferente de la quinta sinfonía de BEETHOVEN exenta de los formalismos protocolarios propios de los habituales conciertos que tenemos en mente, me explico:

El público estaba ubicado en la sala de forma aleatoria en sillas normales y no las tradicionales butacas en hileras, como si de una terapia de grupo se tratara; los músicos no vestían los tradicionales trajes o frac pero, si todos de color oscuro y se iban situando entre el público igualmente de manera aleatoria sin guardar la rigidez de familias musicales como es norma en los escenarios. Cualquier asistente, podía tener a su lado: a un flautista, violinista, trompetista, etc.

Pero, eso sí, el Director para ser visto por los dispersos músicos y oyentes, se encontraba en el centro geométrico de la sala subido en su podio.

La singular mezcla de oyentes y músicos, permitiría a la audiencia mejor dotada de oído musical, percibir la totalidad de la obra como un todo y por supuesto la melodía o acompañamiento que venía haciendo el instrumentista que estaba a su inmediato lado.Este ejercicio que permite distinguir las partes del todo, permite además observar como en un determinado momento un instrumento de la orquesta, aparentemente inofensivo, se convierte en la estrella de la composición, se hace dueño del dialogo musical mientras el resto, con su acompañamiento se convierten en agitadores o susurradores de su discurso.. Este novedoso experimento permitía además, que los asistentes interiorizaran el timbre peculiar y característico de los diferentes instrumentos de la orquesta así como la amplitud de sus sonidos desde las notas más graves a las agudas de sus correspondientes escalas.

El Director, en los espacios muertos entre movimiento y movimiento, explicaba a los asistentes las posibles motivaciones del compositor frente a su obra para que la misma fuese más asequible aún para el público.

Gracias a la comunicación no verbal, aseguro que la complacencia de la audiencia en este experimento no pudo ser más exitosa, la implicación de las gentes con su vecino músico en la sala fue de una estrechez tan intensa que han quedado marcados para siempre. Bromeando, puede que algunos invitaran aquella tarde a cenar a su músico vecino y nada me extrañaría que desde entonces, no puedan vivir sin la música y lo que es más importante, puede que con esta estrategia nazcan nuevos aficionados y mecenas para este viejo arte necesitado ahora de obtener recursos frescos para paliar, en lo posible, las retiradas de apoyos económicos que en toda Europa están llevando a cabo las administraciones con la música.

Es tan impactante recibir las sensaciones sonoras de los instrumentos que te envuelven, captar las diferentes gamas tímbricas de cada uno de ellos, experimentar como estos sonidos sirven para expresar sentimientos diversos: alegría, tristeza, burla, sarcasmo, odio, amor, desesperación, ternura, etc., que resulta una extraordinaria lección imposible de olvidarse. Si a todo añadimos las explicaciones del Director, históricas, sociales, musicales, etc., probablemente desearás asistir de inmediato a otro concierto.

Concluyo, una extraordinaria iniciativa que contribuye a un mejor conocimiento de la música aumentando además su afición. Practicar este tipo de estrategias, hoy que todas las músicas padecen un alto olvido económico para su gestión, es sin lugar a duda luchar por su existencia e independencia frente a cualquier tipo de administración.

Otoño 2022 recien comenzado.

«En los lugares suaves y tristes, el músico debe convertirse en suave y triste. Su propia expresión será suficiente para hacer escuchar y ver al auditorio.»

(CARL PHILIP E. BACH, siglo XVIII)

La experiencia dice que, los conservatorios o escuelas de míusica nos enseñan a tocar los diferentes instrumentos y a conocer sus recursos técnicos para una interpretación correcta pero, no enseñan nada o muy poco sobre la presencia del músico en escena ni del repertorio textual expresivo para que el mensaje llegue a los posibles oyentes lo más claro posible y lo que es más importante: con la carga emotiva adecuada para hacer «vibrar» a los destinatarios del mismo.

A finales del siglo XIX y principios del XX es cuando se empieza a tomar conciencia y poner remedio a este deficit expresivo musical. Fue GUSTAV MAHLER uno de sus más destacados impulsores con el fin de dar credibilidad y autenticidad a toda la bibliografía operística de la época; no olvidemos que antes de que MAHLER iniciase este nuevo enfoque, los actores vocales en las óperas, eran meras estatuas en escenas, correctos en las emisiones y entonaciones de notas pero petrificados e inmutables en el escenario. Cuando intervenían los coros, más de lo mismo, bellas fotografías carentes de plasticidad. Con este panorama, resultaba igual de interesante quedarse en casa para oír el concierto por radio que ir al teatro para presenciarlo, en ambos casos faltaba el poderoso ingrediente de la riqueza gestual expresiva.

Las pretensiones de MAHLER en pos del espectáculo «total», hicieron que naciera una figura hasta entonces desconocida: el Director de Escena (finales de 1800 en adelante). A falta de una escuela de expresión gestual, comienza a ser responsable de este cometido el Director de Escena. Todo bien pero, pensado para mejorar expresivamente a los intérpretes de voces, el resto, los portadores de instrumentos musicales, seguían siendo en todos los escenarios hombres o mujeres de piedra detrás de un instrumento, incapaces de dar rienda suelta a su expresividad corporal conforme a sus propias emociones interiores y acordes con las obras que ejecutaban.

La sociedad musical de la época, estaba autocensurada hacia todo lo que fuese movimiento expresivo del músico en escena; hasta el punto de que se ridiculizaba e incluso marginaba a todo aquel intérprete que intentaba transmitir poniendo además de su sonido su cuerpo y sus gestos de forma sincronizada al servicio de la obra musical. En la sociedad de mediados del siglo XX se criticaba con rigor a quienes con una: flauta, viola, clarinete, violina, etc., exhibían en el escenario algo más de los movimientos y gestos necesarios para tocar su instrumento en cuestión; esta crítica crecía aún más para aquellos que hacían música sinfónica o de cámara, sólo a los directores de orquestas se les permitía alguna licencia al respecto.

La corriente social anti-gesto, anti expresión corporal en definitiva, comenzaba a tener sus días contados porque los músicos y la sociedad comenzaban a aceptar con normalidad la «teatralidad» bien entendida que lleva implícita como su ADN una composición musical en su ejecución con el fin de trasladar de forma correcta la diferente gama de emociones que el compositor ha vaciado en la obra.

Y así, no tardarían en aparecer músicos que todos identificamos con una riqueza gestual y expresiva bastante notoria: LEONARD BERNSTEIN compositor, pianista y director de orquesta) CARLOS KLEIBER,

MITSUKO UCHIDA Y FRIEDICH GULDA por citar ejemplos famosos.

Como no es fácil en la vida encontrar ese punto exacto que algunos filósofos llaman «virtud», resulta que algunos intérpretes y por qué no, aficionados, se han pasado o pasan de rosca, dando lugar a lo que Eduardo Galeano bautizó como la «cultura del envase» (dar más importancia a lo superfluo que a la esencia del mensaje); de este modo, asistimos, en ciertos eventos musicales a ver una colección de gestos o mimos que casi nada tienen que ver con el contexto emocional que el compositor diseñó y cuidó para su obra. Harto frustrante resultan estas situaciones pero de ellas, lamentablemente, algunos sacan extraordinarios rendimientos porque encuentran a públicos más ávidos de la ostentación y lo vano que de lo realmente trascendente.

Sigue habiendo también, quienes a pesar de la apertura del gesto y la expresividad corporal, perseveran continuar como adoquines en el escenario; pudiera ser que estos últimos hayan tomado conciencia de que combinar una excelente emisión de sonido con gestos y movimientos del cuerpo adecuados, es un arte que no se aprende tan fácilmente y en el que la genética tiene mucho que decir, siendo ésta la que falle en algunos casos, muy a pesar del esfuerzo que puedan emplear los docentes.

Pienso por tanto que en música, el gesto, la mirada, el movimiento, el cuerpo en definitiva, tienen que ir perfectamente armonizados con los sonidos, con el carácter de la obra, con las intenciones declaradas o escondidas del autor-compositor y si me apuran, hasta como decía al principio Carl Philip Enmanuel Bach: acorde con el lugar en el que sucede el acontecimiento musical.

Como testimonio de mi identificación con un tipo de gesto musical razonable, elegante, mesurado, en el que nada es gratuito o superficial sino meditado control en los movimientos para que los oyentes puedan sacar el máximo rendimiento de la obra, os dejo con un recuerdo de CLAUDIO ABBADO en uno de sus últimos ensayos con los que el llamaba sus amigos, su Orquesta del Festival de Lucerna. Se cuenta, que en cierta ocasión aconsejó con estas palabras a un joven aspirante a la dirección orquestal:

«Si, de verdad quieres sentirte a gusto dirigiendo una partitura musical y conseguir que el público se implique en tu bello trabajo, aprende íntegramente de memoria la partitura. Tu memoria te permitirá entonces liberarte en el podio de la tiranía del papel y de este modo podrás dar rienda suelta a tus gestos y a toda tu expresividad».

Una manera de entender la música la de CLAUDIO ABBADO, que algunos críticos, en ciertos momentos, tildaron de excesivamente fría e intelectual pero que, cada día, gana más adeptos y que hace escuela ya que muchos hoy aprenden de memoria sus obras y practican además el importante silencio final para que los últimos acordes reposen adecuadamente en la sala en cuestión.

Te dejo una foto del maestro ABBADO expresando uno de sus muchos gestos.

Otoño 2022.

No hay instrumento con más fuerza que la educación musical, pues el ritmo y la armonía penetran en las interioridades del alma, a las que rápidamente quedan fijadas.»

(En la República, PLATÓN)

Desde la perspectiva histórica, la asociación entre música y sexualidad es tan vieja como el tiempo mismo. De momento y hasta que se aclare un poco más la ciencia (que en ello está) me quedo con la teoría de CHARLES DARWIN quien en 1871 apostillaba a este tenor:

«Cuando hablamos de selección sexual vemos que el hombre primitivo (o mejor dicho, algún antepasado remoto de este) probablemente utilizó su voz por primera vez para la fonación de verdaderas cadencias musicales, es decir el canto, como hacen algunos gibones en la actualidad.»

Está claro entonces que para DARWIN la emisión de sonidos cantados habría precedido y provocado la aparición del lenguaje. Y la evolución sexual habría motivado las habilidades musicales de nuestros antepasados, transformándolas en un medio de comunicación en sí mismo.

Hoy, las últimas investigaciones al respecto piensan de forma diferente a la teoría darwiniana, pero como no hay un acuerdo que pueda resultar definitivo para todos espero a mejor ocasión para ocuparme de ello.

Dejando un poco las teorías científicas, lo cierto es que la primera referencia histórica sobre el enunciado la encontramos en 1642 cuando MONTEVERDI pone en escena su ópera: «LA CORONACIÓN DE POPEA» cargada de un refinado erotismo.

MOZART, ¿cómo se iba a quedar rezagado? y… en sus «BODAS DE FÍGARO» se deja notar bien a las claras en estos menesteres.

WAGNER, también se sube a este carro y en su «TRISTAN E ISOLDA» concretamente en el segundo Acto nos sume en un ambiente de exquisito erotismo que no tiene parangón si bien aquí no quedaría la cuestión ya que se sabe que en otras de sus óperas apunta bien a las claras a otras relaciones sexuales menos comunes pero no por ello inexistentes.

El mundo del Rock «n» Roll no fue ajeno a esta simbiosis de música y sexualidad, al contrario, tuvo la fortuna de converger con dos grandes acontecimientos sociales que tuvieron lugar en la década de los 50: la revolución sexual y el choque generacional y precisamente en este sentido vinieron como anillo al dedo los ROLLING STONES que fueron modelos a seguir para la juventud del momento. Ilusstrativa a este tenor la cita del bajista FLEA quien se expresaba así : «Nos resulta imposible no ver correlación entre música y sexualidad, porque, al ser tan increíblemente rítmica, la música está muy correlacionada con la sexualidad y con el ritmo de ésta, y con el ritmo del corazón al latir y con los movimientos del coito, y con el modo en que te hace sentir cuando la oyes. Intentamos que nuestra música provoque una erección.»

Como se dice popularmente: «más claro el agua».

La homosexualidad también recibiría un gran impulso en su lucha por la liberación social de manos de la música. El detonante de esta extraordinaria causa fue la muerte en noviembre del 91 de FREDDIE MERCURY a consecuencia del sida. Los actos organizados para recaudar fondos con destino a la lucha contra esta terrible enfermedad, además de cumplir con creces los objetivos económicos, lograron liberar muchas conciencias y por consiguiente la aceptación casi unánime de la homosexualidad al menos en el mundo de la música y su periferia que como sabemos en ocasiones es millonaria por la influencia de los medios de comunicación.

De otra parte, también MADONNA con sus besos (lengua incluida) según la gala MTV 2003 que pudimos ver, hizo que el lesbianismo fuese contemplado y aceptado de forma bien distinta a la anterior a su gesto.

Resumiendo, la música como parte de nuestras vidas, ha sido y seguirá siendo un poderoso agente de liberación de todo tipo de tensiones humanas; la sexualidad, indispensable en el desarrollo del género humano también ha sufrido y sufrirá las influencias benefactoras de este magnánimo arte o, en el peor de los casos, tomará como modelos a seguir a sus intérpretes para reducir tensiones ya se trate: de MADONNA o de FARINELLI «IL CASTRATO» por citar ejemplo.

Finalizo: Bienaventurados los/as que practican sexo, cuando pueden, y escuchando buena música!

Os dejo la célebre foto de la aludida intérprete de la canción.

Llegando al final del verano 2022.

«Si no se comprende la utilidad de lo inútil, la inutilidad de lo útil, no se comprende el Arte.

( EUGENE IONESCO )

Alentado por la segunda lectura al manifiesto de NUCCIO ORDINE: «La utilidad de lo inútil» me propongo hacer una reflexión sobre el enunciado citado que da titular al presente post.

Aunque la gran mayoría de las personas que acceden a estas lecturas saben de sobra qué es una sinfonía, me parece oportuno aclarar que la palabra viene del griego queriendo significar un conjunto de sonidos concertados.

La Música, un arte en continua innovación abrió sus puertas a esta nueva forma musical hacia finales del siglo XVII y desde entonces la sinfonía no ha hecho más que evolucionar conforme a los tiempos y a los gustos sociales de las diferentes etapas de la vida.

Una sinfonía, como un cuadro, una escultura, etc., es una obra de arte (aunque algunas no se consideren así por ciertas personas) que se diferencia de las otras artes en que cobra vida cuando se interpreta porque hasta entonces, es simplemente un conjunto de signos musicales escritos en un papel. Esa, a mi modo de ver, es su grandeza y también su soledad.

Si como dice ORDINE en su manifiesto, nos quitamos las gafas que sólo ven dinero por todas partes e intereses materiales y en su lugar nos ponemos los cristales de la cultura, de la historia, del goce espiritual, en definitiva del saber desinteresado y sin prisas, entonces estaremos en condiciones de saber para qué sirve una sinfonía y para qué en general sirve el ARTE.

La utilidad de la Música cada día está más que demostrada históricamente desde su empleo religioso hasta desgraciadamente el de para alentar a los soldados en el campo de batalla ya fueran éstos egipcios, romanos o los actuales rusos.

Recientemente, me contaba una persona que su padre de noventa y tantos años, con un fuerte padecimiento de alzheimer, sin conocer a nadie de la familia, cuando se le ponía una sinfonía de BEETHOVEN saltaba enérgicamente de su asiento buscando su batuta y diciendo: «¡eso va muy ligero, eso no es así!, pero a pesar de su aparente disparidad de criterio con lo escuchado se le cambiaba el carácter y en el fondo disfrutaba adquiriendo su rostro signos más que evidentes de alegría.

Todos somos testigos de cómo trozos importantes de sinfonías han cambiado la percepción estética de una película al ser incorporados a su banda sonora.

Muchos cirujanos manifiestan que, cuando en quirófano se puede proporcionar la sinfonía por excelencia del enfermo, éste necesita una considerable menor dosis de anestesia para ser intervenido.

Cada día más personas proclaman que una sinfonía les cambió su vida.

Una sinfonía es un dialogo sonoro, ordenado rigurosamente por su autor y que tiene como moderador a la figura del director que cada día menos coincide con ser también autor.

Una sinfonía es una obra de arte que cuenta una historia vivida por su creador, esa historia puede ser alusiva a la naturaleza, al amor, a las consecuencias de una guerra, a la amistad, en definitiva a todo lo concerniente a lo humano porque un humano la creó y la impregnó con su sello.

Casi seguro que tu experiencia como oyente de sinfonías diversas haya forjado en tu mente razones propias sobre ¿para qué sirve una sinfonía?, si así fuera y si no tienes inconvenientes, me encantaría que me trasladases tus experiencias porque así nos ayudaríamos mutuamente. Muchas gracias!

Finalizo dejando una instantánea de uno de los grandes sinfonístas del siglo XX, DMITRI SHOSTAKÓVICH.

Y, si me permites un consejo puesto que hablamos de sinfonías, te invito a que oigas en youtube la 3ª de Beethoven que fue una gran revolución compositiva dada su gran extensión, hasta entonces desconocida en el mundo y el gran desarrollo de su scherzo que vino a sustituir a los minuettos. Pero por favor, si aceptas mi consejo, debes escoger la versión de Claudio Abbado con la Orquesta del Festival de Lucerna. Seguro que te pegará » pellizco» como dicen los flamencos!.

Verano 2022.

«Wagner tiene momentos adorables pero insoportables cuartos de horas.»

(Gioachino ROSSINI, 1792/1868)

Es evidente que la Música como arte evoluciona conforme a los tiempos, intentando sus creadores abrirse a los gustos de la sociedad que les ha tocado vivir con mayor o menor acierto.

Todos sabemos que la palabra «fan» tiene su origen en el latín y significa: fanático, seguidor incondicional, admirador, etc..

Pero los «fanes» (según aconseja que se diga la Real Academia) aunque hayan cambiado a lo largo del tiempo las músicas, nunca cambiaron sus formas de manifestar sus aclamaciones a sus héroes musicales ya fueran los BEATLES o ROSSINI (sí, ese señor del BARBERO DE SEVILLA).

Si tienes duda lee lo que decía en sus escritos LORD BYRON:

» Últimamente ha habido una ópera espléndida en San Benedetto (famosa iglesia de Venecia), obra de ROSSINI, que acudió en persona para tocar el clave; la gente lo siguió por todas partes, lo coronó, le cortó mechones de pelo (como recuerdo), lo aclamó, le dedicó sonetos y lo festejó, y lo inmortalizó mucho más que a ningún emperador

Se cuenta que era tan grande la cercanía popular a ROSSINI que los trabajadores en sus respectivos «tajos» cantaban sus arias de óperas como hasta hace poco en mi pueblo los albañiles especialmente, cantaban: fandangos, pasodobles, e incluso algún que otro solo de zarzuela o alguna habanera.

Que maravilla la aportación de ROSSINI a la Música de su época ¿verdad? pues en youtube tienes casi toda su obra que seguro te encantará, pruébalo por favor! puede te conviertas en un «fan rossiniano».

«Sólo quien sabe sufrirlo todo es capaz de atreverse a todo.» (VAUVES ARGUES)

CLAUDIO MONTEVERDI (1567/1643) considerado el fundador de la ópera, su «Fábula de Orfeo» se cuenta como la primera ópera de la Historia de la Música además de reunir gran arte para la música tenía un carácter templado pero en absoluto sumiso con los mecenas que le tocó convivir y sufrir en su época.

Estando en ejercicio como «Maestro de Capilla» en la basílica de San Marcos (Venecia) fue requerido por Mantua de donde fue indebidamente despedido años antes, supo aprovechar la ocasión del requerimiento mantuano para escribirles una carta rechazando la oferta y a la misma vez marcar ruta para los futuros profesionales de la música cuyas directrices aún, en estos tiempos, siguen vigentes:

Valorar crematisticamente (dinero) su trabajo.

Seguridad en el puesto de trabajo, libre de posibles percances que pudieran suponer un despido.

Poder de decisión para contratar, programar, despedir si preciso fuera, admisión de nuevo personal, etc.

Absoluto respeto a la persona y al trabajo que desempeña.

Estas directrices que marcó MONTEVERDI en pleno siglo XVII no son las mismas que puedan demandar en la actualidad: DUDAMEL, MAKELA, etc.?

Cierto entonces que el sufrimiento soportado es capaz en ocasiones hacer que la persona se atreva a todo como dice en su frase VAUVEN.

Si me lo permiten un consejo: si te apetece conocer un poco la extensa obra de MONTEVERDI y concretamente su primera ópera «Fábula de Orfeo» acude a youtube encontrarás una versión grabada en 1978 en Zurich, dirigida por NIKOLAUS HARNONCOURT, una auténtica gozada! por lo menos para mí.

Y ahora te dejo con una foto de mi personaje de hoy: CLAUDIO MONTEVERDI.

Verano 2022.

(Santiago Ramón y Cajal)

La gran pasión que Don Santiago puso en favor de la hoy llamada neurociencia, es la misma que empleó el genio Mozart con las notas musicales.

Muchas, se dice que fueron las facultades que poseía este genio de los sonidos para instalarse en la cumbre musical pero hoy, y siempre desde mi perspectiva de aficionado a este arte, me detengo en dos: su versatilidad y su profundo sentido de la perfección.

Numerosos son los que han dedicado tiempo para analizar detalladamente al personaje en su doble aspecto: humano y artístico. Hoy, prefiero utilizar las conclusiones mozartianas a las que fue llegando con el estudio y el tiempo un explorador musical como NIKOLAUS HARNONCOURT y que sintetizó en su libro: «DIALOGOS SOBRE MOZART».

Y, de ahí, destaco una que a mi juicio hace clara referencia a la versatilidad y perfeccionismo deMOZART:

«Mozart no escribió ni una sola aria sin conocer al intérprete para el que estaba destinada. Y si aparecía otro cantante escribía rápidamente otra distinta.»

Entonces, para mí, está claro que esa gran pasión que ponía Mozart al servicio de la música, era acompañada de una gran versatilidad y perfeccionismo artístico, sin ambas, no sería posible lo dicho por Harnoncourt.

Igualmente pienso que si Mozart viviera en la actualidad, seguro que no aprobaría algunas interpretaciones de sus arias que se permiten ciertos solistas del momento.

Tienes suficiente material en youtube para disfrutar con este imperecedero genio pero no me resisto en aconsejarte que veas y oigas su Laudate Dominum, KV 339 interpretado por Patricia Janeckova, te llevara poco cuatro minutos y medio.

Otoño 2021.

El famoso compositor checo LEOS JANÁCEK, autor de la conocida ópera «La zorrita astuta » hizo la reflexión siguiente:

«Cuando alguien me hablaba, puede que no entendiese las palabras, pero captaba cómo subían y bajaban las notas. Y advertía en el acto cómo era esa persona: cómo se sentía, si estaba mintiendo, si estaba triste. Los sonidos, la entonación del habla humana -de cualquier otro ser vivo en realidad- siempre han encerrado para mí la verdad más profunda.»

Excelente retrato este de LEOS sobre el gran poder de la musicalidad, no te parece?

En cierta ocasión, GIACCOMO ROSSINI (ese que era conocido en Europa como «el rey de la melodía» y cuyas arias las cantaban en su tiempo los albañiles italianos) dijo de W.A. MOZART: «Fue la admiración de mi juventud, la desesperación de mis años de madurez y el consuelo de mi vejez»

J. BRAHMS, autor entre otras obras de un REQUIEM que bien escuchado te puede elevar a otro plano existencial, solía decir con frecuencia: «Componer no es difícil, lo complicado es dejar caer bajo la mesa las notas que son superfluas.»

Bien pensado, cuántas notas superfluas se observan en infinidad de composiciones a pesar de ser creaciones de autores consagrados pero ya, no hay solución!

El despotismo del Zar NICOLÁS I era tristemente célebre pero cuando en 1840 llegó tarde a un recital de FRANZ LISZT y además se puso a hablar, LISZT dejó inmediatamente de tocar su piano quedándose inmóvil, con la cabeza gacha. Cuando el Zar preguntó por qué había dejado de sonar el piano, LISZT dijo en tono helado: «Hasta la propia música debe callar cuando NICOLÁS habla»

No habrá en casi todos los conciertos públicos un disfrazado NICOLÁS que no duda en hablar cuando debe escuchar?

A finales del siglo XIX era mal visto dirigir sin partituras (de memoria) y un crítico del periódico The Times censuró a RICHARD WAGNER por dirigir la sinfonía num. 3 de BEETHOVEN sin partitura. En el siguiente concierto y con el mismo programa, WAGNER salió con una partitura en la mano ganándose el respeto de los críticos, hasta que descubrieron que la citada partitura era la del Barbero de Sevilla de ROSSINI (obra que para nada figuraba en el programa del día)

Pregunto: Podría WAGNER ser un poquito «chulito» con los críticos de su época además de buen Director y compositor?

Verano 2022.

En ocasiones la Música tiene el poder de reavivar los recuerdos con tal intensidad que a uno hasta le duele el corazón.»

( HARUKI MURAKAMI, en Hombres sin mujeres)

Languidecía con 40 grados a cuestas una de estas tardes del caluroso julio-22; me siento ante la pantalla y marco mi cadena favorita de música, la francesa MEZZO. Lo primero que observan mis ojos un primer plano del italiano (ya maduro) RICCARDO CHAILLY con su batuta en mano y dirigiendo la popular 40ª sinfonía de MOZART en una sala que rápidamente reconocí por haber estado allí en otras ocasiones. Rápidamente sigue a esta imagen otro primer plano en el que se observan: al primer flauta JACQUES ZOON y al primer oboe LUCAS MACIAS interpretando un dúo de la citada pieza mozartiana.

Tan rápida como un rayo mi memoria se traslada, provocada por las imágenes, al trienio 1988/1990; sentados cómodamente en la salida de mi anterior domicilio. Allí, todos los sábados a partir de las 8 de la mañana LUCAS y yo sintonizábamos la 2ª cadena de TVE para presenciar juntos el concierto de la semana.

A lo largo de los meses deducimos que TVE había firmado contrato con la sala CONCERTGEBOUW de AMSTERDAM para retransmitir en diferido los conciertos de la ROYAL CONCERTGEBOUW ORCHESTRA de temporada.

En la época, el Director de la prestigiosa orquesta (una de las señeras del mundo) era un joven RICCARDO CHAILLY que permaneció como titular de la misma durante varios años y su primer flauta era un no menos joven JACQUES ZOON que además de tocar como los «ángeles»lucía una ordenada melena rubia muy atractiva.

Durante los descansos para la obligada publicidad que emitía TVE en estos conciertos, mi acompañante LUCAS siempre me preguntaba: «podré algún día tocar mi oboe con estos músicos y este Director?» y mi respuesta sin hacerse esperar siempre la misma: «de momento reúnes condiciones para ser músico pero tendrás, durante muchos años que emplear muchísimas horas de estudio y además ganarte la presencia constante de la suerte que te llevaría a ese lugar.»

Su pasión musical, tenacidad en el estudio y suerte le hizo ganar la plaza de primer oboe de la ROYAL CONCERTGEBOUW ORCHESTRA permaneciendo en ella durante 7 años y abandonándola por propia iniciativa para estudiar en Viena Dirección de Orquesta.

En 2006 el destino acompañado por la excelencia artística eligió juntar a flautista y oboísta en la LUCERNA FESTIVAL ORQUESTA a la que, personalmente, llamo «la Orquesta de las orquestas» (grupo configurado por el fallecido CLAUDIO ABBADO reuniendo en sus atriles a los mejores del mundo: Filarmónica de Berlín, de Viena, de la Royal Concertgebouw, de la Radio Bávara, de Munich, etc.) que todos los años y en la suiza Lucerna durante el mes de agosto se reúnen para abrir el histórico y famoso festival.

Cuando en 2014 falleció ABBADO la dirección del festival eligió como sustituto al también italiano RICCARDO CHAILLY y miren por dónde!,los deseos de un niño, reiteradamente expresados cuando tenía 10/12 años se vieron totalmente cumplidos 28 años después. Los tres músicos: RICCARDO, JACQUES Y LUCAS mantienen una profunda y respetuosa amistad provocada y sustentada por la música.

Esta pequeña historia, rememorada por mi memoria confirma, una vez más que: con pasión, tenacidad, generosidad en el esfuerzo diario y sin olvidar la suerte, se pueden cumplir las aspiraciones humanas por elevadas que sean siempre que no se fijen de antemano calendarios definitivos.

Verano 2022