Autor: desdeelrincondefarkas

«La Música da alma al universo, alas a la mente, vuelos a la imaginación, consuelo a la tristeza y vida y alegría a todas las cosas».

                         (PLATÓN)

Si la Música hace todo lo que dice Platón, yo estoy con él, y entonces, como negarse a colaborar con la Literatura en beneficio de los humanos?

Si retrocedo en el tiempo compruebo que: Schoenberg, Mahler, Strauss, Wagner, Verdi, Liszt, Beethoven, Mozart,por citar algunos, se ocuparon en ocasiones de obras literarias como soporte artístico de sus composiciones con resultados diversos.

Hoy me ocuparé de Arnold Schoenberg y su composición titulada La noche transfigurada.

Pero antes hago mías las palabras que Harvey Sachs en su extraordinario libro: «Por qué Schoenberg: su vida, su música y su importancia hoy» le dedica:

«Qué pena que el nombre de Schoenberg todavía asuste a tantos melómanos. Algunas de sus canciones podrían ser escuchadas con gran placer incluso por reaccionarios musicales si estuvieran firmadas por otro compositor».

La noche transfigurada es uno de los poemas que bajo el título  : Mujer y mundo escribió Richard Dehmel e impactó tanto a Schoenberg que decidió acompañarlo de música.

En 1899 terminó de componerlo, en principio para un sexteto de cuerdas (2 violines, 2 violas y 2 chelos) se estrenó en 1902 y posteriormente lo revisó para orquesta de cuerdas que es como más se interpreta en la actualidad.

El argumento del poema muy impactante en el siglo XIX, hoy ya ridículo, cuenta la historia de una mujer que por sus ansias de convertirse en madre queda embarazada de un hombre al que no quiere. Una noche da un paseo con un señor que le gusta y al que quiere, con gran tristeza le cuenta su desafortunada historia culpandose y declarándose infeliz para siempre. Su acompañante, enamorado también de ella, responde que no se preocupe porque aceptaría ser el padre de un hijo que sabe no es suyo.

Schoenberg, logró una partitura tan magnífica, tan pegada y descriptiva del texto del poema que al escucharla se sienten hasta los pasos de los enamorados, igualmente supo captar a la perfección con la mayor emotividad la conversación que mantenían los dos interlocutores hasta llegar a su final feliz.

Y, todo ello respetando las leyes de la armonía aún vigentes aunque en ocasiones se vislumbre su futuro tránsito a la atonalidad.

Disfruto tanto con esta obra que me lleva a conocer interpretaciones de grupos diferentes e incluso en una ocasión la disfruté en directo en la ciudad de Oporto con aceptable resultado.

Si, te encuentras dispuesto a invertir 30 minutos en ella te sugiero lo hagas en YouTube con la ORQUESTA DE CAMARA NORUEGA, demuestran que lo hacen dignamente y sin partituras. Si prefieres gastar dinero en Digital Concert (Filarmonica de Berlin) conocerás la version de su actual Director Kiril Petrenko. Te garantizo que no te arrepentirás.

https://www.rtve.es/play/audios/musica-y-significado/musica-significado-schoenberg-noche-trans-13-10-17/4256739/

De todas formas te dejo este enlace por si te apetece conocer este maravilloso trabajo sobre esta obra que hicieron: Luis Angel de Benito y Enrique Rueda.

Y no olvides ni a Platón ni a Cioran ya que este último también dijo:

“El arte anestesia la infelicidad.”

Y personalmente añado: “la música como arte transfigura nuestras emociones para nuestro bien.”

Otoño 2025

Escasos son los compositores que, catalogados por la Historia de la Música, hayan dedicado algunos de sus trabajos a recoger mediante notas musicales aspectos variados de la historia de sus pueblos.

En esto, Dmitri Shostakovich a mi juicio se lleva la medalla de oro porque en varias de sus 15 sinfonías describe como vivían sus gentes y que hacían sus representantes políticos por ellas.

Me limitaré en el presente a destacar las más claras e importantes por su específico objeto a sabiendas de que compuso otras sinfonías en las que usando la ironía recogía malestares del pueblo con sus políticos.

Usaré la fecha histórica del acontecimiento que Dmitri nos contó en forma de pentagrama:

Revolución de 1905

Aunque Dmitri nació en 1906 su padre que vivió y participó le contó lo ocurrido: una gran manifestación de obreros y campesinos acudieron a las puertas del palacio del zar Nicolás II de forma pacífica para solicitar mejoras de vida.

La guardia del zar respondió matando a miles de personas incluidos niños.

Este desafortunado hecho histórico lo llevó Dmitri al pentagrama en forma sinfonía con el núm. 11 de su catálogo.

El año 1917

Así titula su sinfonía núm. 12 que nos cuenta en forma programática los acontecimientos de la revolución rusa, es un homenaje a Lenin.

El año 1941

Ocurrió el asedio nazi a Leningrado que se prolongó durante 900 días muriendo de hambre y frío miles de personas. Dmitri se dedicó a componer su sinfonía núm. 7 titulada Leningrado estrenada durante el asedio y divulgada a través de altavoces callejeros para imprimir fortaleza a sus vecinos y desmotivar a los nazis quedando estos sorprendidos por el acontecimiento oído.

Finales de 1941

El 29/09/1941 en Kiev (en un barranco situado en las afueras de la ciudad llamado Babi Yar) los nazis, ayudados por antisemitas rusos congregaron a 33.000 judíos para matarlos.

La sinfonía con el num. 13 titulada Babi Yar por Dmitri, está estructurada en 5 movimientos con letras del poeta Yevtushenko, se trata de una denuncia contra el antisemitismo.

En estas obras hay pasajes cantados por solistas o coros de gran belleza pero si no estuvieras familiarizado con la música de Shostakovich debes tener paciencia y ser persistente hasta disfrutar con la música de uno de los más importantes sinfonistas del siglo XX, en YouTube podrás encontrar todas estas sinfonías.

Os dejo con una foto de mi personaje de hoy

Otoño 2025

“La música produce un tipo de placer del que la naturaleza humana no puede prescindir.”

CONFUCIO

Totalmente de acuerdo contigo estimado filósofo chino porque desde muy pequeño comencé a sentir ese placer que hasta hoy me tiene atrapado y seguro que me tendrá hasta que la Parca me llame.

A mi modesto entender, la música ya nació con los primeros humanos dotada de ese poder de vinculación social que sigue perpetuando.

Esos hombres que llamamos primitivos ya la usaban para vincular a sus respectivas tribus, por ello la practicaban en sus celebraciones fueran: tristes (en los fallecimientos ) alegres (en otros acontecimientos) o simplemente por relajamiento después de una ardua jornada de caza.

Este legado de la historia de la humanidad se ha ido transmitiendo hasta llegar a nosotros pobladores de la era digital.

De esta vinculación inherente a la música han sabido suficiente los políticos, los religiosos, los militares y hoy hasta los dirigentes de los equipos de fútbol. Las huellas están en los himnos, las marchas, los cánticos religiosos, etc.

Y así, esta vinculación según quienes la promueven y protagonizan, puede tener diferentes fines desde el hermanamiento social al odio de los pueblos o razas. En este último sentido es digno de mención las palabras que Martín Luther King Jr en 1967 dedicó a los pinchadiscos negros que se reunieron en Atlanta:

“Habéis desbrozado el camino del cambio político y social, y creado un poderoso puente cultural entre blancos y negros. La integración en las escuelas resulta mucho más fácil ahora que ambas razas tienen una música en común, un lenguaje en común, y se divierten con los mismos bailes. Vosotros introdujisteis a la juventud en esa música, creasteis un lenguaje del alma y promovisteis los bailes que ahora traspasan las barreras entre razas, clases y naciones.”

Otro caso en positivo obra de la vinculación musical lo tenemos en 1941. Ese año la ciudad de Leningrado fue cercada durante 900 días por el ejército nazi, murieron miles de personas por hambre y Shostakovich compuso para la ocasión su sinfonía Leningrado que fue estrenada durante el cerco y transmitida a la población mediante altavoces; los nazis presentes quedaron estupefactos del efecto provocado por la música en la población por su resistencia.

Prefiero omitir los efectos negativos, que han sido muchos en la vida, a consecuencia de la utilización de la música para fines nefastos y odiosos.

Vuelvo para terminar a Confucio y le diría que, los únicos que escapan del placer musical son los llamados amusicos, personas que por limitaciones físicas o por falta de ayuda en su momento no pudieron gozar de este arte universal y me solidarizo con ellos.

Pues si, así dirán en mi vecino Portugal a la retirada definitiva de su gran estrella del piano Maria Joao Pires.

Pires, el pasado 1 de noviembre afirmó a un medio portugués: “Ya no soy pianista”. Se retira a sus 81 años de los escenarios del mundo después de haber forzado la máquina costándole el esfuerzo un accidente cerebrovascular del que piensa cuidarse.

El mundo del piano pierde a una emblemática figura que aportó en su larga carrera muchas innovaciones todas cargadas de un exquisito gusto musical y sobradas de excelencia.

También se entregó a la pedagogía pianistica enriqueciendo a gran cantidad de jóvenes promesas que hoy visitan los escenarios del mundo.

Por si poco fuera fundó un centro de acogida para jóvenes carentes de recursos pero portadores de grandes dotes musicales aportando importantes cantidades de dinero y recabando toda la ayuda posible de las instituciones portuguesas.

Sus seguidores nos consolaremos con su gran legado ante la ausencia definitiva de los escenarios y siempre le desearemos una pronta recuperación física.

Se entiende por oído absoluto aquella facultad que poseen escasas personas de identificar con precisión fuera de contexto musical el sonido emitido por ejemplo la bocina de un automóvil (que nota musical ha producido) al sonar el claxon.

Esta facultad se estima que únicamente la posee el 1 por ciento de la población mundial.

El niño Mozart, prematuro en todo, pronto se encargó de decir al mundo con sus acciones: “yo tengo oído absoluto para bien y para mal”

Si, porque aunque para su profesión fuese una gran ventaja, para otras cuestiones de la vida era un inconveniente que a veces causaba dolor.

Tanto es así que, en el famoso libro de: Jean y Brigitte Massin titulado Mozart se dice: “ciertos sonidos le resultaban insoportables” y se narra la aversión enorme que sentía por el sonido de la trompeta, hasta el punto de ponerle enfermo.

Pero esta versión del oído absoluto pronto tendría su contraria respuesta; si porque en 1769 con 13 añitos lo llevó su padre Leopoldo (excelente promotor de su hijo) a Italia para que conociera la importante música que allí se hacía.

Y, en la Semana Santa de 1770 en Roma tuvo la oportunidad de escuchar el famoso Misserere De Gregorio Allegri cuya partitura estaba blindada sin poder acceder nadie a ella.

Mozart, haciendo gala de su oído absoluto y de su prodigiosa memoria musical inmediatamente escribió en notas todo el Misserere, dejando boquiabiertos al Papa y a sus acompañantes.

Termino solidarizándome con todos los poseedores del oído absoluto deseándoles leves molestias de esta ruidosa sociedad que nos ha tocado vivir.

otoño 2025

Todos sabemos la insuficiente afición a la Música clásica de nuestro país más aún si la comparamos con otros países europeos. Si de ese escaso número de aficionados separamos a aquellos que les gusta leer las recensiones de conciertos publicadas en revistas especializadas o en prensa ordinaria, nos quedaríamos, a mi juicio, con una cifra ridícula por su cuantía.

Me cuento complacido como uno de los que formamos ese pequeño grupo y por ello, con el mejor ánimo posible, me permito hacer unas sugerencias a los profesionales del ramo dedicados a este asunto:

-Suprimiría contar la historia de la obra que se interpreta, motivo: los que no la sepan pero tengan interés, acudirán en internet a buenas fuentes.

-Igualmente suprimiría hacer introducciones personales que nada interesan a los posibles lectores.

Sí, pondría el mayor énfasis posible en destacar de las interpretaciones lo siguiente:

-La afinación del conjunto, de las diferentes familias instrumentales así como de los posibles solos que contenga la obra.

-El empaste, tanto el general como el de grupos.

-Los ataques, si son claros, precisos y exactos.

-El balance sonoro general y parcial.

-El fraseo y las dinámicas.

-Los matices, fueron correctamente expresados?

-Si la interpretación fue acorde al estilo al que pertenece la obra.

-Los tiempos de cada movimiento, se respetaron?

-Los silencios, fueron correctos en tiempo?

-El ritmo de la obra en sus diferentes partes, ha sido respetado?

-Si, el concierto objeto de recensión contiene obras vocales: las vocalizaciones correctas o no?-Registros graves-agudos correctos o no? Empaste de voces si de coro se trata.

Consciente de que todo esto que cito y más que dejo en el tintero exige un gran esfuerzo de concentración durante el tiempo que dura el concierto, requiere también una profesionalidad excepcional y un escrupuloso criterio de justicia aplicada al arte musical que no debe admitir duda alguna a estos efectos citó un día N. Harnoncourt: «Absolutamente perdonado por mi parte quienes guiados por la perfección artística y en un gesto de riesgo cometen algún fallo.»

Decía en tono irónico el gran Bernstein: «no veo por ningún sitio una escultura a un crítico de música»

Opino que alguno puede que la merezca por hacer, siempre su trabajo con brillantez y honestidad.

Otoño 2025

 

 

Segurísimo que la frase que abre el presente post es aplicable a muchas situaciones de nuestra vida cotidiana pero en el caso de la música debe ser siempre el fin último por excelencia.

Y, no solo para los intérpretes sino igualmente para los que acudimos como oyentes porque de cumplirse este objetivo se habrá hecho realidad la esencia fundamental de este arte.

A este respecto decía Nadia Boulanger:

“Como intérpretes tienen que tocar con honestidad, no para expresarse ustedes mismos, sino para expresar la música”

Esa honestidad de la que habla Boulanger debe suponer antes de llegar al escenario el abandono de todo tipo de problemas que puedan perturbar la entrega incondicional a la partitura que se trate e igualmente el abandono de significarse gestualmente cuando innecesario fuere.

Nosotros como oyentes, también tenemos la obligación de entregarnos en cuerpo y alma a la obra de arte que se nos ofrece. Aparquemos nuestros posibles problemas del tipo que sean, dejemos el móvil como dejamos el abrigo en el perchero; concentrémonos en lo que se nos da que no es otra cosa que tener la oportunidad de, por un momento poder ser mucho más felices que cuando traspasamos el umbral del auditorio o teatro.

Si a lo anterior añadimos un conocimiento histórico del compositor y de la obra que se pretende interpretar, cuestión hoy fácil de alcanzar gracias a internet, entonces el éxito quedará garantizado que es repito, la esencia de nuestro arte.

Otoño 2025

No es ninguna novedad las ansias de perfeccionismo que siempre estaban presentes en MAHLER.

Hasta el punto en cierta ocasión de rectificar una partitura nada menos que de Beethoven.

Cuando la prensa especializada vienesa tomó conciencia del hecho, le montó una campaña que traspasó los límites de lo tolerante.

Pero ese ansia perfeccionista se lo aplicaba a su obra?

Pues si porque la mayoría de sus sinfonías eran rectificadas casi constantemente por encontrar modos de expresión mejores de cara a la mejor interpretación posible.

Hasta el punto era evidente la idea de perfección musical en esta persona que en cierta ocasión llegó a decir: “saludo al director que en el futuro modifique mis partituras de acuerdo a la acústica de la sala de concierto”

Igualmente, no le importaba que, en aras de la esencia de una interpretación se modificara el tiempo invertido en un determinado movimiento aunque se invirtiesen 4 o 5 minutos más.

Resumiendo, esto es predicar con el ejemplo, algo a mi juicio muy positivo de este Director/compositor generoso en pos de la perfección musical.

Otoño 2025

Hoy me ocuparé de un tema ya recurrente en este blog sobre directores de orquesta pero en la ocasión utilizando la principal argumentación expresada por persona más capacitada que yo, si porque es obvio que Gustav Mahler me supera infinitamente en todo lo concerniente a la Música.

Disfrutando ya de su etapa en el Met de Nueva York, MAHLER tuvo que desplazarse a Boston para dirigir: la Walkyria, Don Giovanni y Tristan. Allí fue entrevistado por el corresponsal del Boston Herald a quien dijo: «aborrezco la dirección demasiado vistosa y declaro que el director está para interpretar  al compositor y no para agitar su bandera, como un jefe de estación. Todo exceso de energía gratuita distrae al oyente.«

Si en 1907, Mahler ya observa que hay señores más preocupados por hacer gimnasia en los podium y lucir sus cuerpos en lugar de leer correctamente al compositor figurense lo que vendría después.

Y, lo que me resulta difícil entender es que, orquestas de prestigio mundial den cancha a estos personajes en sus respectivas salas, no sé qué persiguen con esto.

Pero, la aplaudida y justa victoria de la mujer al conquistar su presencia como directora de orquesta, cosa que hasta hace poco les estaba prohibido tampoco ha solucionado el problema porque veo a muchas de ellas ondear sus banderas y lucir sus cuerpos en lugar de penetrar en las entrañas de la partitura para que los profesionales y el público disfrutemos del concierto.

No creo en absoluto que sea esto lo que se enseña en las Universidades de Dirección Orquestal de todos modos los que podrían acabar con esta antiestética corriente, ya instalada en los auditorios del mundo, son los profesionales que tienen que soportar a estos “jefes de estaciones como dice Mahler que hoy andan por los escenarios”

Acabando el caluroso verano 2025.

Lo aprecio como artista pero no menos como humano

                           (Un convencido mahleriano)

La vida de Gustav Mahler, desde su nacimiento según sus más excelsos biógrafos y su esposa Alma, siempre estuvo repleta de emociones negativas: abundancia de muertes, discriminaciones raciales por su condición de judío, maltrato de su padre, vejaciones de la crítica musical con insultos personales, etc., únicamente su madre, suponía un leve respiro en su vida.

Pero, su fuerte carácter, sus ideas muy claras en todo momento le ayudaban a soportar todos los sufrimientos, no obstante, como humano en ocasiones hacia declaraciones o enviaba cartas a sus amigos en las que ponía en evidencia su momentánea fatalidad y hoy, me hago eco de una carta que con 18 añitos escribió a uno de sus amigos y que Norman Lebrecht recoge en su entretenido libro: POR QUE MAHLER? (ALIANZA MÚSICA):

“Cuando la abominable tiranía de nuestra moderna hipocresía y falsedad me ha llevado hasta el punto de deshonrarme a mí mismo, cuando la inextricable red de condiciones en el arte y en la vida ha llenado mi corazón de asco por todo lo que me es sagrado -el arte, el amor, la religión-, qué salida hay sino la autoliquidacion?. Lucho como un salvaje para romper los lazos que me encadenan al repugnante e insípido pantano de esta vida, y con toda la fuerza de la desesperación me aferro a la tristeza, mi único consuelo. Entonces, de repente, el sol vuelve a sonreírme y desaparece el hielo que me aprisionaba el corazón; vuelvo a ver el cielo azul y las flores columpiandose al viento, y mi risa burlona se deshace en lágrimas de amor. Por eso tengo que amar este mundo con todo su engaño y frivolidad y su eterna  risa.»

Esta fue la desesperada carta que escribió a su compañero de clase Josef Steiner, y me pregunto: es normal que en el siglo XIX un chico de 18 años se exprese así al margen incluso de su escabrosa vida?. Para mí, no,lo que viene a demostrarme que Gustav no sólo fue un gran artista de los sonidos musicales lo era tambien desde pequeño de los sonidos que constantemente nos emite la vida, expresando además sus sensaciones (agradables o desagradables) con un desparpajo verbal o escrito digno de admiración y respeto.

Si elegí el presente documento para ilustrar el presente post mahleriano es porque cada día tengo más claro que su gran obra musical está profundamente impregnada de estos contrastes vitales que trasluce en su dramática carta, continuos movimientos -tristeza / alegría, odio / amor-. Así fue Mahler hasta el 18 de mayo de 1911 fecha de su fallecimiento.

Agonizando ya el caluroso verano 2025.