Autor: desdeelrincondefarkas

“De mi modo de tocar emana cierta magia que no puedo describir.”

(Niccolo Paganini)

Me resultaría extraño que jamás en su vida haya oído el nombre de Paganini.

Este famosísimo violinista y compositor nacido en Génova (1782) y fallecido en Niza (1840) fue uno de los primeros exponentes de lo que hoy, hemos dado en llamar “el mundo de los fans”; revolucionó las audiencias musicales de los siglos XVIII y XIX por verle en escena con su largo arco y su violín.

Si su tipo poseía curioso atractivo para las masas de oyentes, mucho más atractivo era verle desplegar en escena su omnipotente técnica musical; se cuenta que en ocasiones salía al escenario con 3 cuerdas rotas y con 1 solamente hacía el deleite de todos los concurrentes.

En su faceta de compositor se mostraba tan celoso y precavido que, cuando en los conciertos se interpretaban obras suyas una vez terminadas el mismo acudía a todos los atriles para recoger las partituras y guardárselas, evitando así los posibles plagios que han existido y siguen existiendo en la actualidad.

Paganini siempre sintió auténtico afecto por su colega Héctor Berlioz (1803/1869) nacido en Paris y al que llegaron a llamar “el segundo Beethoven” autor de la famosa “Sinfonía Fantástica” que año tras año se sigue oyendo en todos los auditorios del mundo.

El 22 diciembre 1833 asiste Paganini en Paris a un concierto que dirigía Berlioz y al finalizar acude para presentarse a su colega. En la conversación Paganini le dijo que poseía una viola de Stradivarius y que aunque su especialidad era el violín, le gustaría me compusieras una obra en la que la viola tuviese un papel primordial como solista.

A Berlioz le encantó la idea imaginándose que su futuro intérprete sería Paganini y de inmediato prometió ponerse manos a la obra.

Pocos días después Paganini hizo entrega a Berlioz como adelanto por su trabajo la cantidad de 20.000 francos, cantidad que jamás se había pagado nunca por similar encargo musical.

Berlioz, siempre cortito de dinero, se puso a trabajar en el proyecto titulado Sinfonía de Harold en Italia, con frecuentes intervenciones de la viola solista.

Cuando finalizó el primer movimiento de la sinfonía se lo mostró a Paganini, examinado por el violinista le comentó a Berlioz que eso no era lo que él esperaba ya que había momentos en que la viola no aparecía y, cuando lo hacía le faltaba mucho virtuosismo para poder lucirse.

A finales de 1834 se estrenó la obra en Paris y fue criticada desfavorablemente por la prensa obligando al compositor a continuos retoques de mejora.

Paganini nunca la interpretó por lo que se cree que la finalidad de su encargo era fundamentalmente tener un detalle solidario con un joven Berlioz que en esos momentos lo pasaba muy mal económicamente como consecuencia de que sus obras no acaban de triunfar.

Como en la vida, en Música siempre habrá alguien que sea solidario con el compañero.

Termino con una histórica anécdota sobre Paganini:

“En 1831 un periódico musical francés decía: Paganini es el Demonio en el escenario…postrémonos ante el Demonio y adorémoslo.

(Miguel de Cervantes)

Si Don Miguel se expresó así en pleno siglo XVI que podría haber dicho en el siglo XXI?.

Si, porque aunque la música existe desde que existimos los humanos, no es menos cierto que en el siglo XVI no tenía el mismo protagonismo que tiene en nuestra sociedad actual. Pero Don Miguel se percató muy pronto del poder de la música y por eso lo dijo.

Y, lo más sorprendente es que, hoy que cierta investigación rigurosa existe sobre el tema, se llega a la conclusión que la transfiguración que origina la música no solo es aplicable a nosotros los humanos, se extiende al parecer a otros animales y a ciertas plantas. Como se sabe la materia prima de la música es el sonido y el sonido simplemente es vibración. Cuando esas vibraciones son acordes a la naturaleza de modo general, se producen en ciertos animales y plantas beneficios que generan conductas favorables para sus vidas con repercusiones en los productos que ellos generan.

Cuando las vibraciones son extremadamente exageradas provocan un retardo en su normal desarrollo que afectan además a los productos que ellos nos brindan. Ejemplo: las vaquerizas situadas en las cercanías de aeropuertos (contaminación acústica exagerada) provocan que los animales produzcan menos leche que si se encontraran en lugares naturales sin ruidos excesivos.

Y, ahora nos llega el turno a los humanos y para ello nada mejor que el texto contenido en esta foto

Este texto ya obsoleto se ha quedado corto porque la música, en la actualidad, también ha comenzado a desarrollar una importante tarea como cuidadora de nuestra salud:

Excelente terapia para enfermos de Alzheimer; excelente ayuda en quirófanos para enfermos y profesionales sanitarios; excelente aliciente en consultas de rehabilitación fisiológica; excelente motivador en gimnasios; excelente también en terapias grupales; dinamizadora para trabajos rutinarios y altamente pesados, recuérdese que hasta hace poco este tipo de trabajadores cantaban para aliviar sus pesares, en España canciones o flamenco y en Italia arias de óperas de Rossini, Verdi, etc.

Imaginaros por un momento qué sería de las fiestas (civiles o religiosas) si de repente prohibieran la utilización de la música?

Permítanme para cerrar: aférrense a la música, la que os guste, y comprobaréis como ser más felices y mejores personas y salir airosos de los sinsabores que la vida nos acarrea.

Enero 2026

«Mientras me aplaudan como virtuoso me negarán la calidad de compositor»   (LISZT)

Su padre, Adam Liszt, a punto de morir le dijo: «Tu talento te librara de cualquier imprevisto. Tu corazón es bondadoso y grande tu inteligencia. Pero temo por ti a las mujeres, que perturbarán y dominaran tu vida.» Su padre, cargado de conocimiento e intuición, veía con claridad el futuro de su hijo.

En su larga carrera profesional (teniendo en cuenta la época) se distinguen dos etapas: la dedicada al piano y la empleada en la composición musical alternándola con la dirección de orquestas y la enseñanza; en ambas etapas fue muy prematuro ya que su padre también componía y pronto comenzó a enseñarle el arte de componer.

Su fenotipo fue agradecido con su persona, si añadimos su asombrosa técnica pianistica al exquisito gusto musical que poesía, no había duda que todas las salas se llenaban para admirarlo e incluso si posible era arrancarle un mechón de su largo pelo rubio como recuerdo.

Al margen de lo anecdótico o fanático qué aportó Liszt al piano?

Fue el primero en colocar en el escenario el piano en ángulo recto respecto del público para que se observara su peculiar digitación. El primero en tocar de memoria todas las obras; el primero en interpretar con la tapa del piano levantada para favorecer la reverberación en toda la sala; el primero en dedicar un concierto íntegro al piano inventando el término “recital “ que sigue vigente.

Dejó un amplio catálogo de obras exclusivas para el piano. Y, con los fabricantes de pianos colaboró decididamente a la mejora del instrumento.

Como hace 139 años que murió resulta difícil hacerse una idea de cómo tocaba su piano, en esa época no existían las grabaciones, pero a modo de aproximación sugiero que si lo desean entren en YouTube y vean su obra titulada “La campanella” en la versión de Lang Lang, pudiera darse cierto parecido aunque las comparaciones sean odiosas.

Para finalizar con el virtuoso del piano, esto es lo que dijo Robert Schumann al asistir a un recital de su colega Liszt:

“Nunca he conocido a ningún artista, excepto Paganini, que posea en un grado tan elevado como Liszt esa capacidad de subyugar, elevar y dominar al público.”

Su faceta como compositor nos deja cerca de mil obras de estilos diversos: sonatas, sinfonías, poemas sinfónicos, rapsodias, misas, salmos, conciertos para piano y orquesta, oratorios, una ópera, transcripciones para piano de obras de Beethoven, Berlioz, Schubert, Rossini, Verdi y Wagner, todas estas transcripciones muy logradas.

Liszt califica sus obras como “música del porvenir “ entendiendo música nueva progresista, encaminada a superar las formas musicales tradicionales y a reflejar el espíritu intelectual, literario y filosófico de su época.

Esta nueva visión compositiva le originó muchos críticos y por ello llegó a decir durante su época de retiro en Roma:

“Mi música no gusta a los eclesiásticos y me parece heterogénea para los oídos mundanos.”

Posiblemente llevara razón y puede que por ello sus obras (de mucho mérito) no acaben de gozar de la popularidad de otros colegas suyos que continuamente están en los programas de los auditorios del mundo.

No se separaba desde temprana edad de tres libros: Fausto, La divina comedia y su Breviario, algo muy en consonancia con su personalidad.

En YouTube encontrarás muchas obras de su catálogo acércate a conocerlo y te alegrarás .

No es la primera vez que acudo a SCHUBERT en el blog y amenazo que posiblemente tampoco será la última.

Hace ya medio siglo que me atrapó y a el recurro con notable frecuencia porque toda su música [unas 1500 obras] de todo tipo: sinfonías, cuartetos, trios, sonatas, misas, canciones, marchas, fantasías, quintetos, etc, me apasionan y de alguna forma me alegran la vida.

Schubert, austriaco, nació en Viena en 1797 seis añitos después de la muerte de Mozart [1791] y 27 años después del nacimiento de Beethoven [1770] estos datos, evidentemente ocasionales, resultan muy importantes para su carrera porque durante su corta vida [31 años] tuvo que lidiar, nada más y nada menos que con la presión artística que irradiaban en toda Europa Mozart y Beethoven que quierase o no contribuian a ensombrecer su obra en esos tiempos.

Pero Schubert no se hundió por la insistente presencia de la Música de los dos fenómenos antes citados y, con imaginación, supo adaptar su producción musical a formas musicales menos en uso en la época: véase su colección de 600 canciones (lieder) con acompañamiento de piano y letras de escritores notables que siguen sin ser superadas en la actualidad.

No obstante, es lógico que a veces tendría «bajones» de autoestima profesional y puede que por ello dijera en cierta ocasión:

«Yo también espero, en secreto, que saldrá algo bueno de mi. Y sin embargo, después de Beethoven, me pregunto realmente si queda algo por hacer.»

Tu humildad, estimado Franz, te engrandece, es una pena que no hayas podido conocer el éxito que hoy tienen la mayoría de tus obras en todos los escenarios del mundo pero, desgraciadamente, así de tacaña fue la vida contigo.

Por ello, a pesar de los pesares, sigues compartiendo historia musical junto a Mozart y Beethoven.

Si me permites, a título de ejemplo te sugiero que acompañes esta lectura con la audición de los Impromtus op. 90 interpretados por la recién retirada de los escenarios Maria JOAO PIRES, en YouTube están y te garantizo de que no te defraudaran.

Por algo dijo Igor Strawinsky:

“Se duerme uno con Schubert pero despierta en el Cielo.”

«La Música da alma al universo, alas a la mente, vuelos a la imaginación, consuelo a la tristeza y vida y alegría a todas las cosas».

                         (PLATÓN)

Si la Música hace todo lo que dice Platón, yo estoy con él, y entonces, como negarse a colaborar con la Literatura en beneficio de los humanos?

Si retrocedo en el tiempo compruebo que: Schoenberg, Mahler, Strauss, Wagner, Verdi, Liszt, Beethoven, Mozart,por citar algunos, se ocuparon en ocasiones de obras literarias como soporte artístico de sus composiciones con resultados diversos.

Hoy me ocuparé de Arnold Schoenberg y su composición titulada La noche transfigurada.

Pero antes hago mías las palabras que Harvey Sachs en su extraordinario libro: «Por qué Schoenberg: su vida, su música y su importancia hoy» le dedica:

«Qué pena que el nombre de Schoenberg todavía asuste a tantos melómanos. Algunas de sus canciones podrían ser escuchadas con gran placer incluso por reaccionarios musicales si estuvieran firmadas por otro compositor».

La noche transfigurada es uno de los poemas que bajo el título  : Mujer y mundo escribió Richard Dehmel e impactó tanto a Schoenberg que decidió acompañarlo de música.

En 1899 terminó de componerlo, en principio para un sexteto de cuerdas (2 violines, 2 violas y 2 chelos) se estrenó en 1902 y posteriormente lo revisó para orquesta de cuerdas que es como más se interpreta en la actualidad.

El argumento del poema muy impactante en el siglo XIX, hoy ya ridículo, cuenta la historia de una mujer que por sus ansias de convertirse en madre queda embarazada de un hombre al que no quiere. Una noche da un paseo con un señor que le gusta y al que quiere, con gran tristeza le cuenta su desafortunada historia culpandose y declarándose infeliz para siempre. Su acompañante, enamorado también de ella, responde que no se preocupe porque aceptaría ser el padre de un hijo que sabe no es suyo.

Schoenberg, logró una partitura tan magnífica, tan pegada y descriptiva del texto del poema que al escucharla se sienten hasta los pasos de los enamorados, igualmente supo captar a la perfección con la mayor emotividad la conversación que mantenían los dos interlocutores hasta llegar a su final feliz.

Y, todo ello respetando las leyes de la armonía aún vigentes aunque en ocasiones se vislumbre su futuro tránsito a la atonalidad.

Disfruto tanto con esta obra que me lleva a conocer interpretaciones de grupos diferentes e incluso en una ocasión la disfruté en directo en la ciudad de Oporto con aceptable resultado.

Si, te encuentras dispuesto a invertir 30 minutos en ella te sugiero lo hagas en YouTube con la ORQUESTA DE CAMARA NORUEGA, demuestran que lo hacen dignamente y sin partituras. Si prefieres gastar dinero en Digital Concert (Filarmonica de Berlin) conocerás la version de su actual Director Kiril Petrenko. Te garantizo que no te arrepentirás.

https://www.rtve.es/play/audios/musica-y-significado/musica-significado-schoenberg-noche-trans-13-10-17/4256739/

De todas formas te dejo este enlace por si te apetece conocer este maravilloso trabajo sobre esta obra que hicieron: Luis Angel de Benito y Enrique Rueda.

Y no olvides ni a Platón ni a Cioran ya que este último también dijo:

“El arte anestesia la infelicidad.”

Y personalmente añado: “la música como arte transfigura nuestras emociones para nuestro bien.”

Otoño 2025

Escasos son los compositores que, catalogados por la Historia de la Música, hayan dedicado algunos de sus trabajos a recoger mediante notas musicales aspectos variados de la historia de sus pueblos.

En esto, Dmitri Shostakovich a mi juicio se lleva la medalla de oro porque en varias de sus 15 sinfonías describe como vivían sus gentes y que hacían sus representantes políticos por ellas.

Me limitaré en el presente a destacar las más claras e importantes por su específico objeto a sabiendas de que compuso otras sinfonías en las que usando la ironía recogía malestares del pueblo con sus políticos.

Usaré la fecha histórica del acontecimiento que Dmitri nos contó en forma de pentagrama:

Revolución de 1905

Aunque Dmitri nació en 1906 su padre que vivió y participó le contó lo ocurrido: una gran manifestación de obreros y campesinos acudieron a las puertas del palacio del zar Nicolás II de forma pacífica para solicitar mejoras de vida.

La guardia del zar respondió matando a miles de personas incluidos niños.

Este desafortunado hecho histórico lo llevó Dmitri al pentagrama en forma sinfonía con el núm. 11 de su catálogo.

El año 1917

Así titula su sinfonía núm. 12 que nos cuenta en forma programática los acontecimientos de la revolución rusa, es un homenaje a Lenin.

El año 1941

Ocurrió el asedio nazi a Leningrado que se prolongó durante 900 días muriendo de hambre y frío miles de personas. Dmitri se dedicó a componer su sinfonía núm. 7 titulada Leningrado estrenada durante el asedio y divulgada a través de altavoces callejeros para imprimir fortaleza a sus vecinos y desmotivar a los nazis quedando estos sorprendidos por el acontecimiento oído.

Finales de 1941

El 29/09/1941 en Kiev (en un barranco situado en las afueras de la ciudad llamado Babi Yar) los nazis, ayudados por antisemitas rusos congregaron a 33.000 judíos para matarlos.

La sinfonía con el num. 13 titulada Babi Yar por Dmitri, está estructurada en 5 movimientos con letras del poeta Yevtushenko, se trata de una denuncia contra el antisemitismo.

En estas obras hay pasajes cantados por solistas o coros de gran belleza pero si no estuvieras familiarizado con la música de Shostakovich debes tener paciencia y ser persistente hasta disfrutar con la música de uno de los más importantes sinfonistas del siglo XX, en YouTube podrás encontrar todas estas sinfonías.

Os dejo con una foto de mi personaje de hoy

Otoño 2025

“La música produce un tipo de placer del que la naturaleza humana no puede prescindir.”

CONFUCIO

Totalmente de acuerdo contigo estimado filósofo chino porque desde muy pequeño comencé a sentir ese placer que hasta hoy me tiene atrapado y seguro que me tendrá hasta que la Parca me llame.

A mi modesto entender, la música ya nació con los primeros humanos dotada de ese poder de vinculación social que sigue perpetuando.

Esos hombres que llamamos primitivos ya la usaban para vincular a sus respectivas tribus, por ello la practicaban en sus celebraciones fueran: tristes (en los fallecimientos ) alegres (en otros acontecimientos) o simplemente por relajamiento después de una ardua jornada de caza.

Este legado de la historia de la humanidad se ha ido transmitiendo hasta llegar a nosotros pobladores de la era digital.

De esta vinculación inherente a la música han sabido suficiente los políticos, los religiosos, los militares y hoy hasta los dirigentes de los equipos de fútbol. Las huellas están en los himnos, las marchas, los cánticos religiosos, etc.

Y así, esta vinculación según quienes la promueven y protagonizan, puede tener diferentes fines desde el hermanamiento social al odio de los pueblos o razas. En este último sentido es digno de mención las palabras que Martín Luther King Jr en 1967 dedicó a los pinchadiscos negros que se reunieron en Atlanta:

“Habéis desbrozado el camino del cambio político y social, y creado un poderoso puente cultural entre blancos y negros. La integración en las escuelas resulta mucho más fácil ahora que ambas razas tienen una música en común, un lenguaje en común, y se divierten con los mismos bailes. Vosotros introdujisteis a la juventud en esa música, creasteis un lenguaje del alma y promovisteis los bailes que ahora traspasan las barreras entre razas, clases y naciones.”

Otro caso en positivo obra de la vinculación musical lo tenemos en 1941. Ese año la ciudad de Leningrado fue cercada durante 900 días por el ejército nazi, murieron miles de personas por hambre y Shostakovich compuso para la ocasión su sinfonía Leningrado que fue estrenada durante el cerco y transmitida a la población mediante altavoces; los nazis presentes quedaron estupefactos del efecto provocado por la música en la población por su resistencia.

Prefiero omitir los efectos negativos, que han sido muchos en la vida, a consecuencia de la utilización de la música para fines nefastos y odiosos.

Vuelvo para terminar a Confucio y le diría que, los únicos que escapan del placer musical son los llamados amusicos, personas que por limitaciones físicas o por falta de ayuda en su momento no pudieron gozar de este arte universal y me solidarizo con ellos.

Pues si, así dirán en mi vecino Portugal a la retirada definitiva de su gran estrella del piano Maria Joao Pires.

Pires, el pasado 1 de noviembre afirmó a un medio portugués: “Ya no soy pianista”. Se retira a sus 81 años de los escenarios del mundo después de haber forzado la máquina costándole el esfuerzo un accidente cerebrovascular del que piensa cuidarse.

El mundo del piano pierde a una emblemática figura que aportó en su larga carrera muchas innovaciones todas cargadas de un exquisito gusto musical y sobradas de excelencia.

También se entregó a la pedagogía pianistica enriqueciendo a gran cantidad de jóvenes promesas que hoy visitan los escenarios del mundo.

Por si poco fuera fundó un centro de acogida para jóvenes carentes de recursos pero portadores de grandes dotes musicales aportando importantes cantidades de dinero y recabando toda la ayuda posible de las instituciones portuguesas.

Sus seguidores nos consolaremos con su gran legado ante la ausencia definitiva de los escenarios y siempre le desearemos una pronta recuperación física.

Se entiende por oído absoluto aquella facultad que poseen escasas personas de identificar con precisión fuera de contexto musical el sonido emitido por ejemplo la bocina de un automóvil (que nota musical ha producido) al sonar el claxon.

Esta facultad se estima que únicamente la posee el 1 por ciento de la población mundial.

El niño Mozart, prematuro en todo, pronto se encargó de decir al mundo con sus acciones: “yo tengo oído absoluto para bien y para mal”

Si, porque aunque para su profesión fuese una gran ventaja, para otras cuestiones de la vida era un inconveniente que a veces causaba dolor.

Tanto es así que, en el famoso libro de: Jean y Brigitte Massin titulado Mozart se dice: “ciertos sonidos le resultaban insoportables” y se narra la aversión enorme que sentía por el sonido de la trompeta, hasta el punto de ponerle enfermo.

Pero esta versión del oído absoluto pronto tendría su contraria respuesta; si porque en 1769 con 13 añitos lo llevó su padre Leopoldo (excelente promotor de su hijo) a Italia para que conociera la importante música que allí se hacía.

Y, en la Semana Santa de 1770 en Roma tuvo la oportunidad de escuchar el famoso Misserere De Gregorio Allegri cuya partitura estaba blindada sin poder acceder nadie a ella.

Mozart, haciendo gala de su oído absoluto y de su prodigiosa memoria musical inmediatamente escribió en notas todo el Misserere, dejando boquiabiertos al Papa y a sus acompañantes.

Termino solidarizándome con todos los poseedores del oído absoluto deseándoles leves molestias de esta ruidosa sociedad que nos ha tocado vivir.

otoño 2025

Todos sabemos la insuficiente afición a la Música clásica de nuestro país más aún si la comparamos con otros países europeos. Si de ese escaso número de aficionados separamos a aquellos que les gusta leer las recensiones de conciertos publicadas en revistas especializadas o en prensa ordinaria, nos quedaríamos, a mi juicio, con una cifra ridícula por su cuantía.

Me cuento complacido como uno de los que formamos ese pequeño grupo y por ello, con el mejor ánimo posible, me permito hacer unas sugerencias a los profesionales del ramo dedicados a este asunto:

-Suprimiría contar la historia de la obra que se interpreta, motivo: los que no la sepan pero tengan interés, acudirán en internet a buenas fuentes.

-Igualmente suprimiría hacer introducciones personales que nada interesan a los posibles lectores.

Sí, pondría el mayor énfasis posible en destacar de las interpretaciones lo siguiente:

-La afinación del conjunto, de las diferentes familias instrumentales así como de los posibles solos que contenga la obra.

-El empaste, tanto el general como el de grupos.

-Los ataques, si son claros, precisos y exactos.

-El balance sonoro general y parcial.

-El fraseo y las dinámicas.

-Los matices, fueron correctamente expresados?

-Si la interpretación fue acorde al estilo al que pertenece la obra.

-Los tiempos de cada movimiento, se respetaron?

-Los silencios, fueron correctos en tiempo?

-El ritmo de la obra en sus diferentes partes, ha sido respetado?

-Si, el concierto objeto de recensión contiene obras vocales: las vocalizaciones correctas o no?-Registros graves-agudos correctos o no? Empaste de voces si de coro se trata.

Consciente de que todo esto que cito y más que dejo en el tintero exige un gran esfuerzo de concentración durante el tiempo que dura el concierto, requiere también una profesionalidad excepcional y un escrupuloso criterio de justicia aplicada al arte musical que no debe admitir duda alguna a estos efectos citó un día N. Harnoncourt: «Absolutamente perdonado por mi parte quienes guiados por la perfección artística y en un gesto de riesgo cometen algún fallo.»

Decía en tono irónico el gran Bernstein: «no veo por ningún sitio una escultura a un crítico de música»

Opino que alguno puede que la merezca por hacer, siempre su trabajo con brillantez y honestidad.

Otoño 2025