Los días 30 y 31 de mayo tuvieron lugar en el Auditorio Manuel de Falla de Granada el concierto que culminaba la temporada 24/25. El enunciado del mismo «3 Mozart 3» las tres obras del programa eran de Mozart: concierto para oboe y orquesta, sinfonía Júpiter y concierto para piano y orquesta número. 17.
Para mí, lo insólito es que también había 3 directores en escena, el Titular/artístico y los dos Principales/invitados de forma permanente; pero se añadía a su novedad un factor mas: que 2 de ellos intervenían además como solistas Zacharias (piano) y Macias (oboe) Swensen fue el único que escapó como solista.
En la foto de izquierda a derecha Macias, Swensen y Zacharias
El concierto tuvo una acogida del público fabulosa, las dos tardes casi completa la sala, pero lo más importante: la respuesta de los asistentes, muy concentrados, fue muy calurosa unos diez minutos de pie aplaudiendo al final, en pocos lugares observo esto.
No pienso ocupar el espacio que pertenece a la crítica porque no me considero preparado, pero sí quiero afirmar que Granada camina con pasos firmes a convertirse en la «Viena musical andaluza».
La actividad musical que desarrolla a lo largo del año esta ciudad sin discriminar estilos de música, abogando siempre por la mejor calidad posible no tiene parangón en todo el país.
Para más énfasis el próximo año su veterano Festival cumplirá nada menos que 75 años imagino el gran acontecimiento que se organizará.
La OCG orquesta de la ciudad la conozco desde su fundación 1990 con Juan de Udaeta como primer Director, en estos momentos está viviendo para mí una de sus mejores etapas y el público granadino se lo reconoce concierto tras concierto.
En otoño 2020 dediqué un post a FELIX MENDELSSOHN, uno de mis compositores favoritos. Me refería entonces al magnífico rescate que llevó a cabo sobre La pasión según San Mateo de Juan Sebastián BACH.
Hoy, es mi intención referirme a su sinfonía número 5 titulada La Reforma en re mayor op. 107. Y, no creo oportuno cansarte con la historia de esta obra sencillamente porque si estás interesado en conocerla la puedes obtener vía Internet contada por plumas más autorizadas.
Varios factores, creo yo, concurrieron para que FELIX no disfrutara con su trabajo, a saber:
El rotundo fracaso de su estreno.
El antisemitismo reinante en la época
Los clamorosos éxitos recientes de BEETHOVEN, BRAHMS, WAGNER, etc.
Pero también atribuyo una pizca de manía negativa hacia ella por parte de su autor, hasta el punto de llamarla en ocasiones:»animal gordo y erizado» o bien «una completa inadaptada».
Pudiera ser que, debido a esta mala prensa que FELIX descargó sobre ella en vida, la sinfonía apenas se interpretaba en público. Ha sido casi reciente cuando algunas orquestas con notoriedad en Europa la han sacado del ostracismo que sufría.
Así, la conocí gracias a la magnífica grabación de Abbado con la London Symphony Orchestra y desde entonces disfruto con ella como lo haría un niño con su juguete, de forma especial me transporta a otro mundo su bello y corto ANDANTE para mi sublime.
Pero en YouTube también puedes disfrutar de ella en versión de la hr sinfonía Orchestra de la que es flauta solista la española Clara Andrada de la Calle que precisamente en esta grabación tiene un papel destacado con su flauta.
«La Música limpia el entendimiento, lo inspira y lo eleva hacia un reino que no podrá alcanzar por sí solo»
(Henry Ward Beecher)
El realismo ingenuo que en ocasiones domina la sociedad que vivimos, nos hace creer que llevamos razón en ciertos temas del arte musical.
La fama, que ganada a pulso, tienen ciertas obras en música, nos hace suponer y creer con absoluta firmeza que son las más interpretadas en todo el mundo.
Nadie, hasta hace bien poco, había tenido la curiosidad de comprobar estadísticamente si esto era así.
Norman Lebrecht, prestigioso periodista musical de reconocida fama en toda Europa, se tomó la molestia de pedir en Berlín, Viena y Nueva York (ciudades en las que se dan mayor número de conciertos año tras año) los históricos de las obras más interpretadas en varias temporadas.
Y, surgió la sorpresa hasta para el periodista en cuestión: por citar el ejemplo más paradigmático se da el caso que de todas las obras que escribiera Don Luis (Beethoven) la más interpretada todos los años y en las tres ciudades citadas es: su séptima sinfonía.
Dada la popularidad de su Novena que se extiende a todo el planeta sería lo lógico que ocupase de forma destacada el primer puesto en todos los escenarios posibles.
Pero amigo, aquí también interviene la economía que condiciona inexorablemente nuestras vidas:
La Novena exige un coro mientras más numeroso mejor, cuatro solistas de voces y una gran orquesta.
La Séptima, a pesar de su innegable belleza y sencillez, se conforma simplemente con una orquesta bastante modesta.
A estas alturas del post, creo que no te vendría mal escuchar tranquilamente las dos obras para ello en YouTube tienes buenas versiones aprovéchalas.
Comienzo de un mayo lluvioso para no desafinar con sus colegas anteriores.
«Sin música la vida sería un error» (F. NIETZSCHE)
Hoy, último día de abril 2025, impedido a causa de la lluvia en visitar la naturaleza como es mi hábito diario y recogido en casa en compañía como siempre de la Música, me ha venido a la cabeza el gran poder de vinculación de este sublime arte.
Hace poco más de medio siglo, alcanzada por fin mi independencia económica, lo primero que hice fue adquirir un maravilloso equipo de sonido que sigo conservando. Esta herramienta musical me fue demostrando el fuerte poder vinculativo que tiene la Música; si, porque entorno a este equipo, sentados incluso en el suelo como si de una hoguera se tratara, mi casa se llenaba de amigos con el único fin de disfrutar de los bellos sonidos armonizados que el aparato lanzaba.
Pero, es que hace miles y miles de años, los primeros pobladores de nuestra Tierra, finalizadas sus tareas de recolección y caza, se reunían entorno a una hoguera y provistos de artilugios que ellos hábilmente fabricaban, hacían y gozaban con la Música que expresaba de la mejor forma posible sus penas y sus alegrías.
Si me traslado a finales del siglo XV y primeros del XVI, observo que un fraile avispado católico agustino llamado MARTIN LUTERO, se percató con notable éxito de este poder de vinculación y lo utilizó al cien por cien para reunir en las iglesias a multitudes de fieles que apoyarán su REFORMA religiosa.
Más cerquita ya, durante los años 60 unos chicos británicos conocidos popularmente como THE BEATLES conseguían con sus canciones vincular a millones de jóvenes del planeta sin distinción de razas ni lenguas.
La política, la religión, la milicia, la economía, etc., han empleado todo el esfuerzo posible en utilizar la Música por este poder que contiene, unos con más aciertos que otros y, hasta el mismo DON LUIS (Beethoven) con su Oda a la Alegría persistía en vincular a toda la Humanidad cosa pendiente debido a la condición humana.
Nada mejor para concluir este post que volver, una vez más con este himno a la fraternidad humana, escuchelo si puede.
Por último, habrá comprobado tanto durante la pasada pandemia como hace instantes con el famoso apagón la importancia de la música para unir voluntades y superar dificultades.
Si como decía el famoso poeta romano Publio Ovidio Nason: «la gota horada la roca» y sabiendo que la Música es la hermana de la VIDA, no tengo ningún rubor en decir que: «existen solos en Música que horadan las almas»
Y, para comenzar esta serie que sin prisas intento desgranar, hoy me ocuparé, como no! de mi querido Gustav Mahler.
Ahí lo tenemos cuando era pequeñín, foto que me manda desde Viena un amigo que sabe de mi fanatismo por Gustav.
Los compositores, como humanos que son, independientes del instrumento que pueda ser su especialidad de estudio, tienen otros favoritos a los que en sus composiciones otorgan un tratamiento especial conforme a los fines que quieren obtener con vistas a los oyentes de sus obras. A tales fines escriben para ellos SOLOS con mayor o menor acierto.
De mi largo seguimiento a Mahler deduzco que sentía una especial predilección por la trompa y por ello le dedicó en su primera, tercera y quinta sinfonías momentos estelares que te horadan el alma.
Pero también Mahler es muy especial con dos instrumentos cuyos sonidos se asemejan algo al que usaba su amigo FARKAS [el pastor] cuando en las montañas coincidían ambos y cuidaban el ganado.
Estos son: oboe y flauta travesera, su obra La Canción de la Tierra hay quienes la califican como si de un oncierto para oboe se tratara por la cantidad de pasajes estelares que concede al instrumento en todos los movimientos de la bellísima sinfonía cantada como muchos la llaman.
La flauta, es beneficiada por MAHLER en su décima sinfonía que, desgraciadamente la PARCA no le permitió terminar.
Pero, con el consentimiento de su esposa Alma, Deryck Cooke acompañado de tres colegas, efectuaron la recomposicion de la obra gracias a los apuntes que dejó MAHLER a su mujer.
En el movimiento final recompuesto, después de varios golpes misteriosos del bombo y una pequeña introducción de la tuba, acontece un solo de flauta de un arrobamiento bestial de esos que como vengo diciendo horada el alma dejando una tristeza feliz aunque nos parezca paradójico que la tristeza pueda ser feliz pero así somos los humanos.
Si, quieres vivir este momento que acabo de describir puedes hacerlo conectando en YouTube con: 10 sinfonía de MAHLER interpretada por la Filarmonica de Rotterdams con Yannick Nezet-SEGUIN a la batuta. El solo se encuentra aproximadamente en el minuto 54 del cursor y luego, si puedes, me cuentas.
Casi todos sabemos del carácter un tanto peculiar de DON LUIS (claro está BEETHOVEN) cuando las circunstancias lo presionaban.
Hoy, les comparto una simpática anécdota que tuvo como escenario VIENA y que sinceramente agradezco a NORMAN Lebrecht por incluirla en su maravilloso libro: Por qué BEETHOVEN? Que recomiendo a los posibles interesados.
El acontecimiento tuvo lugar en1800, contaba DON Luis por tanto con 30 añitos cuando llega a la musical VIENA un señor llamado Daniel Steibelt que se ocupaba exclusivamente en hacer con el piano variaciones musicales sobre un tema de cualquier partitura y con las que «enamorar » a cuantas mujeres acudían a su llamada.
Los mecenas de DON Luis, se colmaron de alegría por encontrar un nuevo entretenimiento en sus aburridas vidas: participar como espectadores en un combate musical entre Steibelt y Beethoven.
En marzo (1800) se organiza un combate en el Palacio del conde Moritz Fries y el jurado declara ganador a Steibelt
Se organiza una revancha para el fin de semana siguiente incluyendo apuestas. Y, Don Luis, un pelin herido del primer asalto, hace de las suyas: « coloca en el atril del piano una partitura del quinteto de Steibelt, pero además la coloca boca abajo, toma una frase de un violonchelo de la citada obra y con sólo un dedo toca y toca haciendo variaciones hasta el punto que su enemigo Steibelt se marcha de la sala prometiendo a los organizadores no competir jamás contra Don Luis.»
Por si te apetece disfrutar con el mago Don Luis tienes en YouTube su trío para: piano, clarinete y violonchelo op. 11, en el caso sus intérpretes son: Sabine Meyer, Sol Gabetta y Seong-Jin CHO al piano.
Disfruta que merece la pena estar con BEETHOVEN!
Ah! Y a ADONIS le diría que, además de emigrar,algunos creadores dan buenos “palos” a quienes van por la vida de “chuletas”
Y, ahora si, me despido con un retrato de Don Luis Beethoven
Decía el gran director Nikolaus Harnoncourt: «quien no es besado por las musas, poco tiene que hacer en musica»
Mi personaje de hoy diría como andaluz, que tenía gastadas sus mejillas por el besuqueo que le propinaban las musas.
Se trata de Fredrich Gulda, un austriaco nacido en Viena en 1930
Unos 35 años hace que le conozco y lo sigo, gracias a la televisión me dejó alucinado: que pedazo de artista!
Era auténtico virtuoso en cualquier estilo musical: clásica, jazz, etc. Componía y en algunas de sus obras mezclaba los estilos musicales con cierta notoriedad.
Fue uno de los mejores intérpretes del teclado hasta su muerte, destacó igualmente como pedagogo del piano sacando alumnos tan brillantes como Marta Argerich y Claudio Abbado.
En el aspecto o perfil humano era más extravagante que «un albañil alicatando una pirámide de Egipto» . Se divertía gastando bromas en el escenario y a tal fin vestía siendo fiel a su extravagancia,
La mayoría de sus recitales no tenían programa, imposible saberse que nos iba a ofrecer: lo mismo tocaba Mozart, Beethoven, Haydn que nos deleitaba con jazz aunque se prestaba a mezclar los estilos.
Enla última etapa como concertista de piano, se instaló la moda que el pianista dirigiera la orquesta a la vez que interpretaba su concierto en el piano; pues bien , lo hacía usando unos movimientos inadecuados para un director auténtico pero cierto es que conseguía una bella respuesta de la orquesta que tuviera delante, achaco este éxito a su altísima sensibilidad para toda la Música.
Y, ahora viene la sorprendente anécdota que nos regaló antes de morir:
«Hizo difundir a la sociedad en 1999 que había muerto y pasados unos días anunció un concierto de reaparición.»
Murió el 27 de enero de 2000, llevándose el gustazo de la broma que nos gastó.
Como en YouTube tienes material más que suficiente para que lo conozcas si no lo has hecho aún, te sugiero lo hagas porque no te arrepentirás
En el prefacio de “Álbum de la juventud “ decía R. Schumann: “no juzgues el mérito de una obra por su primera audición; lo que agrada en un principio no necesariamente es lo mejor. Al emitir un juicio sobre las composiciones, debes distinguir entre aquellas que pertenecen al verdadero arte y las que sirven para deleitar a los aficionados. Aprecia las primeras; pero no desprecies las otras.”
A menudo se producen estrenos de obras y siempre se abre el mismo interrogante: triunfará o pasará al cajón del olvido?
Ese o parecido interrogante se lo planteaba Igor Stravinsky con su “Consagración de la Primavera “
Anunciar hoy la interpretación de esta obra es sinónimo de “llenazo” en la sala en cuestión. Pero, siempre fue esto así?
Rotundamente no, y nos lo dejó escrito Jean Cocteau con su crónica inserta en el diario: El llamamiento al orden (de Paris) en 1913 dice:
“Hubo risas, abucheos, silbidos y gritos como animales. Pero todo hubiese quedado ahí si muchos “amateurs” y algunos músicos no se hubiesen dejado ir de la lengua; llevados de un excesivo celo, insultaron y aún atropellaron. El estrépito degeneró en lucha. De pie en su palco, con su diadema, la vieja condesa de Pourtales esgrimía el abanico y gritaba con rabia: “es la primera vez desde hace 60 años que se han atrevido a burlarse de mí.” Así es como conocimos esta histórica obra en medio de tal tumulto que hasta los bailarines no lograron oír la orquesta, debiendo seguir el ritmo que Nijinsky les marcaba, pateando y vociferando entre bastidores.”
Por si poco fuera lo descrito en la crónica anterior veamos lo que el mismo Stravinsky decía sobre este estreno ocurrido en Paris el 29 de mayo de 1913:
“Me abstendré de describir el escándalo que se produjo. Se ha hablado bastante de esto. La complejidad de mi partitura, había exigido un gran número de ensayos que Monteux (famoso director de la época) condujo con esmero y cuidado que le son habituales. En cuanto a lo que fue la ejecución en el espectáculo, era imposible para mí juzgarla, habiendo abandonado la sala desde los primeros compases del preludio, que en seguida provocaron risas y burlas. Yo estaba indignado. Estas manifestaciones, primero aisladas, se volvieron pronto generales, provocando por otro lado algunas contramanifestaciones, y se transformaron rápidamente en un estrépito insoportable. Durante toda la representación me quedé en los bastidores al lado de Nijinsky. Este estaba de pie sobre una silla, gritando como un loco a los bailarines: “dieciséis, diecisiete, dieciocho.” Naturalmente, los pobres bailarines no escuchaban nada debido al tumulto en la sala y a su propio pataleo. Yo debía sujetar a Nijinsky de la ropa porque echaba espumarajos, dispuesto en todo momento a saltar al escenario para hacer un escándalo. Diaghilev, con la intención de hacer cesar este jaleo, daba a los eléctricos orden tanto de iluminar como apagar las luces de la sala. Esto es todo lo que he retenido de este estreno. Cosa extraña: en el ensayo general, al cual asistían, como siempre, numerosos artistas, pintores, músicos, hombres de letras y los representantes más cultivados de la sociedad, todo transcurrió con calma y yo estaba muy lejos de prever que el espectáculo pudiera provocar tal desenfreno.”
Stravinsky, con la Consagración provocó una fuerte ruptura estilística en lo musical que marcó diferencias de consecuencias irreversibles para la Historia de la Música, por otra parte los aficionados de la época no estaban preparados para la ocasión.
Si con la historia he conseguido movilizar tu curiosidad para ver/oír esta obra, cuidado!
Recuerda el consejo de Schumann:
No juzgues el mérito de una obra por su primera audición.
“Llevo una profunda tristeza en el corazón que de vez en cuando debe estallar en sonidos”
(Franz Liszt) -1811/1886-
Ciertas biografías de compositores están señaladas por la dicotomía: vida difícil pero de mucho éxito en lo profesional.
Para mí, es el caso de Liszt quien a sus 20 años conoce a Paganini y emprende la tarea de revolucionar su técnica pianistica que lo convertirá en el pianista más famoso y popular durante mucho tiempo, hasta el punto de desatar una fiebre tan grande que desencadenó lo que llamaron “lisztomania” ( algo similar a lo ocurrido muchos años después con los Beatles).
Para los no profesionales de la música Liszt es muy conocido como virtuoso del piano pero nada o casi nada se sabe de sus otras facetas artísticas: compositor, director de orquesta, profesor, etc.
Como prodigio del piano hizo aportaciones que persisten hasta la fecha: el nombre de recital a sus conciertos y colocar en el escenario el piano de forma que el teclado pudiera ser observado por los asistentes, además compuso obras importantes para su instrumento.
Liszt, caminaba por el mundo acompañado siempre de tres libros a los que acudía con insistencia: Fausto, La Divina comedia y la Biblia. Por este motivo nos dejó bien patente en sus composiciones la influencia que ejercieron estos manuales en su poder creativo: la sinfonía Fausto, la sinfonía Dante y obras religiosas misas, salmos etc.
La vida de Liszt se observa polarizada: por sus colosales éxitos entre las masas como pianista prodigio de la época por una parte y por sus continuos fracasos como compositor en sus años vividos en Weimar tratando de imponer lo que él llamaba, no sin razón, “la música del porvenir” que representaba una nueva concepción sobre la música y que más tarde triunfó.
Esta polarización, unido al sufrimiento por la muerte de dos de sus tres hijos, contribuyeron a que en 1879 este hombre con fenotipo de “profeta” se ordenara como canónigo dedicándose hasta su muerte (1886) a una vida religiosa en las cercanías de Roma.
Finalizo recordando algunas de sus célebres frases e invitándoles en YouTube a entrar en sus obras.
“Cuando la palabra no es lo bastante expresiva, la música le proporciona una fe y un impulso nuevos.
“Mi música no gusta a los eclesiásticos y me parece heterogénea para los oídos mundanos”
“Mozart ha sido el modelo de mi juventud, la desesperación de mis años de madurez y el consuelo de mi vejez.”
G. Rossini
Hoy, que se cumplen 269 años del nacimiento de Mozart (27/1/1756) me parece oportuno dedicar un espacio a esta gran celebridad que sigue con nosotros de forma imperecedera a través de sus obras.
Pero, valiéndome para ello de la visión que sobre él tenía otro de los grandes como el italiano ROSSINI.
No es frecuente en el mundillo profesional piropear a un colega de la misma profesión, al contrario es frecuente despachar críticas viscerales como hicieron algunos en ocasiones diversas.
Pero en esto ROSSINI que nació un año después de la muerte de MOZART ocurrida en 1791 era un especialista y no tenía con el salzburgues ningún problema para elogiarlo, yo diría que más bien disfrutaba haciéndolo.
Uno de sus más famosos elogios a MOZART, lo recoge literalmente Tim Blanning en su magnífica obra: “El triunfo de la música” (Acantilado editorial) y dice:
“Los alemanes han dominado siempre el arte de la armonía, como los italianos han dominado siempre el de la melodía. Pero desde el momento en el que el norte produjo un Mozart, los del sur quedamos derrotados en nuestro propio terreno, porque este hombre se eleva por encima de las dos naciones al unir en sí todos los encantos de la melodía italiana y toda la profundidad de la armonía alemana.”
Después de esta clarificadora atención hacia Mozart que además refleja la verdad artística de su esplendor, se le puede negar a Rossini el título de fan núm. 1 de Mozart?
Estaba tan obsesionado con Mozart que sus íntimos cariñosamente le llamaban “el pequeño alemán”.
Para terminar os invito a través de YouTube a escuchar el concierto para piano y orquesta núm. 23 K 488 en versión de Gulda al teclado y Abbado a la batuta, seguro que su Adagio os conduce al cielo.
Desde el rincón de Farkas 