Autor: desdeelrincondefarkas

“Llevo una profunda tristeza en el corazón que de vez en cuando debe estallar en sonidos”

(Franz Liszt) -1811/1886-

Ciertas biografías de compositores están señaladas por la dicotomía: vida difícil pero de mucho éxito en lo profesional.

Para mí, es el caso de Liszt quien a sus 20 años conoce a Paganini y emprende la tarea de revolucionar su técnica pianistica que lo convertirá en el pianista más famoso y popular durante mucho tiempo, hasta el punto de desatar una fiebre tan grande que desencadenó lo que llamaron “lisztomania” ( algo similar a lo ocurrido muchos años después con los Beatles).

Para los no profesionales de la música Liszt es muy conocido como virtuoso del piano pero nada o casi nada se sabe de sus otras facetas artísticas: compositor, director de orquesta, profesor, etc.

Como prodigio del piano hizo aportaciones que persisten hasta la fecha: el nombre de recital a sus conciertos y colocar en el escenario el piano de forma que el teclado pudiera ser observado por los asistentes, además compuso obras importantes para su instrumento.

Liszt, caminaba por el mundo acompañado siempre de tres libros a los que acudía con insistencia: Fausto, La Divina comedia y la Biblia. Por este motivo nos dejó bien patente en sus composiciones la influencia que ejercieron estos manuales en su poder creativo: la sinfonía Fausto, la sinfonía Dante y obras religiosas misas, salmos etc.

La vida de Liszt se observa polarizada: por sus colosales éxitos entre las masas como pianista prodigio de la época por una parte y por sus continuos fracasos como compositor en sus años vividos en Weimar tratando de imponer lo que él llamaba, no sin razón, “la música del porvenir” que representaba una nueva concepción sobre la música y que más tarde triunfó.

Esta polarización, unido al sufrimiento por la muerte de dos de sus tres hijos, contribuyeron a que en 1879 este hombre con fenotipo de “profeta” se ordenara como canónigo dedicándose hasta su muerte (1886) a una vida religiosa en las cercanías de Roma.

Finalizo recordando algunas de sus célebres frases e invitándoles en YouTube a entrar en sus obras.

“Cuando la palabra no es lo bastante expresiva, la música le proporciona una fe y un impulso nuevos.

“Mi música no gusta a los eclesiásticos y me parece heterogénea para los oídos mundanos”

Invierno 2025

“Mozart ha sido el modelo de mi juventud, la desesperación de mis años de madurez y el consuelo de mi vejez.”

Hoy, que se cumplen 269 años del nacimiento de Mozart (27/1/1756) me parece oportuno dedicar un espacio a esta gran celebridad que sigue con nosotros de forma imperecedera a través de sus obras.

Pero, valiéndome para ello de la visión que sobre él tenía otro de los grandes como el italiano ROSSINI.

No es frecuente en el mundillo profesional piropear a un colega de la misma profesión, al contrario es frecuente despachar críticas viscerales como hicieron algunos en ocasiones diversas.

Pero en esto ROSSINI que nació un año después de la muerte de MOZART ocurrida en 1791 era un especialista y no tenía con el salzburgues ningún problema para elogiarlo, yo diría que más bien disfrutaba haciéndolo.

Uno de sus más famosos elogios a MOZART, lo recoge literalmente Tim Blanning en su magnífica obra: “El triunfo de la música” (Acantilado editorial) y dice:

“Los alemanes han dominado siempre el arte de la armonía, como los italianos han dominado siempre el de la melodía. Pero desde el momento en el que el norte produjo un Mozart, los del sur quedamos derrotados en nuestro propio terreno, porque este hombre se eleva por encima de las dos naciones al unir en sí todos los encantos de la melodía italiana y toda la profundidad de la armonía alemana.”

Después de esta clarificadora atención hacia Mozart que además refleja la verdad artística de su esplendor, se le puede negar a Rossini el título de fan núm. 1 de Mozart?

Estaba tan obsesionado con Mozart que sus íntimos cariñosamente le llamaban “el pequeño alemán”.

Para terminar os invito a través de YouTube a escuchar el concierto para piano y orquesta núm. 23 K 488 en versión de Gulda al teclado y Abbado a la batuta, seguro que su Adagio os conduce al cielo.

27 enero 2025

“La música es algo por lo que merece la pena vivir en la tierra”

(F. NIETZCHE)

Un simple rato de reflexión sería suficiente para mostrarnos la cantidad de similitudes y paralelismos que existen entre estos conceptos: Música y Vida.

Probablemente, ningún otro arte contenga tantas aproximaciones con la Vida como las tiene la Música. Así hay quien define la Música: “como a lo que suena la Vida”.

La Vida se hace patente tanto en formas unicelulares como en seres cargados de enorme complejidad como somos los humanos.

La Música se manifiesta en sus orígenes como un lenguaje simple de percusión evolucionando a partituras extensas y de gran complejidad para cientos de intérpretes y oyentes.

La Música basa su existencia en el sonido y el ritmo, sin estos suministros no es posible.

La Vida, no está impregnada de sonidos y ritmos a veces hasta desconcertantes?.

Gracias a la ciencia sabemos hoy que ciertas músicas ejercen notable poder sobre: animales, vegetales y humanos, esto podría permitírselo la Música si no fuera porque está tan cerca de la Vida y tan apegada a ella?.

La Vida es un torrente sin fin de estados de ánimos de colores diferentes sin embargo, cada uno de ellos tiene reservada su Música de manera exclusiva incluyendo a los más siniestros de todos: la guerra y la muerte.

A estos efectos, me parece muy acertado el pensamiento del maestro Barenboim cuando en su extraordinario libro: “El sonido es vida” dice:

“La Música nos enseña que tenemos que aceptar la inevitabilidad de un suceso que cambia de manera irrevocable el curso de los acontecimientos. Aunque después de una gran catástrofe uno pueda tener una sensación irracional de optimismo o de pesimismo, el flujo y reflujo de la vida, como el flujo y reflujo de la música, son innegables.”

Seguro que vosotros, posibles lectores de este post, si practicáis la reflexión que al principio cité, encontraréis entre Música y Vida muchas más aproximaciones más interesantes además que las por mí expuestas.

No tengo duda en pensar como NIETZCHE que la Música hace posible que merezca la pena vivir en la tierra.

Al ritmo de la lluvia enero 25.

LA FALTA DE CORDURA

“Si no fuera por la música habría más razones para volverse loco.” (Tchaikovsky)

En muchos casos de esta nuestra vida puede que acierte con su rotunda frasecita que me permito introducir en este post.

Pero, hay algo que no me cuadra de su refinada cordura Sr. Tchaikovsky y por ello me pregunto:

Cómo es posible que, a pesar de su abundancia de música (en su cabeza y en su cuerpo) tuviera momentos cercanos a la locura con el consiguiente desprecio hacia algunos de sus colegas también compositores como Ud.?

Porque lo que Ud escribió en su diario el 9 de octubre de 1886 dedicado a su colega J. Brahms no es, a mi juicio de recibo sin dejar de comprender que, entre profesionales del mismo ramo siempre han existido y existirán quienes son presas de celos.

Ud, escribió:

“He tocado la música de ese patan de Brahms. No tiene nada de talento, el muy desgraciado! Me molesta que un mediocre ampuloso como él sea considerado un genio. Comparado con el, Raff es un gigante, por no hablar de Rubinstein, que al fin y al cabo es un ser humano vivo e importante, mientras que Brahms es una cosa caótica y completamente seca, vacía.”

Brahms, contemporáneo suyo pero 7 años mayor que Ud, llamado en círculos musicales de la época el heredero del ilustre Beethoven, no merece a mi entender tan desacertado juicio por su parte aunque similar conducta ejerció Brahms con su colega A. Bruckner al que tildaba públicamente de “cateto religioso” una prueba más de que así trabaja el karma:

La medicina que Brahms dio a Bruckner es la misma que Brahms recibió de Tchaikovsky.

Frío enero de 2025

“La Música proporciona la posibilidad,  por un lado, de escapar de la vida y, por el otro, de comprenderla mucho mejor que a través de muchas otras disciplinas. La Música dice: Perdonen. Esto es la vida humana.”

[Daniel Barenboim]

Para muchos, entre los que me encuentro, Vida y Música son como almas gemelas, lo que sucede a una inmediatamente tiene lugar en la otra y por este motivo mi personal atrevimiento del presente título y que a continuación doy coherencia con la siguiente anécdota protagonizada por Richard Wagner:

“En Londres, el crítico musical de The Times censuró a Wagner con dureza por dirigir la sinfonía 3 Heroica de Beethoven sin partitura en su atril (de memoria).

En el siguiente concierto, Wagner salió al escenario con una partitura en la mano y se ganó el respeto de los críticos, hasta que descubrieron que era la partitura del Barbero de Sevilla de Rossini que no estaba en el programa del concierto.

Y es que, en esa época (finales del siglo XIX) se veía muy mal dirigir o interpretar sin partituras.”

No es hasta mediados del siglo XX cuando comenzó a ponerse de moda el dirigir sin la partitura y concretamente fue Karajan uno de los primeros impulsores de este tipo de director.

El milanés Claudio Abbado hasta su fallecimiento (20/1/2014) tenía la sólida costumbre de dirigir sin papeles “todo de memoria” aunque se tratase de obras de 100 minutos de duración y llegó a ganarse entre los críticos el título de “ el de la memoria prodigiosa”

En la actualidad hay algunos jóvenes que prefieren memorizar las obras para interpretarlas pero la mayoría lo hace con la partitura delante en su atril.

Invierno 2014

“Todo está escrito en la partitura excepto lo esencial “

(Gustav MAHLER)

El aforismo, a cuyo propietario solo faltaba dejar constancia en sus partituras de a la hora que habría que tomar el café si el ensayo tendría lugar por la mañanas ,dadas las abundantes anotaciones que se permitía en la búsqueda de la mayor excelencia de cara a la interpretación.

Pero, cuando se refiere a lo esencial qué es lo que nos quiere decir?

Personalmente interpreto que Gustav llama esencial a la interpretación de la obra en cuestión para que cobre vida.

La Música es de las pocas artes en las que sus obras cobran vida cuando se interpretan; antes son meros signos incapaces por sí solos de emocionar a las personas.

Sabemos también que las interpretaciones son irrepetibles, jamás hay dos iguales dada la cantidad de factores de diversas clases que en ellas intervienen.

Hacer digna una interpretación con excelencia requiere en principio dos trabajos fundamentales :

Primero, un estudio profundo de la partitura que si se llegase a memorizar facilitaría mucho la ejecución ante el público.

Segundo, llevar la intuición personal al más alto nivel posible profundizando para ello en la biografía del autor, conocimiento de la sociedad que le tocó vivir así como sus circunstancias personales.

Seguro que cumpliendo estos retos se alcanzará lo que MAHLER llama lo esencial, lo que insufla vida a los signos de la partitura, lo que emociona a los receptores y en definitiva: lo que hace tan especial y único este Arte que llamamos Música.

Primavera 2024

«En Música todos los sentimientos vuelven a su estado puro.»

(A. Schopenhauer)

El presente título, un tanto autoritario, fue la finalizacion del diálogo que hace tiempo mantuvieron DON Alzheimer y DOÑA Música.

Sí, porque queda suficientemente probado experimentalmente que, el Alzheimer no puede con el área del cerebro en la que se guardan las experiencias musicales vividas a lo largo de nuestra vida y todo a pesar de la devastación que esta enfermedad provoca a nivel cognitivo y muy concretamente en la memoria humana. Cuando ésta se desvanece, siempre permanecen sólidas las canciones o sinfonías que lograron emocionarnos.

Presencie como un músico amigo, gravemente afectado por la dichosa enfermedad, sin reconocer a sus familiares y amigos, cuando se le sometía a escucha de una sinfonía de Beethoven, enérgicamente se incorporaba del sillón y exclamaba: “eso va muy rápido, eso no es así. E incluso hacia gestos queriendo dirigir la sinfonía.

La Música, nuestra mejor compañera y amiga desde que el hombre existe, nos tiene preparadas grandes sorpresas con el fin de mejorar nuestras vidas, para evitarnos el sufrimiento cuando la enfermedad hace mella en nosotros y en definitiva para armonizar nuestras vidas y proporcionarnos la mayor felicidad posible.

Se acerca el día en que desaparecerán muchos tratamientos médicos que se dispensan hoy siendo sustituidos por otros musicales sin efectos secundarios pero, lógicamente, ese supuesto que en algunos países son ya una realidad cotidiana, necesita de inversiones que hoy, en nuestro país, no son factibles porque falta voluntad política.

Paciencia pues hasta que tomen conciencia quienes tienen poder para decidir.

Mientras tú dedícale a tus músicas todo el tiempo que puedas porque tu cuerpo y mente lo agradecerán.

Me quedo con la siguiente frase de David Villar en su libro Medicina del sonido:

“Cuando escuchamos o hacemos música liberamos emociones y tensión, damos voz a sentimientos para los que no encontramos palabras. Esto por sí mismo ya tiene un poder terapéutico evidente.”

Otoño 2024

De pequeños, el potencial para soñar probablemente estará en el punto más alto de la escala. Puede que, a medida que crecemos bajen las oportunidades soñadoras así como las alegrías de sus contenidos motivado por la dura experiencia vital a la que somos sometidos

En 1988 y posteriores, TVE firmaría contrato con la Royal Concertgebouw Orchestra para retransmitir los sábados a las 8 de la mañana los conciertos que tenían lugar en la emblemática sala del Concertgebouw (Amsterdam), reconocida como única en el mundo por su acústica.

Puntuales a la cita, todos los sábados, Lucas (10 años) y yo, nos colocábamos ante la pantalla para presenciar el concierto de turno.

El Director de la orquesta siempre el mismo, Ricardo Chailly, milanés que conservó el puesto durante 16 años.

El solista de flauta de la orquesta, muy joven en la época, era el holandés Jacques Zoon, tenía unas condiciones técnicas/musicales de primer orden, de buen parecido y con una melena rubia que se hacía notar.

Poco a poco Lucas se fue convirtiendo en un admirador de Jacques y de Ricardo, y comenzó a preguntar:

“Papá crees que algún día podré tocar mi oboe al lado de Jacques y bajo la dirección de Ricardo?”

Mis respuestas siempre las mismas:

“Si trabajas mucho, poniendo toda la pasión posible y si te acompaña la suerte no dudo que lo conseguirás “

En 2004 Claudio Abbado crea la Orquesta Mozart de Bolonia, eligiendo personalmente uno a uno a todos los músicos para su orquesta.

Como solistas de flauta y oboe elige a Jacques y a Lucas y ya tenemos a los dos juntitos.

En 2006 Abbado, tan contento con estos solistas, los vuelve a invitar para la Lucerne Festival Orchestra, en la que permanecen hasta hoy.

A la muerte de Abbado (20-1-2014) Lucerna se ve obligada a contratar nuevo director y nombra a Ricardo Chailly que sigue en su puesto también y ya, tenemos un cumplido sueño infantil que reúne a estas tres figuras de la música internacional.

Nada me extraña que, para celebrar ese ansiado sueño que los reúne, pensaran realizar un concierto con esa obra de Maderna que nunca se interpreta en los auditorios del mundo por sus notorias dificultades y que se interpretó el 8/9/2019 en el KKL de Lucerna, posteriormente también se hizo en Hamburgo (Alemania)

Si, deseas ver el concierto que cito lo tienes en YouTube pero traslada el cursor al minuto 10 y finaliza en el 40.

Para los que decidan ver este concierto en el que cada solista toca 4 instrumentos de la misma familia pero diferentes, os adjunto foto de su anuncio en YouTube.

Verano 2024

Existe unanimidad entre los grandes compositores de música en calificar a la inspiración como el gran problema de su trabajo. Porque la inspiración no responde a ningún tipo de llamada por muy educada que esta pueda ser, ella da soporte cuando quiere y no cuando la necesitan, por otra parte ella reclama a sus receptores unas condiciones que, en ocasiones el posible usuario no observa en ese preciso momento.

Pero, en ocasiones muy puntuales la Música, de cualquier estilo o género, encuentra apoyo para crear en la serendipia.

La serendipia, según nuestro diccionario es: un hallazgo valioso que se produce de manera accidental o casual.

Y, en este sentido existen clarísimos apoyos a las composiciones musicales de cualquier género que gracias a ella han dado soluciones musicales a obras que con posterioridad fueron emblemáticas y cosecharon éxitos reconocidos.

Como seguidor de MAHLER me llamó la atención que encontrara solución a los acordes finales del Adagio de su tercera sinfonía con ayuda de serendipia, el simple hecho de observar el sonido de los remos de su barca al navegar (intervalo de cuarta) sirvió para con golpes de timbales coronar esta belleza de pieza.

El Rock históricamente posee un apreciable número de casos en los que la serendipia ha jugado un destacado papel. En más de una ocasión, una simple distorsión acústica provocada por mal funcionamiento de un amplificador, ha dado lugar a un tema musical que con posterioridad fue explotado con notable éxito.

Concluyo, si la inspiración se ve reforzada por la serendipia la composición musical se verá muy mejorada, sin jamás olvidar que para facilitar la llegada de la inspiración hay que estar preparado como lo está el viajante que espera en el andén con sus maletas hechas que llegue su tren.

Otoño 2024