Desde el rincón de Farkas

Existe unanimidad entre los grandes compositores de música en calificar a la inspiración como el gran problema de su trabajo. Porque la inspiración no responde a ningún tipo de llamada por muy educada que esta pueda ser, ella da soporte cuando quiere y no cuando la necesitan, por otra parte ella reclama a sus receptores unas condiciones que, en ocasiones el posible usuario no observa en ese preciso momento.

Pero, en ocasiones muy puntuales la Música, de cualquier estilo o género, encuentra apoyo para crear en la serendipia.

La serendipia, según nuestro diccionario es: un hallazgo valioso que se produce de manera accidental o casual.

Y, en este sentido existen clarísimos apoyos a las composiciones musicales de cualquier género que gracias a ella han dado soluciones musicales a obras que con posterioridad fueron emblemáticas y cosecharon éxitos reconocidos.

Como seguidor de MAHLER me llamó la atención que encontrara solución a los acordes finales del Adagio de su tercera sinfonía con ayuda de serendipia, el simple hecho de observar el sonido de los remos de su barca al navegar (intervalo de cuarta) sirvió para con golpes de timbales coronar esta belleza de pieza.

El Rock históricamente posee un apreciable número de casos en los que la serendipia ha jugado un destacado papel. En más de una ocasión, una simple distorsión acústica provocada por mal funcionamiento de un amplificador, ha dado lugar a un tema musical que con posterioridad fue explotado con notable éxito.

Concluyo, si la inspiración se ve reforzada por la serendipia la composición musical se verá muy mejorada, sin jamás olvidar que para facilitar la llegada de la inspiración hay que estar preparado como lo está el viajante que espera en el andén con sus maletas hechas que llegue su tren.

Otoño 2024

EL encabezamiento, que traducido dice: «A las estrellas por las dificultades» lo conocí por primera vez dando lectura a una crítica musical de un concierto al que acudí en Madrid.

Parece ser que la dichosa frasecita latina cuya acuñación, se atribuye a Séneca el Joven, se está poniendo de moda y por consiguiente excesivamente utilizada en ocasiones con escasa fortuna, pero… es la moda!

Coincido con los estoicos cuando decian: «que, para llegar a lo más alto había que sufrir y superar multitud de dificultades» ; dificultades que tendrían su origen en la profesión elegida, en la sociedad, en la vida personal y hasta familiar del futuro artista.

La historia, nos demuestra que en todas las ramas del saber y de la cultura, existen notorios casos en los que el aforismo latino ha cumplido su certera misión.

Pero, como mi objetivo siempre es la Música a estas aspirantes a estrellas me referiré a sabiendas de que ya no existen:

Juan Sebastián Bach, superó todas las dificultades [que no fueron pocas ] para alcanzar las estrellas. PAU Casals llegó a decir: «Bach, el más alto y el más puro de la Música de todos los tiempos»

Don Luis, como cariñosamente llamó a Beethoven, no tuvo bastante con lidiar con su sordera? Pues no! Superó muchas dificultades incluso familiares.

Chaikovsky, toda la vida presionado por su homosexualidad en una sociedad más rígida que una barra de hierro.

Shostakovich, toda su vida asustado temiendo la muerte de mano de la dictadura que le tocó vivir.

Berlioz, soportando durante toda su carrera la negativa de su padre que se oponía a que fuese músico.

MAHLER, perfecto  conocedor de la muerte y sus secuelas desde su niñez y hasta su final.

Schubert, agraciado por una larga enfermedad que le dejó vivir solo 31 añitos.

La lista de luchadores musicales contra las dificultades para alcanzar la «gloria» podría ser mucho más larga pero no es la intención cansaros; repasar cualquier buena biografía de algunos de los citados sería dar total credibilidad a la frase latina con la que inicié este post.

Otoño 2024.

Que MAHLER sentía una predilección especial por su madre Maria y muchas reservas tendentes al odio a consecuencia de la conducta de su padre, es un hecho en el que coinciden todos sus biógrafos y especialmente HENRI LOUIS DE LA GRANGE quien aportó un sinfín de intimidades mahlerianos en su gran biografía.

Contaba Gustav, “ que viviendo ya en Iglau una noche su padre llegó a casa borracho profiriendo enormes gritos que despertaron a sus hermanos pequeños comenzando a llorar. Me levanté, continúa Gustav y me dirigí al cuarto de mi madre pero la puerta estaba cerrada y mi padre estaba con ella. Mi madre, que gritaba, comenzó a emitir unos sonidos que por mi edad no entendía bien, me entró tanto miedo que salí huyendo al cercano bosque. De lejos venía un sonido de un organillo que cantaba una canción popular cuya letra dice:

Ah, querido Agustín, todo se acabó!.

Apaciguado por la música, volví a casa y en la cama seguí cantando todas las canciones populares que conocía.

Estas canciones, han sido para mí un potente imán para, en mis composiciones, interrumpir las grandes líneas melódicas intensas y dramáticas por danzas y cantos populares.”

Ya, en su primera sinfonía Titán, podemos observar esta particularidad de mezclar: lo sublime con lo popular que llevo a cabo hasta sus últimas obras. Como siempre Gustav, fiel a sus principios aunque sus contemporáneos no le entendieran.

Recomendación para terminar:

Puede que, a tu estado de ánimo, venga bien sentirte en el Cielo durante media hora en ese caso, cómodo y libre de ruidos, entras en YouTube buscas Tercera de MAHLER y escuchas el Adagio (último movimiento de la sinfonía) al que su autor apodó “Lo que me dice el Amor” y, seguro que jamás olvidarás la experiencia.

La presente foto corresponde a un póster que ocupa en casa un lugar hace algo más de 50 años.

Como es inevitable que todos los días sea centro de atención de mi ya desgastada vista, a veces recurro a la imagen para compartir con vosotros algunas de las infinitas historias que en vida protagonizó Don LUIS.

Hoy, con especial énfasis para quienes puedan desconocer sus inquietudes desde el punto de vista humano, les transcribo un trozo de la carta que Don LUIS envio a su incondicional amigo WEGELER el día 29 de junio de 1802 y que recogen íntegramente Jean y Brigitte Massin en su libro BEETHOVEN:

“Puedo decir que llevo una vida miserable. Hace casi dos años que evito toda clase de sociedad, pues no puedo decir a las gente: soy sordo. Si tuviera cualquier otro oficio, esto sería quizá posible, pero en el mío es una situación terrible. Y con esto mis amigos, que no son pocos, qué dirán?

Para darte una idea de esta extraña sordera, te diré que en el teatro debo colocarme cerca de la orquesta para poder oír a los actores. No oigo los tonos elevados de los instrumentos y de las voces cuando me pongo un poco lejos. En las conversaciones es sorprendente que haya personas que no lo hayan notado nunca, pues cometo muchas distracciones. Cuando hablan bajo, apenas oigo; si oigo los sonidos, pero no las palabras, y, por otra parte, me resulta insoportable que griten. Lo que suceda más adelante solo el cielo lo sabe.”

Lo que sucedió, fue que su sordera no encontró cura, fue a peor hasta su muerte en 1827 pero, a pesar de todo compuso en ese lamentable estado lo mejor de su amplio catálogo de obras: la 3@, la 5@, la 7@ y la colosal 9@. Y, junto a todo esto los últimos cuartetos para cuerdas.

Don LUIS fue y seguirá siendo un punto y aparte en la Historia de la Música.

Calurosisimo fin julio 2024

“ Vivir tantos años como sea necesario, hasta no poder hacer absolutamente nada nuevo en música.”

(Wolfgang Mozart)

La vida no se lo concedió (murió con 35 años), pero siempre y en casi todas las facetas de su vida se mostró como persona insólita, la historia que hoy me ocupa así lo demuestra también a pesar de ser poco frecuente.

En 1784 su cabeza se ocupaba con varias obras y entre ellas, su precioso y famoso concierto para piano y orquesta núm. 17 en sol mayor K453.

El 12 de abril del citado año lo termina de componer e inmediatamente, como había pactado con su padre Leopoldo, envía a Salzburgo una copia para revisión y guardara en un cofre como “oro en paño” con el fin de evitar posibles robos y copias.

El 29 de abril, 17 días después, con el visto bueno de papi que de esto entiende demasiado, lo estrena en petit comité y dirige el mismo el concierto.

En la Europa del siglo XVIII los pájaros eran unas mascotas que se pusieron de moda entre las clases cultas, por consiguiente no era ninguna rareza que a Mozart se le antojara cuidar de uno en casa dado su cariño por los animales.

Cierto día, transitando por una de las tantas calles polvorientas de Viena (así eran todas en la época) se detuvo ante una pajarería atendiendo con cierta extrañeza el coqueteo que con su pico le brindaba un lustroso estornino.

Y, tan prendado quedó observando las habilidades imitativas del pajarito que dos días antes del estreno oficial de su concierto 17 para piano, concretamente el 27 de mayo lo compró para su casa.

Tres añitos vivió el estornino con Mozart, murió el 4 de junio de 1787 y fue enterrado en el patio de la casa con profundo respeto y cariño.

Se sabe que fue comprado en la fecha ya citada porque inmediatamente Mozart en su cuaderno de gastos anotó la inversión pajaril.

Pues a propósito de este bonito tema surge a mi juicio una absurda polémica en la que se pone de manifiesto el afán de notoriedad que tenemos algunas personas, me explico:

El citado tema era casi perfectamente cantado por el estornino al que Mozart llamó Star, se divulgó el rumor entonces que el famoso pajarito había, con su canto inspirado al compositor, pero como puede comprobarse por las fechas que citó esto es totalmente imposible. Lógico si es que el estornino estimulado por el canto de su dueño, bien a voz o al piano, imitara lo que hacía su dueño. De todas formas si es verdad que algunos cantos del prodigioso pajarito inspiraron a Mozart en la composición de otras piezas pero no en la que acabo de relatar.

La facilidad de imitar del estornino fue referida literariamente por Plinio el Viejo y W. Shakespeare.

Termino, en YouTube tienes disponibles excelentes versiones de este concierto que aseguro te encantará, no pierdas la ocasión.

Verano 2024.

“Mi sinfonía será algo que el mundo nunca ha escuchado”

(Gustav MAHLER)

Si, con esa frase comenzaba MAHLER la misiva que, en 1896 (acabada su 3 sinfonía) mandaba a su intimísima Anna Mildenburg.

El espíritu de MAHLER ha sobrevolado territorio carbayon durante toda la semana (24/28 de junio 2024) y me atrevo a decir con toda seguridad que se habrá sentido eufórico de alegría porque sabemos que, como fanático de la naturaleza, las montañas verdes y los lagos eran sus preciados favoritos y eso, precisamente en esta geografía, es el pan nuestro.

Pero, también eufórico a la vista del resultado final de la interpretación de su tercera.

Ninguna duda tengo que si Gustav hubiera estado presente en los ensayos y concierto, hubieran sus labios dibujado esa sonrisa “socarrona” pero muy feliz por los logros finales del proyecto que cerraba 25 años de Auditorio y de OFIL.

Nos complace a los humanos en la vida jugar en ocasiones a ser lo que en realidad nunca fuimos ni seremos; y así me empeñé en el proyecto de este post en erigirme como “crítico musical” pero el citado proyecto se fue al carajo y perdón por la palabra, cuando finalizado el concierto me encuentro en pasillos a dos amigos que no veía desde hace tiempo, eran: Pablo González (reconocido en toda Europa como consolidado Director) y Alfonso Aijon (hasta hace poco dueño de Ibermusica).

Tras los saludos de rigor, comenzamos el diálogo sobre lo que acabábamos de ver y oír y con los argumentos de mis amigos abandoné la idea de ser crítico de la ocasión.

Ellos, cansados durante tantos años de terceras mahlerianas interpretadas por las mejores formaciones del mundo, no se podían explicar como en Oviedo, con formaciones locales excepto la Mezzo, podía producirse una interpretación tan llena de excelencia en todos los sentidos.

A pesar de los elogios de mis portentosos amigos musicales, si quiero agradecer y felicitar a todos los que llenaban el gran escenario y especialmente a los que les tocó desempeñar tareas de solistas en las diferentes secciones instrumentales, lo hicieron con una dignidad y excelencia irreprochables y les deseo sigan en esa línea de superación profesional.

No sería honesto hablar del Director en esta ocasión y casi todos me entenderán por razones obvias. Pero si digo que es fiel al consejo de su ya muerto mentor quien le sentenció: “cada vez que puedas, coloca tu partitura en tus neuronas y no en el atril”

No tendría inconveniente en seguir asistiendo a conciertos de este calado en la cada vez más consolidada como “Viena musical española” la ciudad carbayona.

Comienzo del verano 2024.

(I. Strawinsky)

Me merece una alta consideración que uno de los más ácidos compositores en el trato con sus colegas diga, precisamente, esto de Schubert.

Una perogrullada: todas las sinfonías cantan, si, pero con la grandeza e intensidad que lo hacen las de mi personaje de hoy, me atrevo a decir que ninguno.

Franz Peter Schubert (1797-1828) Viena, comencé su conocimiento hace más de medio siglo, gracias a su famosa Rosamunda me quedé prendado de su hacer musical al que sigo agarrado y que jamás soltaré.

Dice el refranero popular, sin saber si en Viena se usaba la expresión: “Quien canta sus males espanta”

Schubert puede que supiera el refrán y por ello a eso dedicó su vida como músico para espantar dos grandes males que sufrió su corta vida (31 años).

Uno de sus males fue su enfermedad, sigue sin saberse con precisión si, las fiebres tifoideas o la sifilis, ambas en el siglo XVIII mortales hasta el punto de vivir solo 31 años.

El otro mal, de tipo psicológico, el eclipsamiento artístico que sufrió durante toda su existencia al dominar la sociedad musical europea: Haydn, Mozart y Beethoven.

Pero a este mal psicológico supo plantarle cara con una dignidad fuera de lo corriente hasta el punto que sus trabajos sobre la voz (el canto) le dieron una fama que aún hoy no ha sido superada por ningún otro.

Más de 600 obras compuso entre todos los géneros y eso, a pesar de su exigua existencia.

Si quieres comprobar lo dicho hasta ahora te aconsejo escuches la integral de sus sinfonías en versión de la Orquesta de Cámara de Europa con Claudio Abbado en la Dirección, pero ten paciencia en la escucha para saborear adecuadamente todo el canto que contienen sus sinfonías.

Si lo hicieras, luego me lo cuentas!

Fin de la primavera 2024

«Cuando se escribe una obra de estas dimensiones, una obra que refleja toda la creación, uno se convierte por así decirlo, en un instrumento del universo.»

(Gustav MAHLER)

Yo, añadiría: «qué instrumento más perfecto.»!!

No creo equivocarme si aseguro que, la mayoría de los mahlerianos, sentimos una predilección especial por su tercera sinfonía y más aún por su conclusión (el 6 movimiento) ese Adagio de casi 30 minutos de duración cuyo tema principal se resiste a despedirse una y otra vez y que a los oyentes, si es que existe el Cielo, allí nos conduce directamente.

Cuando Gustav conoció personalmente a Sibelius le susurró:

«las sinfonías deben ser como el mundo, deben contenerlo todo»

Y, con esta su tercera cumplió su aforismo.

Si alguien tenía duda sobre la fijación que Gustav sentía por la trompa, en esta sinfonía se disipa la duda, ya que son diversas las partes en las que MAHLER concede al instrumento un lugar privilegiado.

Cierto es también y novedoso que regala al solista de trombón un tema que repite dos veces con el que disfruta el instrumentista como un niño con su preferido juguete.

Completa en sus 6 movimientos y la más extensa en tiempo (casi 100 minutos de duración) se estrenó en la ciudad alemana de KREFELD en junio de 1902 dirigida por Gustav y a propósito un crítico escribió:

«El movimiento lento más bello compuesto desde Beethoven, coronó el triunfo de aquella velada, que inaugura una nueva época en la carrera y la vida de MAHLER «

Una famosa anécdota ilustra este estreno:

MAHLER invitó al estreno a un íntimo amigo que viajó en tren hasta KREFELD; el compositor fue a recibirlo a la estación y cuando su amigo bajó del tren quedó prendado del paisaje del entorno hasta que MAHLER le dijo: vamos, vamos porque toda esta belleza natural la vas a ver en mi sinfonía.

La tercera demanda para su interpretación una plantilla desmesurada, más de 100 músicos, un coro de mujeres, otro de niños y una contralto.

Resulta esclarecedor la nota que Gustav (una vez acabada de componer en 1896) le pasó a su íntima Anna Mildenburg:

«Mi sinfonía será algo que el mundo nunca ha escuchado! Toda la naturaleza tiene una voz en ella y cuenta secretos tan profundos que uno quizás los sospecha en un sueño! A veces me siento raro con ciertos pasajes, y siento como si no lo hubiera conseguido en absoluto.»

Amigo Gustav, sabes de sobra que para todos tus seguidores así como para todos aquellos que dispongan de paciencia para escuchar activamente los 100 minutos de tu sinfonía en Re menor, lo has conseguí do y bordado para la Historia de la Música de todos los tiempos venideros.

Si, después de esta pequeña información sobre la tercera mahleriana estás dispuesto a vivirla en directo que es como realmente más se disfruta de la música, te sugiero que te desplaces a la bella OVIEDO (Viena musical de España) en cuyo Auditorio Príncipe Felipe se interpretará con arreglo al siguiente programa el próximo día 28 de Junio a las 20 horas:

Orquesta compuesta por la OSPA y la OVIEDO FILARMONIA, mezzosoprano DAME SARAH CONNOLLY, coros: AURUM y PEQUES del León de ORO y todos bajo la Dirección Musical de LUCAS MACIAS NAVARRO.

Tengo la absoluta seguridad de que resultará un concierto inolvidable por la sencilla razón de que los profesionales músicos, cuando tienen en sus atriles una obra de esta envergadura y contenido, se motivan al cien por cien para conseguir la mejor excelencia.

Finalizando la primavera de

2024

«El arte es el grito angustiado proferido por aquellos que han experimentado de primera mano el destino de la humanidad»

(Arnold Schönberg)

 

En absoluto me extraña que algunas personas de las que tengan acceso al presente enunciado sufran una pequeña conmoción momentánea.

Sí, porque casi todos, tenemos in mente un concepto de la música que de cierta forma contradice el enunciado.

Pero, he aquí la grandeza de este arte!, su omnipotencia se manifiesta tanto para festejar y acompañar lo lúdico-festivo como el gran horror y el sufrimiento humano.

La Historia de la Música alberga bastantes trabajos compositivos  que a ello se dedican. Al margen de los Requiems -misas de difuntos- que recogen el pesar por pérdidas humanas, los siglos XIX y XX nos legaron obras que describen a la perfección el dolor humano a consecuencia de: guerras, persecuciones, odio racial, sufrimiento humano por causas sobrevenidas, etc.

Compositores como: R. Strauss, A. Schónberg, D. Shostakovich y B. Britten abanderan esta especialidad musical que, aunque pueda sonar extraño, posee muchos adeptos entre los melómanos, requiriendo estas obras en la mayoría de los casos plantillas orquestales muy numerosas.

Si te sientes tentado por la curiosidad después de lo dicho, a título de ejemplo me permito sugerirte que podrías escuchar en youtube:

«Un superviviente de Varsovia (Schónberg)  Metamorfosis (Strauss), Sinfonía Leningrado (Shostakovich) o el Requiem de guerra (Britten).

Todas estas obras, de alguna forma sintetizan en maravillosos sonidos el horror y el sufrimiento humanos.

En la foto Dmitri Shostakovich, gran compositor y sufridor.

Primavera 2024.

 

«Que el lenguaje de la Música hable tan solo de cosas nobles»

El odio es un sentimiento casi seguro tan viejo como podrían ser los primeros pobladores de la Tierra. El odio irradia sobre todo el comportamiento humano y por ello, lo encontramos en todas las parcelas de la vida y por supuesto en todas las profesiones.

Pero, como mi eje fundamental es la Música pues ahí viajo ya, dejando lo anterior para filósofos y otros especialistas.

«Que el lenguaje de la Música hable tan solo de cosas nobles», frase que encaja con la Bildung austro-alemana (es un pensamiento que existía grabado en la trasera de la estatua que el Ayuntamiento de Leipzig (Alemania) le dedicó al hamburgués Félix Mendelssohn -de familia judía- por sus extraordinarios servicios musicales a la ciudad, no quiere decir que el maravilloso músico estuviera exento de sufrir una enorme dosis de odio. Y, no precisamente por sus excelentes composiciones que perduran hasta hoy y lo que les quedan. Sí, en cambio por el simple hecho de ser judío.

A la entrada de la Gewandhaus (sala de conciertos de Leipzig) lucía aún en el otoño de 1936 la enorme estatua de Mendelssohn. Pero, la noche del 9 de noviembre del citado año, los nazis, aprovechando la ausencia del titular de la Alcaldía, derribaron la estatua y la retiraron de su pedestal.

La noticia causó impacto internacional dado el prestigio del compositor, surgieron iniciativas internacionales curiosas para su restablecimiento pero fue destruída y nunca se supo el destino del bronce que la conformaba; su existencia pública fue de 44 años (1892-1936) pero su obra musical, como la mejor estatua posible, persistirá para siempre en el corazón de las buenas personas del mundo.

Si te place, puedes cuando tu tiempo te lo permita ver y escuchar su octeto para cuerdas una, de las muchas joyas que Mendelssohn nos regaló para siempre.

Primavera 2024.