Desde el rincón de Farkas

Si como decía el famoso poeta romano Publio Ovidio Nason: «la gota horada la roca» y sabiendo que la Música es la hermana de la VIDA, no tengo ningún rubor en decir que: «existen solos en Música que horadan las almas»

Y, para comenzar esta serie que sin prisas intento desgranar, hoy me ocuparé, como no! de mi querido Gustav Mahler.

Los compositores, como humanos que son, independientes del instrumento que pueda ser su especialidad de estudio,  tienen otros favoritos a los que en sus composiciones otorgan un tratamiento especial conforme a los fines que quieren obtener con vistas a los oyentes de sus obras. A tales fines escriben para ellos SOLOS con mayor o menor acierto.

De mi largo seguimiento a Mahler deduzco que sentía una especial predilección por la trompa y por ello le dedicó en su primera, tercera y quinta sinfonías momentos estelares que te horadan el alma.

Pero también Mahler es muy especial con dos instrumentos cuyos sonidos se asemejan algo al que usaba su amigo FARKAS [el pastor] cuando en las montañas coincidían ambos y cuidaban el ganado.

Estos son: oboe y flauta travesera, su obra La Canción de la Tierra hay quienes la califican como si de un  oncierto para oboe se tratara por la cantidad de pasajes estelares que concede al instrumento en todos los movimientos de la bellísima sinfonía cantada como muchos la llaman.

La flauta, es beneficiada por MAHLER en su décima sinfonía que, desgraciadamente la PARCA no le permitió terminar.

Pero, con el consentimiento de su esposa Alma, Deryck Cooke acompañado de tres colegas, efectuaron la recomposicion de la obra gracias a  los apuntes que dejó MAHLER  a su mujer.

En el movimiento final recompuesto, después de varios golpes misteriosos del bombo y una pequeña introducción de la tuba, acontece un solo de flauta de un arrobamiento bestial de esos que como vengo diciendo horada el alma dejando una tristeza feliz aunque nos parezca paradójico que la tristeza pueda ser feliz pero así somos los humanos.

Si, quieres vivir este momento que acabo de describir puedes hacerlo conectando en YouTube con: 10 sinfonía de MAHLER interpretada por la Filarmonica de Rotterdams con Yannick Nezet-SEGUIN a la batuta. El solo se encuentra aproximadamente en el minuto 54 del cursor y luego, si puedes, me cuentas.

Marzo escandalosamente lluvioso 2025

«Un creador está siempre emigrando»

                   (ADONIS)

Casi todos sabemos del carácter  un tanto peculiar de DON LUIS (claro está BEETHOVEN) cuando las circunstancias lo presionaban.

Hoy, les comparto una simpática anécdota que tuvo como escenario VIENA y que sinceramente agradezco a NORMAN Lebrecht por incluirla en su maravilloso libro: Por qué BEETHOVEN? Que recomiendo a los posibles interesados.

El acontecimiento tuvo lugar en1800, contaba DON Luis por tanto con 30 añitos cuando llega a la musical VIENA un señor llamado Daniel Steibelt que se ocupaba exclusivamente en hacer con el piano variaciones musicales sobre un tema de cualquier partitura y con las que «enamorar » a cuantas mujeres  acudían a su llamada.

Los mecenas de DON Luis, se colmaron de alegría por encontrar un nuevo entretenimiento en sus aburridas vidas: participar como espectadores en un combate musical entre Steibelt y Beethoven.

En marzo (1800) se organiza un combate en el Palacio del conde   Moritz Fries y el jurado declara ganador a Steibelt

Se organiza una revancha para el fin de semana siguiente incluyendo apuestas. Y, Don Luis, un pelin herido del primer asalto, hace de las suyas: « coloca en el atril del piano una partitura del quinteto de Steibelt, pero además la coloca boca abajo, toma una frase de un violonchelo de la citada obra y con sólo un dedo toca y toca haciendo variaciones hasta el punto que su enemigo Steibelt se marcha de la sala prometiendo a los organizadores no competir jamás contra Don Luis.»

Por si te apetece disfrutar con el mago Don Luis tienes en YouTube su trío para: piano, clarinete y violonchelo op. 11, en el caso sus intérpretes son: Sabine Meyer, Sol Gabetta y Seong-Jin CHO al piano.

Disfruta que merece la pena estar con BEETHOVEN!

Ah! Y a ADONIS le diría que, además de emigrar,algunos creadores dan buenos “palos” a quienes van por la vida de “chuletas”

Y, ahora si, me despido con un retrato de Don Luis Beethoven

Lluviosa primavera 2025.

Decía el gran director Nikolaus Harnoncourt: «quien no es besado por las musas, poco tiene que hacer en musica»

Mi personaje de hoy diría como andaluz, que tenía gastadas sus mejillas por el besuqueo que le propinaban las musas.

Se trata de Fredrich Gulda, un austriaco nacido en Viena en 1930

Unos 35 años hace que le conozco y lo sigo, gracias a la televisión me dejó alucinado: que pedazo de artista!

Era auténtico virtuoso en cualquier estilo musical: clásica, jazz, etc. Componía y en algunas de sus obras mezclaba los estilos musicales con cierta notoriedad.

Fue uno de los mejores intérpretes del teclado hasta su muerte, destacó igualmente como pedagogo del piano sacando alumnos tan brillantes como Marta Argerich y Claudio Abbado.

En el aspecto o perfil humano era más extravagante que «un albañil alicatando una pirámide de Egipto» . Se divertía gastando bromas en el escenario y a tal fin vestía siendo fiel a su extravagancia,

La mayoría de sus recitales no tenían programa, imposible saberse que nos iba a ofrecer: lo mismo tocaba Mozart, Beethoven, Haydn que nos deleitaba con jazz aunque se prestaba a mezclar los estilos.

Enla última etapa como concertista de piano, se instaló la moda  que el pianista dirigiera la orquesta a la vez que interpretaba su concierto en el piano; pues bien , lo hacía usando unos movimientos inadecuados para un director auténtico  pero cierto es que conseguía una bella respuesta de la orquesta que tuviera delante, achaco este éxito a su altísima sensibilidad para toda la Música.

Y, ahora viene la sorprendente anécdota que nos regaló antes de morir:

«Hizo difundir a la sociedad en 1999 que había muerto y pasados unos días anunció un concierto de reaparición.»

Murió el 27 de enero de 2000, llevándose el gustazo de la broma que nos gastó.

Como en YouTube tienes material más que suficiente para que lo conozcas si no lo has hecho aún, te sugiero lo hagas porque no te arrepentirás

Lluvioso marzo 2025

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En el prefacio de “Álbum de la juventud “ decía R. Schumann: “no juzgues el mérito de una obra por su primera audición; lo que agrada en un principio no necesariamente es lo mejor. Al emitir un juicio sobre las composiciones, debes distinguir entre aquellas que pertenecen al verdadero arte y las que sirven para deleitar a los aficionados. Aprecia las primeras; pero no desprecies las otras.”

A menudo se producen estrenos de obras y siempre se abre el mismo interrogante: triunfará o pasará al cajón del olvido?

Ese o parecido interrogante se lo planteaba Igor Stravinsky con su “Consagración de la Primavera “

Anunciar hoy la interpretación de esta obra es sinónimo de “llenazo” en la sala en cuestión. Pero, siempre fue esto así?

Rotundamente no, y nos lo dejó escrito Jean Cocteau con su crónica inserta en el diario: El llamamiento al orden (de Paris) en 1913 dice:

“Hubo risas, abucheos, silbidos y gritos como animales. Pero todo hubiese quedado ahí si muchos “amateurs” y algunos músicos no se hubiesen dejado ir de la lengua; llevados de un excesivo celo, insultaron y aún atropellaron. El estrépito degeneró en lucha. De pie en su palco, con su diadema, la vieja condesa de Pourtales esgrimía el abanico y gritaba con rabia: “es la primera vez desde hace 60 años que se han atrevido a burlarse de mí.” Así es como conocimos esta histórica obra en medio de tal tumulto que hasta los bailarines no lograron oír la orquesta, debiendo seguir el ritmo que Nijinsky les marcaba, pateando y vociferando entre bastidores.”

Por si poco fuera lo descrito en la crónica anterior veamos lo que el mismo Stravinsky decía sobre este estreno ocurrido en Paris el 29 de mayo de 1913:

“Me abstendré de describir el escándalo que se produjo. Se ha hablado bastante de esto. La complejidad de mi partitura, había exigido un gran número de ensayos que Monteux (famoso director de la época) condujo con esmero y cuidado que le son habituales. En cuanto a lo que fue la ejecución en el espectáculo, era imposible para mí juzgarla, habiendo abandonado la sala desde los primeros compases del preludio, que en seguida provocaron risas y burlas. Yo estaba indignado. Estas manifestaciones, primero aisladas, se volvieron pronto generales, provocando por otro lado algunas contramanifestaciones, y se transformaron rápidamente en un estrépito insoportable. Durante toda la representación me quedé en los bastidores al lado de Nijinsky. Este estaba de pie sobre una silla, gritando como un loco a los bailarines: “dieciséis, diecisiete, dieciocho.” Naturalmente, los pobres bailarines no escuchaban nada debido al tumulto en la sala y a su propio pataleo. Yo debía sujetar a Nijinsky de la ropa porque echaba espumarajos, dispuesto en todo momento a saltar al escenario para hacer un escándalo. Diaghilev, con la intención de hacer cesar este jaleo, daba a los eléctricos orden tanto de iluminar como apagar las luces de la sala. Esto es todo lo que he retenido de este estreno. Cosa extraña: en el ensayo general, al cual asistían, como siempre, numerosos artistas, pintores, músicos, hombres de letras y los representantes más cultivados de la sociedad, todo transcurrió con calma y yo estaba muy lejos de prever que el espectáculo pudiera provocar tal desenfreno.”

Stravinsky, con la Consagración provocó una fuerte ruptura estilística en lo musical que marcó diferencias de consecuencias irreversibles para la Historia de la Música, por otra parte los aficionados de la época no estaban preparados para la ocasión.

Si con la historia he conseguido movilizar tu curiosidad para ver/oír esta obra, cuidado!

Recuerda el consejo de Schumann:

No juzgues el mérito de una obra por su primera audición.

Invierno 2025

“Llevo una profunda tristeza en el corazón que de vez en cuando debe estallar en sonidos”

(Franz Liszt) -1811/1886-

Ciertas biografías de compositores están señaladas por la dicotomía: vida difícil pero de mucho éxito en lo profesional.

Para mí, es el caso de Liszt quien a sus 20 años conoce a Paganini y emprende la tarea de revolucionar su técnica pianistica que lo convertirá en el pianista más famoso y popular durante mucho tiempo, hasta el punto de desatar una fiebre tan grande que desencadenó lo que llamaron “lisztomania” ( algo similar a lo ocurrido muchos años después con los Beatles).

Para los no profesionales de la música Liszt es muy conocido como virtuoso del piano pero nada o casi nada se sabe de sus otras facetas artísticas: compositor, director de orquesta, profesor, etc.

Como prodigio del piano hizo aportaciones que persisten hasta la fecha: el nombre de recital a sus conciertos y colocar en el escenario el piano de forma que el teclado pudiera ser observado por los asistentes, además compuso obras importantes para su instrumento.

Liszt, caminaba por el mundo acompañado siempre de tres libros a los que acudía con insistencia: Fausto, La Divina comedia y la Biblia. Por este motivo nos dejó bien patente en sus composiciones la influencia que ejercieron estos manuales en su poder creativo: la sinfonía Fausto, la sinfonía Dante y obras religiosas misas, salmos etc.

La vida de Liszt se observa polarizada: por sus colosales éxitos entre las masas como pianista prodigio de la época por una parte y por sus continuos fracasos como compositor en sus años vividos en Weimar tratando de imponer lo que él llamaba, no sin razón, “la música del porvenir” que representaba una nueva concepción sobre la música y que más tarde triunfó.

Esta polarización, unido al sufrimiento por la muerte de dos de sus tres hijos, contribuyeron a que en 1879 este hombre con fenotipo de “profeta” se ordenara como canónigo dedicándose hasta su muerte (1886) a una vida religiosa en las cercanías de Roma.

Finalizo recordando algunas de sus célebres frases e invitándoles en YouTube a entrar en sus obras.

“Cuando la palabra no es lo bastante expresiva, la música le proporciona una fe y un impulso nuevos.

“Mi música no gusta a los eclesiásticos y me parece heterogénea para los oídos mundanos”

Invierno 2025

“Mozart ha sido el modelo de mi juventud, la desesperación de mis años de madurez y el consuelo de mi vejez.”

Hoy, que se cumplen 269 años del nacimiento de Mozart (27/1/1756) me parece oportuno dedicar un espacio a esta gran celebridad que sigue con nosotros de forma imperecedera a través de sus obras.

Pero, valiéndome para ello de la visión que sobre él tenía otro de los grandes como el italiano ROSSINI.

No es frecuente en el mundillo profesional piropear a un colega de la misma profesión, al contrario es frecuente despachar críticas viscerales como hicieron algunos en ocasiones diversas.

Pero en esto ROSSINI que nació un año después de la muerte de MOZART ocurrida en 1791 era un especialista y no tenía con el salzburgues ningún problema para elogiarlo, yo diría que más bien disfrutaba haciéndolo.

Uno de sus más famosos elogios a MOZART, lo recoge literalmente Tim Blanning en su magnífica obra: “El triunfo de la música” (Acantilado editorial) y dice:

“Los alemanes han dominado siempre el arte de la armonía, como los italianos han dominado siempre el de la melodía. Pero desde el momento en el que el norte produjo un Mozart, los del sur quedamos derrotados en nuestro propio terreno, porque este hombre se eleva por encima de las dos naciones al unir en sí todos los encantos de la melodía italiana y toda la profundidad de la armonía alemana.”

Después de esta clarificadora atención hacia Mozart que además refleja la verdad artística de su esplendor, se le puede negar a Rossini el título de fan núm. 1 de Mozart?

Estaba tan obsesionado con Mozart que sus íntimos cariñosamente le llamaban “el pequeño alemán”.

Para terminar os invito a través de YouTube a escuchar el concierto para piano y orquesta núm. 23 K 488 en versión de Gulda al teclado y Abbado a la batuta, seguro que su Adagio os conduce al cielo.

27 enero 2025

“La música es algo por lo que merece la pena vivir en la tierra”

(F. NIETZCHE)

Un simple rato de reflexión sería suficiente para mostrarnos la cantidad de similitudes y paralelismos que existen entre estos conceptos: Música y Vida.

Probablemente, ningún otro arte contenga tantas aproximaciones con la Vida como las tiene la Música. Así hay quien define la Música: “como a lo que suena la Vida”.

La Vida se hace patente tanto en formas unicelulares como en seres cargados de enorme complejidad como somos los humanos.

La Música se manifiesta en sus orígenes como un lenguaje simple de percusión evolucionando a partituras extensas y de gran complejidad para cientos de intérpretes y oyentes.

La Música basa su existencia en el sonido y el ritmo, sin estos suministros no es posible.

La Vida, no está impregnada de sonidos y ritmos a veces hasta desconcertantes?.

Gracias a la ciencia sabemos hoy que ciertas músicas ejercen notable poder sobre: animales, vegetales y humanos, esto podría permitírselo la Música si no fuera porque está tan cerca de la Vida y tan apegada a ella?.

La Vida es un torrente sin fin de estados de ánimos de colores diferentes sin embargo, cada uno de ellos tiene reservada su Música de manera exclusiva incluyendo a los más siniestros de todos: la guerra y la muerte.

A estos efectos, me parece muy acertado el pensamiento del maestro Barenboim cuando en su extraordinario libro: “El sonido es vida” dice:

“La Música nos enseña que tenemos que aceptar la inevitabilidad de un suceso que cambia de manera irrevocable el curso de los acontecimientos. Aunque después de una gran catástrofe uno pueda tener una sensación irracional de optimismo o de pesimismo, el flujo y reflujo de la vida, como el flujo y reflujo de la música, son innegables.”

Seguro que vosotros, posibles lectores de este post, si practicáis la reflexión que al principio cité, encontraréis entre Música y Vida muchas más aproximaciones más interesantes además que las por mí expuestas.

No tengo duda en pensar como NIETZCHE que la Música hace posible que merezca la pena vivir en la tierra.

Al ritmo de la lluvia enero 25.

LA FALTA DE CORDURA

“Si no fuera por la música habría más razones para volverse loco.” (Tchaikovsky)

En muchos casos de esta nuestra vida puede que acierte con su rotunda frasecita que me permito introducir en este post.

Pero, hay algo que no me cuadra de su refinada cordura Sr. Tchaikovsky y por ello me pregunto:

Cómo es posible que, a pesar de su abundancia de música (en su cabeza y en su cuerpo) tuviera momentos cercanos a la locura con el consiguiente desprecio hacia algunos de sus colegas también compositores como Ud.?

Porque lo que Ud escribió en su diario el 9 de octubre de 1886 dedicado a su colega J. Brahms no es, a mi juicio de recibo sin dejar de comprender que, entre profesionales del mismo ramo siempre han existido y existirán quienes son presas de celos.

Ud, escribió:

“He tocado la música de ese patan de Brahms. No tiene nada de talento, el muy desgraciado! Me molesta que un mediocre ampuloso como él sea considerado un genio. Comparado con el, Raff es un gigante, por no hablar de Rubinstein, que al fin y al cabo es un ser humano vivo e importante, mientras que Brahms es una cosa caótica y completamente seca, vacía.”

Brahms, contemporáneo suyo pero 7 años mayor que Ud, llamado en círculos musicales de la época el heredero del ilustre Beethoven, no merece a mi entender tan desacertado juicio por su parte aunque similar conducta ejerció Brahms con su colega A. Bruckner al que tildaba públicamente de “cateto religioso” una prueba más de que así trabaja el karma:

La medicina que Brahms dio a Bruckner es la misma que Brahms recibió de Tchaikovsky.

Frío enero de 2025

“La Música proporciona la posibilidad,  por un lado, de escapar de la vida y, por el otro, de comprenderla mucho mejor que a través de muchas otras disciplinas. La Música dice: Perdonen. Esto es la vida humana.”

[Daniel Barenboim]

Para muchos, entre los que me encuentro, Vida y Música son como almas gemelas, lo que sucede a una inmediatamente tiene lugar en la otra y por este motivo mi personal atrevimiento del presente título y que a continuación doy coherencia con la siguiente anécdota protagonizada por Richard Wagner:

“En Londres, el crítico musical de The Times censuró a Wagner con dureza por dirigir la sinfonía 3 Heroica de Beethoven sin partitura en su atril (de memoria).

En el siguiente concierto, Wagner salió al escenario con una partitura en la mano y se ganó el respeto de los críticos, hasta que descubrieron que era la partitura del Barbero de Sevilla de Rossini que no estaba en el programa del concierto.

Y es que, en esa época (finales del siglo XIX) se veía muy mal dirigir o interpretar sin partituras.”

No es hasta mediados del siglo XX cuando comenzó a ponerse de moda el dirigir sin la partitura y concretamente fue Karajan uno de los primeros impulsores de este tipo de director.

El milanés Claudio Abbado hasta su fallecimiento (20/1/2014) tenía la sólida costumbre de dirigir sin papeles “todo de memoria” aunque se tratase de obras de 100 minutos de duración y llegó a ganarse entre los críticos el título de “ el de la memoria prodigiosa”

En la actualidad hay algunos jóvenes que prefieren memorizar las obras para interpretarlas pero la mayoría lo hace con la partitura delante en su atril.

Invierno 2014