FELIZ CUMPLE QUASTHOFF!

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“Creo que el sentido del canto, en general, es conmover, sorprender al público con emociones, con el corazón y con el intelecto. Ese es para mí el sentido de hacer música.”

(Thomas Quasthoff)

 

Como si de ayer se tratara, sigo recordando el día que te conocí personalmente. 15 de marzo de 1977, acudías al Teatro de la Maestranza (Sevilla) arropado por un “bachiano” como Helmuth Rilling para interpretar la Pasión según San Mateo.

Estuvimos tan próximos, que en numerosas ocasiones y como resultado de tu extraordinario trabajo artístico y del énfasis que ponías en tu dicción al pronunciar un excelente alemán, llegaban a mi asiento minúsculas gotitas de tu saliva.

Como puedes comprobar 22 años no han borrado las huellas musicales que aquella famosa tarde-noche sevillana dejaste en las zonas de mi cerebro encargadas de la música; desde entonces te sigo como puedo y admiro tu amplio trabajo como barítono y en ocasiones bajo.

Respeto la intimidad con la que siempre tratas  tu fenotipo y no seré yo, precisamente, quien de ello me ocupe; si, el posible lector de este post, se siente interesado en ello, seguro que sabrá acudir a las fuentes pertinentes.

Thomas Quasthoff

(Thomas Quasthoff nació el 9.11.1959)

Te felicito por tu inminente 60 aniversario deseándote que ahora triunfes en la enseñanza con los jóvenes valores al menos de la misma forma que lo hiciste con tu preciosa voz por todos los escenarios del mundo, artistas y personas como tú hacen grande la música.

Dejo a mis posibles seguidores un vídeo en el que interpretas el aria de Papageno de la Flauta Mágica de Mozart.

 

 

 

José Manuel Macias Romero

Otoño 2019.

 

 

ES POSIBLE MEJORAR NUESTRO CONOCIMIENTO DE LA OCNE?

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Por supuesto que algunos lo saben, para los que se pierden en este mundo de siglas que nos ha tocado vivir la OCNE es la Orquesta y Coro Nacionales de España. Esta institución cultural-musical depende del Ministerio de Cultura dentro del organigrama del INAEM (Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música) y tiene fijada su residencia habitual de trabajo en el Auditorio Nacional de Madrid C/. Príncipe de Vergara.

Son escasamente contadas las veces que esta institución musical sale de su habitat para mostrarse a los españoles que no residimos en Madrid, igualmente la televisión estatal la ignora sistemáticamente por lo que su importante actividad musical atiende casi exclusivamente a los aficionados madrileños que, además de contribuir como todos los españoles a su sostenimiento económico a través de los impuestos, tienen que costearse el pago de sus correspondientes conciertos.

OCNE

Se comprende que sería muy costoso desplazar a tantos profesionales por la geografía española para que los ciudadanos pudiéramos disfrutar de su excelente trabajo artístico pero, en una época como la nuestra donde lo audiovisual está adquiriendo por medio de las televisiones y de internet unas dimensiones superlativas, sería tan difícil que los ciudadanos pudiéramos ver sus conciertos de temporada como el aficionado al Real Madrid ve sus partidos?

Es de necesidad que el INAEM y Ministerio de Cultura se impliquen en un proyecto audiovisual, podría ser similar al Digital Concert de Berlín, para que todos los españoles tuviéramos la oportunidad de mejorar nuestro conocimiento de la OCNE, si este proyecto resultase inviable por su coste, al menos que se tome el acuerdo de televisar en directo muchos de sus conciertos.

Pronto la OCNE cumplirá 80 años y es penoso el escaso conocimiento que en el país hay de ella.

 

José Manuel Macias Romero

Otoño 2019.

¿POR QUÉ AHORA?

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“El arte de dirigir consiste en saber cuando hay que abandonar la batuta para no molestar a la orquesta.”

(Herbert von Karajan)

 

Con frecuencia, en redes sociales y en reseñas-críticas de conciertos de música clásica, leo cómo algunos profesionales llegan a ridiculizar a jóvenes talentos de la dirección orquestal por el mero hecho de tener una memoria privilegiada y correr un riesgo tremendo al no usar en el directo las correspondientes partituras de las obras que abordan.

Esto, que a muchos de vosotros puede resultar banal, me sorprende porque algunos de estos profesionales jamás les leí en algunos de sus excelentes trabajos que: Claudio Abbado, Simon Rattle, Daniel Barenboim, etc., hicieran en los conciertos verdaderos alardes de sus respectivas memorias.

Aprender memorísticamente hasta el punto de atreverse a salir ante cien músicos y dos mil personas a un escenario para dirigir una gran sinfonía, requiere un esfuerzo y una concentración que jamás podremos imaginarnos los que no pertenecemos al gremio. Los atrevidos que así han actuado y actúan, jamás piensan en sorprender a sus colegas músicos o al público asistente, tengo absoluta seguridad que lo hacen por dar a la música una dimensión diferente, vivirla y compartirla (con sus músicos y público) de manera más intensa, en definitiva hacer un trabajo único de la mayor excelencia posible.

Abundan ahora dentro de las nuevas generaciones de jóvenes directores los que prefieren no vivir pendientes de las notas escritas en el pentagrama y sí de las indicaciones y aprobaciones gestuales con que deben premiar a los ejecutantes que tienen delante. Que esto, sea públicamente objeto de ridiculización escrita me parece una falta de cortesía, más aún cuando a un joven triunfador como Dudamel, nadie se atreve a ridiculizarlo por este mismo motivo.

Y, esta corriente crítica hacia los que dirigen sin partituras va más allá de la prensa especializada prueba de ello la anécdota que viví en una corta estancia en Valladolid, Auditorio Miguel Delibes:

“En uno de los pasillos del excelente Auditorio, escuché como un Director solicitaba por favor al Regidor que retirara del podio su atril puesto que haría todo el concierto de memoria. El Regidor asintió pero marchando murmuró: este chico está loco, hacer este programa sin papeles.”

Supongo que el Regidor, al final, quedaría asombrado porque el concierto fue plenamente satisfactorio.

Os dejo con una instantánea de un gran amigo, además gran cultivador de su prodigiosa Abbado

memoria: Claudio Abbado.

José Manuel Macias Romero

Verano, 2019.

 

 

AÑO TRÁGICO PARA LA DIRECCIÓN DE ORQUESTA.

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2014: Año de luto para la dirección orquestal
“La ley básica de la música es el eterno devenir, el desarrollo perpetuo, igual que el universo no deja nunca de transformarse y renovarse.” (Gustav Mahler)

Reconozco que no tengo datos para saber si la Sra. Parca se ha empleado más, en años anteriores, que en 2014 contra la dirección orquestal mundial; de cualquier forma, ese año, se hizo notar.

Nada más comenzar el año, concretamente el 20 de Enero, flotando aún en el aire los olores navideños, iniciaba la Señora su rutinario, pertinaz y triste trabajo apartándonos del milanés Claudio Abbado.

Tras tomarse unas vacaciones de casi cinco meses, el 11 de junio volvía con más fuerza aún para llevarse a Rafael Fruhbeck de Burgos; en julio, concretamente el 13 repetía con Lorin Maazel, el 13 de agosto (parece que a la sra. le gustan los treces) nos quitaba a Frans Bruggen, al mes siguiente septiembre para ser concretos el 24 hacía suyo a Christopher Hogwood.

Hasta aquí, me he ocupado simplemente en citar a una minoritaria élite de la dirección orquestal, a esa de la que más se habla y escribe en los medios de comunicación social. Pero, ¿cuántos, menos afortunados con los medios habrán sido presa de ella en este 2014?. No tengo respuesta pero supongo que muchos, ya que son mayoría los que por desgracia casi nunca están en los medios, al menos con presencia tan insistente como los ya citados y que podríamos considerar “divos” de su profesión.

Si, al universalmente sentido fallecimiento de estos mitos de la dirección, que nos dejaron en 2014, sumamos la mayoría de edad en la que se encuentran un largo rosario de famosos directores que en corto espacio de tiempo se verán incapacitados por razones obvias para ejercer su profesión, podríamos suponer cargados de lógica que este arte está en crisis; una crisis de la que a principios de los noventa y en su famoso libro: “El mito del maestro” se ocupaba Norman Lebrecht anotando aristas diferentes en su origen (sociales, de raza, económicas, etc.) además del envejecimiento por su clara evidencia.

Pero, esta crisis que señalaba Lebrecht, agudizada más aún en estos momentos como consecuencia del paso del tiempo, entiendo que se va resolviendo con paso lento pero firme. Si todos coincidimos en que los actuales intérpretes son los mejores preparados de la historia de la música ¿por qué excluir de esta aseveración a los nuevos directores de orquestas?. ¿No será que nos cuesta romper como asiduos admiradores nuestro apego a: Kleiber, Bernstein, Karajan, Abbado, etc., por citar un pequeño y aleatorio muestrario?. ¿No es posible conciliar nuestra admiración por los grandes mitos de la batuta con los jóvenes valores emergentes?.

Es lógico que siempre se ponga en valor la experiencia al abordar asuntos como este pero, ¿cómo acopiar experiencia sin oportunidades?. Es cierto que los actuales aspirantes a esta profesión, disponen de excelentes herramientas en las jóvenes orquestas así como en los buenos conservatorios pero, el aprendizaje producto de la tensión que se vive en una sala con espectadores y con una orquesta profesional delante, no son comparables y la estimulación que se recibe tampoco.

Me declaro optimista en la resolución de esta crisis en la batuta y por consiguiente creo que más pronto que tarde dispondremos de una larga nómina de jóvenes valores que sin olvidar a los viejos mitos, nos hagan disfrutar con las obras de siempre y las que puedan surgir de los compositores noveles; de hecho, ya hay muchos que estos resultados consiguen pero prefiero que sean otros los que los citen.

He creído oportuno iniciar esta reflexión sobre el futuro de la dirección orquestal utilizando como paradigma las palabras de un genio como Gustav Mahler en quien se dio la circunstancia de que en su primer contrato como director en época estival incluían también entre sus tareas la de sacar de paseo a los niños del gerente al parque municipal.

Aprender a dirigir, teniendo que hacer frente a esas servidumbres puede que no fuese un proceso gratificante pero en la época actual, ¿no existen otras servidumbres?. Para mí, sí, aunque de contenidos y procedencias diferentes a la sufrida por Mahler. Aprender de los errores y superar servidumbres, es la base del éxito si se tiene una fuerte vocación o mejor en palabras de Michael Jordan: “He fallado una y otra vez en mi vida, por eso he conseguido el éxito.”

El presente texto fue escrito en otoño de 2014, revisado, veo en el mismo tanta vigencia en  la actualidad que he decidido volver a publicarlo.

José Manuel Macias Romero

Verano 2019.

 

 

 

TIEMPOS NUEVOS COMPORTAMIENTOS NUEVOS,EN MÚSICA TAMBIÉN.

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Hace algún tiempo, siglo XVIII, los aficionados a la música comenzaron a tener la oportunidad de disfrutarla en directo, acudiendo a las escasas salas que, a tal fin, se comenzaron a destinar a ello. De esta forma, ya no era necesario acudir a una iglesia o a un palacio al que difícilmente te dejaban entrar si no eras invitado.

Ese público de la época, mostraba tanto interés y se entregaba tanto a la interpretación que, cuando cualquier melodía o momento les tocaba el corazón, irrumpían en aplausos sin esperar a la terminación de la obra o a los movimientos de la misma. El director de turno que en ocasiones coincidía con ser el  compositor de las obras, accedía de buen agrado a estas manifestaciones del público totalmente sentidas y espontáneas, detenía la interpretación y la reanudaba cuando volvía el silencio.

Evidentemente, aquel público dedicaba a la audición una concentración intensa que facilitaba las manifestaciones antes descritas.

Refiriéndose a los nuevos tiempos, decía hace unos días un admirado pianista: “cuando penetro en el escenario dispuesto a interpretar, veo multitud de pantallas encendidas de móviles, tabletas e incluso ordenadores portátiles.” Este comportamiento del público, constatado por todos los que acudimos a los conciertos en estos nuevos tiempos es un lastre para gozar de un concierto de forma adecuada a las exigencias de una música que requiere mucha más atención que la que podamos escuchar en la ducha o antes de la consulta con el dentista.

Caemos en una profunda contradicción cuando gastamos dinero en un evento musical para, en definitiva, estar más pendientes de las nuevas tecnologías que de la música que sale del escenario al tiempo que provocamos un desaire a los intérpretes y al compositor de turno.

Por ello, si tuviera que elegir público preferiría a los del siglo XVIII por su coherencia con el arte musical.

Si tienes la paciencia para ver y escuchar la 1ª sinfonía de Brahms que incluyo, no te apetecería aplaudir al solista de trompa alpina que al final del último movimiento hace un solo impresionante?. Si, todos lo hiciéramos en directo, qué regalo le haríamos a ese músico!.

 

 

 

José Manuel Macias Romero

Verano 2019.

 

 

 

POSIBLEMENTE, UNO DE LOS MÁS BELLOS ADAGIOS JAMÁS COMPUESTO.

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“No deja de ser curioso que un músico de familia judía haya redescubierto la música del más importante de los compositores cristianos.”

(Felix Mendelssohn, en tono de broma)

 

Es la tercera vez que me ocupo de Mendelssohn en el presente blog; casi con toda seguridad puedo adelantar que no será la última porque es tanta la pasión que le profeso que probablemente, cuando menos se espere, retorne a su obra y figura.

Y es que como dice el profesor Luis Angel de Benito, la música de este artista es: transparente, fresca, noble y accesible a todas las personas. Atributos que parecen no encajar con la visión de una élite de musicólogos “rebuscados” que huyen de todo aquello que pueda sonar a popular.

Hoy mi referencia mendelssohnniana se centra en su tercera sinfonía llamada “escocesa” y su tercer movimiento adagio de diez minutos aproximadamente de duración según versión, puede ser sin lugar a duda una de las páginas más bellas que se hayan escrito en la historia de la música.

 

 

 

 

Aquí puede, si lo desea, disfrutar de una excelente versión de esta obra.

Con 21 años de edad se encontraba Mendelssohn en Edimburgo y en la ocasión escucha a un grupo de gaiteros una de sus melodías le inspiran el tema del segundo movimiento en forma de sonata. El primer movimiento, de carácter brumoso y doloroso está inspirado en un típico castillo escocés muy grisáceo. Muy discutido en su tiempo fue el movimiento final de la sinfonía también en forma sonata por el hecho de que acabe con un himno grandioso que no gustaba sobre todo a los “rebuscados” citados antes.

De este himno final decía su autor: “Debe sonar como un coro de voces masculinas perfectamente ensamblado.”

Termino aclarando la frase inicial: Estrenada la Pasión según San Mateo de J.S. Bach, se guardó la partitura y hasta pasados cien años no la desempolvó Mendelssohn, por cierto con un éxito impresionante y desde entonces no ha vuelto a coger polvo en las estanterías.

Y, ahora, sí acabo pero con esta gran frase de un gran genio:

 

 

Sólo hay dos maneras de resumir la música

 

 

 

José Mel. Macias Romero

Verano 2019.

 

 

UN MAGO DE LAS BLANCAS Y NEGRAS

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Estoy muy disgustado; no tengo tiempo para estar enfermo.”  (Chopin)

 

Nunca hasta ahora me había ocupado de este genio de la interpretación pianística y sobre todo de la composición para su instrumento.

La literatura biográfica de años atrás siempre se ocupaba de los grandes genios en la especialidad artística que fuera, resaltando casi de forma exclusiva las bondades y anécdotas en positivo de los mismos, resultaba difícil en cualquier lectura de esta índole encontrar los aspectos humanos desagradables que pudieran tener los mencionados genios.

Hoy, al encontrarme releyendo la obra literaria de Alfred CortotAspectos de Chopin, me gustaría compartir con vosotros esta pequeña triste historia de este ilustre mago de las blancas y negras.

Fréderic Chopin

(F. Chopin)

Como cualquier chaval, con poco más de 20 años decide independizarse del subsidio que le pasaban sus padres y marcha a Paris. Para hacer frente a los gastos ordinarios y a los originados por su enfermedad, opta por aceptar dar clases de piano y dado su ya incipiente prestigio en el instrumento, la clase alta burguesa parisina le envía a sus hijos para que perfeccionaran en sus aprendizajes.

Pronto se vio superado por la cantidad de alumnos, la mayoría de ellos de escaso relieve interpretativo, que le hacían trabajar mucho, fomentando un  estrés que en nada beneficiaba a su débil salud. Este trabajo, poco edificante para él, unido a la preparación de los conciertos que daba en numerosas mansiones y palacios de Paris le creaba situaciones que alteraban profundamente su sistema nervioso ocasionando escenas en su propio domicilio que rondaban la locura.

Conociendo todo esto, no resulta extraño que cierto día se le escapara la frase con la que encabezo la historia.

Si te parece oportuno y quieres comenzar a conocer artísticamente a este genio podrías oír el 2º movimiento de su concierto num. 2 para piano y orquesta que te inserto en el presente post.

 

 

 

José Manuel Macias Romero

Verano 2019.

 

 

 

 

 

LA IMPORTANCIA DE LA MÚSICA EN LA SOCIEDAD.

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En defensa de los millones de seres humanos que entendemos que el arte llamado MÚSICA va más allá de un mero: pasatiempo, evasión y disfrute momentáneo de cualquier tipo, hoy quiero traerles de una autoridad en filosofía de la música una de sus muchas reflexiones sobre el asunto.

Y, a este respecto nos dice Daniel Barenboim:

“La educación del oído es quizá mucho más importante de lo que podemos imaginar no sólo para el desarrollo de cada individuo sino también para el funcionamiento de la sociedad y, por tanto, también de los gobiernos. El talento musical, la comprensión de la música y la inteligencia auditiva son áreas que a menudo están separadas del resto de la vida humana, relegadas bien a la función de entretenimiento o al esotérico reino de las artes de élite.

La capacidad de escuchar varias voces al mismo tiempo captando la exposición de cada una de ellas por separado, la capacidad de recordar un tema que hizo su primera entrada antes de un largo proceso de transformación y luego reaparece a una luz diferente, y la habilidad auditiva de reconocer las variaciones geométricas del tema de una fuga son todas ellas cualidades que potencian la comprensión. Quizás el efecto acumulativo de estas habilidades y capacidades podría formar seres humanos más aptos para escuchar y entender varios puntos de vista al mismo tiempo, más capaces de valorar cuál es su lugar en la sociedad y en la historia, y seres humanos con más posibilidades de captar las similitudes entre las personas que las diferencias que las separan.”

Después de este breve pero profundo pensamiento, sigues pensando lo mismo sobre la MÚSICA?. Abierto queda el debate e iniciado!desde que el hombre existe..

José Manuel Macias Romero

Finales primavera 2019.

 

 

EL REY DE LA MELODÍA: ROSSINI

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“Mozart ha sido el modelo de mi juventud, la desesperación de mis años de madurez y el consuelo de mi vejez.”                      (G. ROSSINI)

 

Ya, no admitía más demora porque años y años escuchando melodías de Rossini y jamás me había ocupado de él en este blog.

Probablemente me tildaréis de exagerado si os digo que en sus tiempos tuvo tanto éxito o más que los Beatles en Europa.

Posiblemente por ello dijo Lord Byron:

“Ultimamente ha habido una ópera espléndida en San Benedetto -famosa iglesia de Venecia- obra de Rossini, que acudió en persona para tocar el clave; la gente lo siguió por todas partes, lo coronó, le cortó mechones de pelo -como recuerdo- lo aclamó le dedicó sonetos  y lo festejó, y lo inmortalizó mucho más que a ningún emperador.”

Rossini

Se cuenta, que era tan grande la cercanía popular a Rossini, que los albañiles en sus respectivos “tajos” cantaban de memoria sus arias de óperas algo así como en Andalucía hace años hacían nuestros albañiles con fandangos y otras canciones.

Maravilloso, lo que hizo Rossini en pleno siglo XVIII por la música ¿verdad? pues, si oyes algunas de sus excelentes obras puede que te conviertas en uno de sus fans y volverás a él más frecuentemente de lo que piensas.

Examinando su numerosa obra comprendemos que escribiera para la posteridad la frase inicial que le dedica a su admirado Mozart, hay mucho Mozart en Rossini.

Si me permites, te recomiendo escuches por ejemplo una excelente versión de su Stabat Mater que se encuentra en youtube dirigida por el también italiano Carlo Maria Giulini.

 

 

 

 

José Manuel Macias Romero

Finales primavera 2019

 

ES UTIL EL ARTE?

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Nos cuenta Emil Cioran en su  obra “Desgarradura” que mientras preparaban la cicuta, SÓCRATES practicaba con una flauta intentando aprender una melodía. Se le preguntó: ¿Para qué te servirá? el filosofo respondió: Para saber esta melodía antes de morir.

Posiblemente y con razón, Ud., que por curiosidad se ha acercado a este blog, pensará: ¿A qué viene esta pequeña historia escatológica-filosófica?

Me ha parecido oportuna para aproximarme una pizca a la cuestión: “La utilidad de lo inútil”.

Sí, ya que casi todos coincidimos en que vivimos en unos tiempos en los que lo primordial es la utilidad pero la utilidad que provoca beneficios, plata como dicen los argentinos; casi todo lo que no esté impregnado por el susodicho fin, es declarado por esta sociedad hipercapitalista como INÚTIL.

Y, lamentablemente en este contexto, sus más excelsos portavoces nos dicen y machacan diariamente con que todo ARTE es INÚTIL.

Es evidente, acudiendo a mi ARTE preferido, que si en este mundo no hubiera MÚSICA no pasaría nada seguramente, todos seguiríamos viviendo porque tendríamos oxígeno y alimentos para nuestras células asegurados.

Pero, a todos estos lujos considerados inútiles les corresponde cada vez más el trabajo de alimentar la esperanza, de transformar su “inutilidad”en un perfecto instrumento de oposición a la barbarie reinante de la sociedad actual, en un gran fortín en el que puedan preservarse la memoria y los sucesos injustamente destinados al olvido.

Emil Cioran      cropped-images

En las fotos Emil Cioran (izq.) y Gustav Mahler (dcha.) probablemente culpables de la ocurrencia que hoy me ha ocupado.

José Manuel Macias Romero

Finales primavera 2019.