Desde el rincón de Farkas

«Es frecuente en Música no disfrutar de la popularidad y el éxito artístico hasta que hayas fallecido.»

(Anónimo)

Resulta frustrante que ocurra pero lo expresado por el anónimo no es caso raro y eso es lo que le ocurrió al gran pianista y compositor GEORGES BIZET que se lo llevó la vida a los 36 años de edad como consecuencia de un ataque al corazón.

CARMEN, su ópera más popular (hay quienes hasta en la ducha la cantan) se estrenó en Paris el 3 de marzo de 1875 y justo a los 3 meses (3-6-1875) fallecía Bizet posiblemente muy preocupado por el tremendo fracaso que supuso su estreno tanto para el público como para la crítica.

Y ese mismo año pero en octubre, se estrenó en Viena con rotundo éxito de público y crítica comenzando de este modo una carrera de popularidad que llega a nuestros días pandémicos.

Todos sabemos que la trama de su obra se desarrolla en SEVILLA, una ciudad que me da la impresión no saber sacar partido a todos los compositores que han escrito óperas teniendo como marco la bella ciudad andaluza, confío, no obstante que algún día surgirán gestores que sepan sacar jugo a este diamante.

SEVILLA, cuyo Teatro de la Maestranza se encuentra cumpliendo sus primeros 30 añitos, ha querido celebrarlo con una programación especial en la que se encuentra CARMEN. Esta magnífica obra ya es conocida por el Teatro dado que en el célebre 1992 (Expo) 24, 28 Abril y 2 de Mayo se representó con un reparto excepcional: Plácido Domingo (Director Musical), Teresa Berganza y José Carreras entre otros.

Ahora, vuelve una CARMEN (si la COVID) lo permite, no tan llena de primeras figuras pero con una enorme ilusión y con un Teatro mutilado aforísticamente a consecuencia del virus.

Por cierto y termino, la MUSIC TRADE REVIEW de Londres afirmaba en 1878 con motivo del estreno de CARMEN:

Si fuera posible imaginarse al mismísimo Satanás escribiendo una ópera, sería de esperar que el resultado se pareciese bastante a CARMEN.»

Los críticos de aquellos tiempos eran excesivamente conservadores y moralistas.

Primavera pandémica 2021

Efectivamente, eso dijo su autor J. BRAHMS : «Mejor que Requiem alemán debí titularlo Requiem Humano.»

Y, llevaba toda la razón este ilustre representante del Romanticismo más romántico; porque, cuando lo ves y escuchas, percibes con notoriedad que más que para los muertos, es un requiem para los vivos, una obra sedosa, apaciguadora, universal, de todos y para todos y cuando suenan las últimas notas, en la misma tonalidad que comenzó, nos motiva más para celebrar la grandeza de la vida que la tristeza y desgarro por la muerte, pese a que ésta sea parte de la vida.

Con textos bíblicos, adaptados al luteranismo, fue escrita para: soprano, barítono, coro y orquesta. Estrenada el viernes santo de 1868 en la catedral de Bremen y dirigida en la ocasión por su autor BRAHMS; estilísticamente, puede considerarse un mestizaje entre cantata y oratorio.

Las muertes: de su mentor R. SCHUMANN y posteriormente su madre, estimularon al compositor para trabajar en esta joya que ya ha pasado a la Historia del Romanticismo Musical, como suele ocurrir con las auténticas obras de arte, perdurando hasta sabe Dios cuando.

La obra contiene dos pasajes fugados, al final de sendos números, que poseen un arrobamiento estético de gran voltaje que te invitan a volver y volver a ella.

Por cierto, Brahms era en la época amigo de A. Dvorak, y con respecto a toda la polémica que surgió al darse a conocer este Requiem, Dvorak manifestó, «creo conocer perfectamente a mi amigo y puedo deciros que él, religiosamente, no cree en nada.» Luego no entiende como pudo escribir esta maravillosa obra referida a algo tan espiritual.

Presumo que ya conoces la obra y seguramente en versiones diferentes, si no fuese así, en youtube tienes dos muy interesantes: la de H. von Karajan y la de Abbado con la Filarmónica de Berlín y en las voces Bárbara Bonney (soprano) y Bryn Terfel (barítono) el coro, Eric Ericson Chamber; garantizo que estas versiones te harán repetir más de una vez.

Y, en España, este Requiem en esta ocasión tan especial que a consecuencia de la pandemia vivimos, tendrá una pronta interpretación en una de las ciudades más musicales del territorio: OVIEDO.

Os dejo con el programa obtenido de la web de Oviedo Filarmonía.

Suerte a todos sus numerosos intérpretes y al público que llenará el Auditorio.

«La música compone los ánimos descompuestos y alivia los trabajos que nacen del espíritu.»

(CERVANTES)

Siguiendo los efectos del Romanticismo musical, 20 años después del estreno de un Requiem alemán de J. Brahms, pero en la ocasión en Francia, Gabriel FAURÉ, al parecer a causa del fallecimiento de su padre decide comenzar su Requiem y antes de terminarlo, ocurre el fallecimiento de su madre.

La singularidad del Requiem FAURÉ puede ser que por primera vez en el género, la música mira a la muerte sin intimidarse y de cuyo resultado surge una experiencia liberadora y reconfortante.

La obra fue escrita para orquesta, coro, barítono y soprano y cómo no! para órgano siendo como era su autor un excelente organista.

FAURÉ muere en 1924 (noviembre) interpretándose su Requiem en el funeral sin conocer por ello, como su obra alcanzaba las más altas cotas de popularidad; marcó por tanto el final de su vida y paradójicamente: el comienzo de su inmortalidad como músico.

Aunque parezca increíble, es una partitura por la muerte que te llena de esperanza por la vida y por ello, su autor se expresó así sobre ella:

«Se ha dicho que mi Requiem no expresa el miedo a la muerte y ha habido quien lo ha llamado un arrullo de la muerte. Pues bien, es que así es como veo yo la muerte, como una feliz liberación, una aspiración a una felicidad superior, antes que una penosa experiencia.»

La sensación de paz que nos ofrece el Ofertorio hasta la entrada del barítono y después de su intervención, es indescriptible.

La belleza del Sanctus, no puede ser más sublime.

El Agnus Dei, con sus diferentes modulaciones y cambios en la dinámica nos transporta a otro mundo.

Asombroso de belleza es su último número titulado In paradisum (en el Paraíso) esas voces perfectamente empastadas y ese aparente «cansino» pero bello adorno de fondo por el órgano y la cuerda.

No creo equivocarme si digo que escuchando este Requiem terminamos iniciando un contacto trascendental con quienes nos precedieron y con todo lo que nos rodea percatándonos, además, de que somos uno con el todo y del que salimos airosos y optimistas.

Tienes muchas oportunidades de ver y oír este famoso Requiem en youtube, pero habrá quienes si no lo impide la pandemia, lo verán y oirán en una de las ciudades más bonitas de España: GRANADA, en su coqueto Auditorio Manuel de Falla, en fechas 21 y 22 de mayo y con arreglo al siguiente programa recogido de la web de la orquesta:

«Para mí, la música existe para elevarnos todo lo posible por encima de la vida diaria.»

Primavera pandémica de 2021.

Muchos son los atractivos que nuestra OVIEDO ofrece a sus posibles visitantes pero, como el motivo central de este blog es, la cultura musical, a ella me referiré en esta ocasión centrada en la preciosa y culta ciudad asturiana.

Sus gestores culturales-musicales, en su día, pensando que para las fechas que se avecinan (mediada la primavera) estaríamos soportando los últimos coletazos de la peligrosa y pertinaz COVID-19, habían diseñado programaciones musicales de máxima calidad artística para el siempre dispuesto publico y a la misma vez que sirvieran como muestra de solidaridad y cariñoso recuerdo para tantas pérdidas de vidas humanas arrastradas por la pandemia.

Y, en este sentido, mayo sería el escenario temporal en el que ubicar la generosa idea.

El 9 de mayo el cariño en forma de emoción musical , tendría como destino los fallecidos y sus familiares con la interpretación de una de las obras cumbres del Romanticismo Musical: UN REQUIEM ALEMAN de J. BRAHMS.

Para cerrar el mes y en la misma sintonía de humanismo cultural, musical y solidario, interpretar, cómo no! la Novena sinfonía de BEETHOVEN, como broche de la hermandad necesaria para recuperar, juntos, situaciones tan complicadas como las que jamás hemos padecido desde el pasado año con la incertidumbre además de no ver con claridad el posible final con retorno a la normalidad.

Decía NOVALIS: «Toda enfermedad es un problema musical; toda cura es una solución musical».

Confío en las palabras de este ilustre escritor y filósofo alemán y por ello espero que este mayo musical-ovetense, al menos sane muchas de las heridas de esta pandemia y eleve aún más el listón merecido de la ciudad como ciudad de la música.

«Hay una fuerza motriz más poderosa que el vapor, la electricidad y la energía atómica: la VOLUNTAD.»

(Albert Einstein)

Este blog, al que da nombre un amigo de MAHLER, Farkas (el pastor), tiene a menudo la necesidad de recurrir al Maestro.

Hoy, principios de primavera pandémica, alimento esa necesidad ocupándome un poquito de su 3ª sinfonía que para mí, es un engranaje fundamental en la dilatada obra mahleriana. Y, a propósito, decía el compositor: «quien sepa escuchar se dará cuenta que mis sinfonías son mi vida.» Y, cuánta razón tenía, en esta 3ª hay mucho de lo poco que vivió!

A los efectos, dice Henry-Louis de La Grange (uno de los más cualificados biógrafos de Mahler):

«La apoteosis conclusiva de la 3ª, es, sin duda, uno de los pasajes más sinceramente optimistas de Mahler. En ella, todas las preguntas encuentran respuestas; todas las angustias, consuelo. Con este gran himno al Creador del Mundo, concebido como la fuerza suprema del Amor, el compositor sube el último peldaño hacia la Luz eterna.»

La estrenó el propio autor en Berlín el 9 de marzo de 1897 y debido a su extensión temporal (100 minutos de duración) sólo se interpretaron los movimientos: 2º, 3º y 6º. Se cuenta, que los silbidos y gritos de desaprobación ahogaron los aplausos; al día siguiente, la prensa alemana se despachó sin piedad: tragicomedia de compositor sin talento, de farsante, de cómico musical.

Pues, a pesar de todos estos graves calificativos, Mahler o la voluntad personificada, no se rendía a la crítica que le tocó sufrir; al contrario, con más firmeza que nunca hacía gala de una de sus conocidas sentencias: «para estar donde hay que estar hay que ser un eterno aprendiz«, cuestión que la historia se ha encargado de demostrar.

A estas alturas de tu posible, generosa lectura, puede que comiences a sentir la necesidad de ver y oír la 3ª sinfonía de Gustav Mahler y, si así fuera, eres afortunado porque habrás hecho una excelente inversión de tu ocio o estudio de la que jamás te arrepentirás.

Pero, si me permites aconsejarte, te invitaría a conocer la grabación que en febrero 2010 (un año antes de cumplirse el primer centenario de su muerte) grabó una orquesta tan identificada a Mahler históricamente como la del CONCERTGEBOUW de AMSTERDAM. Personalmente, sin duda, creo que es una de las históricas, dirigida por el fallecido Mariss Jansons con la voz de la mezzo Bernarda Fink, en ella se observa que al menos 3 atriles son ocupados por españoles (2 percusionistas y el solista de oboe), puede parecer anecdótico pero dice del nivel que adquieren algunos profesionales españoles.

También, seguro que te interesará visitar en youtube la versión que en 2007 grabó Claudio Abbado con la Orquesta del Festival de Lucerna y en la voz la contralto Anna Larsson, mi humilde opinión considera que esta versión es un poco más artística que la anterior pero no olvidemos que se trata de una orquesta «ocasional» muy rebuscada por Abbado entre los mejores atriles del mundo y ayudada además por una realización técnica en la grabación que veo muy difícil superar.

Otra versión digna, cómo no! de visitarse en youtube es la de Bernstein con los filarmónicos vieneses, mucho más antigua que las anteriores y por tanto más deficiente su grabación que no su interpretación.

Concluyo utilizando el argot musical por ello, resuelvo:

Mahler, con sus 51 años de vida y su legado musical, nos ha evidenciado la fuerza de la voluntad como motor para conseguir grandes logros y además, sin pamplinas, él lo anunciaba: «Mi tiempo llegará».

Creo sinceramente que llegó para quedarse definitivamente entre nosotros y muchas generaciones venideras!

Gustav, vacilando en su época.

Primavera 2021.

«Toda enfermedad es un problema musical; toda cura es una solución musical.»

(NOVALIS)

Hace 30 años comenzó mi particular admiración, humana y artística hacia NIKOLAUS HARNONCOURT.Al principio, año 1991, limitada a escuchar parte de la gran cantidad de CDS que tuvo a bien grabar, entre ellos la muy vendida integral de las sinfonías de BEETHOVEN con la Orquesta de Cámara de Europa que fundó Claudio Abbado.

Más tarde, viéndole en los muchos vídeos que igualmente grabó con distintas pero excelentes formaciones orquestales, todas de primer nivel.

Por último, hace aproximadamente 10 años continué interesándome por sus pensamientos sobre música y su forma de entenderla y explicarla y para ello nada mejor que conocer algunos de sus libros publicados: La música es más que palabras; La música como discurso sonoro y Diálogos sobre Mozart.

Este hombre, que en ocasiones se tomaba con exquisito humor su configuración fenotípica (especialmente su rostro con ojos bastantes saltones) y como testigo de ello la anécdota que me contó un amigo miembro de la Orquesta del Concergebouw:

«Después de un ensayo se acercó mi amigo pidiéndole a Nikolaus una foto como recuerdo y le contestó: ¿cómo se te ocurre retratarte con un tío tan feo?. Mejor dejémoslo para mañana y mientras te lo piensas. Al día siguiente accedió al retrato para el disfrute de su admirador músico.»

Pero, en cambio, todo lo concerniente a la música se lo tomaba con una seriedad, rigurosidad y profundidad en el estudio que me cuesta ver hoy en profesionales de su rango.

Casi siempre fue muy bien recibido por los diferentes profesionales de las orquestas que dirigía, ya que como chelista que fue de la Sinfónica de Viena, sabía y entendía a la perfección todos los problemas inherentes a la profesión. Cualquier obra musical del programa a interpretar era para el una excelente ocasión para abordar con la orquesta: la historia de la composición, las posibles motivaciones del compositor, la política social imperante cuando se gestó la partitura, etc., en definitiva un trabajo integral y transversal como ahora se dice que era del gusto de la mayoría de los músicos.

Desde niño y en su casa, acompañado de su familia, trabajaba duramente la música de cámara, más tarde con la Sinfónica el repertorio propio y cansado de trabajar con los directores de turno, abandonó su buen puesto para iniciar una nueva aventura como director.

Este mes de marzo se han cumplido 5 años de su fallecimiento, su herencia musical y pedagógica siempre será aplaudida porque su dedicación al arte de la música no pudo ser más intensa, acertada y honesta.

No creo equivocarme al pensar que NIKOLAUS como NOVALIS opinarían lo mismo sobre música y enfermedad, ya que en uno de sus muchos discursos se expresaba así:

«Toda pieza musical tiene un efecto en cada oyente: nos relaja, nos alivia, nos transmite armonía, belleza o nos infunde desasosiego y tensión, nos ofrece una visión de lo terrible, nos estimula y nos empuja a pensar o hacer algo, y en ocasiones tan sólo nos impacienta porque nos hace perder el tiempo absurdamente.»

Nikolaus Harnoncourt, en la ocasión muy favorecido en mi opinión.

«La gota horada la roca» (Ovidio)

En el maravilloso mundo de la música y hasta hace relativamente poco tiempo, no se había oído hablar de la distonía focal.

Las graves consecuencias que acarrea este trastorno muscular en la futura vida profesional del músico afectado, contribuían a obviarla ante la sociedad; la escasez de estudios neurológicos influían igualmente en su obviedad y el profesorado no disponía de herramientas idóneas para su prevención.

Los nuevos tiempos, están provocando un cambio radical en el desolador panorama antes descrito. Los músicos decidieron sacar a la luz este trastorno incapacitante y hasta funciona en nuestro país una asociación que vela por sus intereses en este campo: ALDE (Asociación Lucha contra la Distonía en España). Los profesionales médicos, especialmente neurólogos, ponen énfasis en el estudio de las causas que generan la distonía y buscan afanosamente tratamientos que contribuyan a paliar sus efectos e incluso curarlos definitivamente como ya se han dado varios casos. Los pedagogos instrumentales disponen de mejores herramientas para enseñar a prevenir este trastorno que en algunos casos tienen sus orígenes en inadecuadas prácticas del estudio instrumental.

Incitado por la lectura de «Musicofilia» , impresionante libro de Oliver Sacks, me decidí escribir sobre el tema; en el capítulo del libro: Atletas de los músculos pequeños: Distonía del Músico, se ocupa ampliamente de ello narrando algunos de los contactos que tuvo con señalados músicos del mundo como el famoso pianista Leon Fleisher.

Puede que en la ocasión este tema le resulte árido e incluso de escaso interés a sus gustos musicales, perdón por ello, pero a los que deseen profundizar en el asunto les sugiero que en internet encontrarán una amplia información médica e incluso en youtube hay un vídeo de un chico argentino (guitarrista) que habla de su larga y dura experiencia con la distonía que, ¡por cierto!, tuvo feliz desenlace, puede que por creer en la frase de Ovidio mencionada al principio y en los profesionales de la medicina así como en los profesores especialistas de los diversos instrumentos.

Acompaño por último un vídeo de Leon Fleisher tocando, totalmente rehabilitado un trozo de una famosa cantata de BACH.

José Manuel Macias Romero

Invierno 2021