Desde el rincón de Farkas

«La música no sirve para decorar, ha de ser verdadera.»  (Schönberg)

A principios del siglo XIX liderado por Beethoven, se produce un drástico cambio de paradigma en la composición musical. La música comienza a dejar de ser el pasatiempo de una clase social que se reúne en los salones burgueses para: exhibir sus caras ropas, mitigar su aburrimiento y hablar de nuevos negocios con fondo musical de considerable intrascendencia.

Con Don Luis y otros que le siguieron, como dice Schönberg en la presente introducción, la música se hace verdadera y profunda, recogiendo en su seno las vivencias, fantasías personales y el carácter de sus creadores.

En este nuevo modelo, uno de los compositores que más llaman mi atención es Gustav Mahler quien a propósito del carácter autobiográfico de su obra le comentó a su entrañable amiga Natalie Bauer-Lechner:

» Mis dos sinfonías expresan el contenido de toda mi vida, en ellas, he plasmado en sonidos lo que he vivido y sufrido, la verdad y la poesía. Y quien sepa leer bien, verá cómo mi vida aparece en ellas de forma evidente.»

Cita sus sinfonías 1ª y 2ª pero luego vendrían el resto de ellas y La Canción de la Tierra, todas sin excepción cargadas de simbolismos autobiográficos porque él, era un verdadero experto en convertir sus emociones y vivencias en sonidos armonizados para expresar: el humor, la alegría, el dolor, la discriminación racial, el misticismo, el amor, la belleza de la naturaleza, la muerte y hasta la vida militar son sus marchas musicales cuando vivía en Iglau.

Y, todo este mestizaje emocional de sus sinfonías es el que provoca, cuando las interpretaciones son de primer nivel, el llanto en las salas de conciertos, algo que no es infrecuente y que personalmente sufrí en la suiza Lucerna con su 4ª sinfonía (versión Abbado y la LFO)

Pero antes de que Mahler naciera, en 1830 H. Berlioz se autobiografía con su Sinfonía Fantástica con notable acierto y éxito popular hasta nuestros días.

Richard Strauss, más joven también hace sus «pinitos» en este modelo con su Una Vida de Héroe en la que se autodefinía  como héroe.

Leos Janácek en uno de sus famosos cuartetos narra musicalmente el aspecto romántico de su vida cuando enamorado de Camila ésta le daba calabazas. Camila en el citado cuarteto que representada por la viola que constantemente niega las invitaciones amorosas que pretendía el compositor y que traspasaba al resto de la cuerda (violin 1, violín 2 y chelo)

Este género musical, a mi juicio, alcanza su máximo goce cuando el oyente se interesa en la biografía de sus creadores, entonces confluyen la belleza sonora con la idea que representa.

Aunque a partir de 1920 se comenzó a considerar la obra de arte como algo independiente de la personalidad de su creador, en los casos ya citados resultaría harto difícil separarlos, yo, al menos, no puedo aunque otros pudieran hacerlo.

Otoño 2023.

Hoy estoy dispuesto para desobedecer el consejo que en su libro del Desasosiego invita Pessoa. Hace unos días abandoné la monotonización de mis escuchas musicales para como dice Don Fernando encontrar nuevos alicientes que maravillen mis escuchas y me transporten a nuevos placeres con los que acariciar mis torpes oídos.

Y, efectivamente se hizo realidad la predicción del escritor portugués porque mi mente me condujo a la Sinfonía FAUSTO  del compositor húngaro FRANZ LISZT cuya obra como homenaje a Goethe me dejó enganchado desde los primeros compases y hasta el punto que llevo días sin dejar de escucharla en versiones diferentes.

Casi nulo fue mi acercamiento a uno de los dioses del piano, F. Liszt, en obras puramente instrumentales pero desde ahora le prometo, si escucharme pudiera, que procuraré conocer todo su trabajo compositivo-sinfónico que esté a mi alcance.

La sinfonía FAUSTO es insuficientemente interpretada en las salas de todo el mundo, puede ser por las dificultades que presenta su interpretación correcta a directores y orquestas que a mi juicio exige recursos técnicos que no están al alcance de todos.

Me niego a contar un poco la historia de tan ilustre trabajo compositivo porque los verdaderamente interesados pueden encontrarla en internet de la mano de especialistas más cualificados que yo.

Sí, les diré que a mi juicio List con esta su sinfonía consigue un perfecto retrato de los personajes fundamentales de la obra de Goethe: Fausto, Margarita y Mefistófeles anunciando de este modo el inicio de la música biográfica.

Se dice que Liszt no conseguía separarse de tres libros fundamentales para él: Fausto, La Divina Comedia y su Breviario. Su trabajo sinfónico en este caso así lo corrobora.

De momento dos versiones acaparan mi interés personal: La de Riccardo Chailly con la Filarmónica de Berlín que pueden encontrar en Digital Concert y la de Vladimir Jurowski con la Sinfónica de Londres que se encuentra en youtube.

Los adeptos a la buena música seguro que disfrutarán con ella.

Invierno 2024.

 

 

 

 

 

Contaba el periódico alemán Allgemeine Musikalische Zeitung que en 1822 visitó Viena Rossini para ofrecer un concierto y: “toda la interpretación fue como una orgia idolatra; el publico actuaba como si les hubiera picado una tarántula; los chillidos, gritos y alaridos de viva y forza no pararon en ningún momento.”

En la época, Francia, Alemania y Austria procuraban alejar la música italiana de sus conciertos pero el fenómeno Rossini era tan poderoso que por mucho que los aristócratas se esforzaran en suprimirlos, el pueblo se identificaba cada vez más en las obras del italiano.

Escribiendo este post escuchaba su Stabat Mater una joya que tienes en YouTube y puedes aprovechar porque te gustará.

Invierno 2024

Algunos fueron los que en la corta vida de MAHLER lo tildaron con absoluta arrogancia de déspota.

Su alto concepto sobre el perfeccionismo artístico lo convirtió en un profesional muy exigente cuando de dirigir orquestas se trataba.

En la época esta exigencia no gustaba a los músicos porque suponía esfuerzo y mucho tiempo en el ensayo.

Ellos entonces eran los primeros en difundir una imagen despótica del Director/compositor.

Pero, en cambio nadie o casi nadie le reconocía sus momentos de gran humildad profesional.

Prueba mi afirmación el comentario que GUSTAV le hizo al famoso director OTTO KLEMPERER:

“Si cuando muera ves que algún pasaje de mis obras no suena bien, cámbialo. Debes hacerlo como una obligación.”

No conozco ningún compositor que haya autorizado el cambio de algo en su obra y muchos de ellos saben que hay aspectos que se podrían mejorar.

Por ello pienso que debemos ser prudentes al realizar calificaciones que pudieran no ser justas.

Invierno 2024

«Mi tiempo llegará…»  (Gustav Mahler)

Mi personal «enganche» a Mahler y a su obra me llegó por la vía cinematográfica, allá por los años 60 de la mano de «Muerte en Venecia» de L. Visconti. Esto, que ha sido común a muchos de sus seguidores actuales, creo que me capacita para intentar ayudar a los que puedan convertirse en mahlerianos en un futuro.

Y para ello, creo que lo mejor es comenzar con reiteradas audiciones de su CANCIÓN DEL LAMENTO.

La mayoría de los compositores en su juventud comienzan a la sombra de sus anteriores maestros. Beethoven, no pudo sustraerse en sus inicios a la influencia de Haydn y Mozart, tenía 32/33 años cuando con su 3ª sinfonía consiguió su propio carácter, el que lo convertiría en imperecedero

Mahler, con tan sólo 20 añitos (1880) se permite decirnos: «este es mi estilo, que provoca una ruptura con lo anterior y que perfeccionaré en el futuro», para ello claro está nos obsequia con La Canción del lamento.

Esta obra, de 70 minutos de duración en versión original, reúne todos los ingredientes que elaboró Gustav a lo largo de su corta pero pródiga carrera.

En ella nos muestra su gran talento para mutar situaciones poéticas en musicales algo que conservará hasta su décima sinfonía.

En ella se percibe la proximidad existente para Mahler entre lo trágico y lo trivial, entre el dolor y la banalidad.

En ella se hace presente la agógica, las marchas, las fanfarrias callejeras, las corales, las modulaciones constantes, las exageradas dinámicas, el persistente ostinato, en resumen todas las herramientas musicales que serán lo cotidiano en sus obras futuras.

También, desde esa madurez precoz, nos muestra su predilección igualmente persistente sobre ciertos instrumentos: trompas y sus variantes (véase el espectacular solo de su 5ª) oboes (véase La Canción de la Tierra), etc. Igualmente su utilización de orquestas muy numerosas para enriquecer la paleta orquestal (6 arpas en la versión original de La Canción del lamento).

No creo necesario contar la historia que se narra en esta obra porque eso lo puedes encontrar en internet si te interesa pero sí, invitarte a que la veas en youtube en la versión de Vladimir Jurowski con la London Philharmonic, duración aproximada 65 minutos, puede que la nutrida comunidad mahleriana gane adeptos con tu activa escucha de esta gran obra de arte.

Invierno 2024

«En música, como en la vida, lo más importante es escucharse unos a otros.»   (Claudio Abbado)

La vida y su profesión le enseñaron al maestro milanés la importancia de la escucha consciente y activa. Así, cada vez que tenía oportunidad lanzaba su mensaje que hoy aprovecho como introducción al post.

La escucha es imprescindible para que existe el diálogo y el diálogo es tan importante en la vida como en la música. Sabemos que escucha y diálogo no podrán existir sin la voluntad humana de ejercerlos y, ésta última es la que suele fallar en casi todas las ocasiones.

La finalidad de este blog es musical a partir de ahora entonces abandono este escarceo filosófico y me dedico a la música.

En música los hablantes son los instrumentistas en sus diferentes secciones: cuerdas, vientos metal y maderas, percusionistas, etc.. Si el diálogo sonoro está bien construido (tarea exclusiva del compositor) los oyentes percibiremos sin problemas el mensaje que se nos quiere transmitir siempre que la ejecución musical sea correcta.

Pero en música como en la vida, la voluntad de los participantes tiene que exigir escucha y, estamos dispuestos?

Con frecuencia oigo a directores de orquestas reclamar: » por favor señores, toquemos juntos»

Para tocar juntos es imprescindible escucharse unos a otros y la ausencia de escucha es la que provoca el problema como también lo hace en la vida.

En un diálogo musical la escucha viene precedida por un dominio memorístico-técnico de la partitura a interpretar que facilita la escucha activa y que con el apoyo del director se hace entendible la idea del compositor.

Cuando se omite el recurso memorístico-técnico de la partitura y en su lugar se coloca la «lectura a primera vista» se produce una ausencia de escucha debido a la preocupación por leer y esto a su vez ocasiona el caos orquestal. Como los ensayos son escasos debido al volumen de trabajo de las orquestas, se suceden entonces interpretaciones públicas que ponen en evidencia signos de mediocridad artística que no contentan ni a intérpretes ni a sus oyentes.

Difícil solución que reclama mucha pasión y entrega absoluta a la música que es lo verdaderamente importante.

Abbado y su pasión por la escucha.

Otoño 2023

 

«Es cruel, pero en esta profesión a quien la musa se ha olvidado de besar. ése no será nunca un músico.»   (N. Harnoncourt)

Consciente de que puedo resultar pesado, vuelvo una vez más a lo dicho en otras ocasiones.

Cuando observo en las pantallas (algo muy frecuente últimamente) a un intérprete de la especialidad que sea: instrumentista, cantante o director de orquesta, gesticulando y realizando movimientos que en absoluto nada tienen que ver con la música que interpretan, me pongo enfermo.

Superado el malestar, reflexiono y me pregunto:

Qué clase de profesores han tenido estos profesionales? Me niego a admitir que sea eso lo que le hayan enseñado porque eso no es transmitir las profundidades de una partitura de música. No será, que pretenden con sus exagerados y descontextualizados movimientos impresionar al respetable? Estarán en la creencia de que así, practicando un atletismo vacuo, serán más estrellas? O, será que a falta de una capacidad para transmitir una obra musical buscan compensar ante el público con esos aspavientos en la creencia de que así muestran su virtuosismo?.

La deficiente cultura musical de muchos, entre los que acudimos a los conciertos, contribuye a que nos dejemos embaucar por este tipo de profesionales creyendo y aplaudiendo además como si en esto consistiera la música pero en realidad, más pronto que tarde la justicia, que también se ocupa de la música, coloca como Jefa de Protocolo a cada uno en su asiento y este tipo de «artistas» ocuparán las últimas butacas del Auditorio .

Añadiría a la frase introductoria de Harnoncourt: » y, por tanto, haría muy bien con dedicarse a otros menesteres posiblemente más exitosos para él y para la sociedad a la que pertenece.

En la foto Claudio Abbado que repetía constantemente que lo importante era la música.

Otoño 2023.

¿Creyó alguien que la música, como sublime arte podría estar libre de celos y envidias profesionales?

Miren por favor el texto que NICOLAS SLONIMSKY recoge en su detallado libro: Repertorio de vituperios musicales.

El compositor Tchaikovsky en su diario y en la entrada correspondiente al 9 de octubre de 1886 escribe lo siguiente:

«He tocado la música de ese patán de BRAHMS. ¡No tiene nada de talento, el muy desgraciado! Me molesta que un mediocre ampuloso como él sea considerado un genio. Comparado con él RAFF es un gigante, por no hablar de RUBINSTEIN, que al fin y al cabo es un ser humano vivo e importante, mientras que BRAHMS es una cosa caótica y completamente seca, vacía.»

A pesar de los años transcurridos (137) desde la anotación de Tchaikovsky en su diario mostrando una visceral acritud hacia su colega BRAHMS, hoy, con un lenguaje menos áspero pero cargado de diplomacia siguen produciéndose manifestaciones verbales o escritas entre profesionales del mismo ramo que evidencian a las claras que nos encontramos lejos de esa sociedad utópica en la que la auténtica libertad y cultura velarían por el respeto hacia los demás.

El en el presente caso damnificado BRAHMS, resulta, a tenor de la historia que era excesivamente desconsiderado en público con su colega BRUCKNER al que constantemente, en un tono «chulesco» tachaba de cateto musicalmente hablando.

Tendremos, algún día, arreglo los que nos llamamos humanos?

En la foto P. I. TCHAIKOVSKY

 

«Sabio es quien monotoniza la existencia, puesto que entonces cada pequeño incidente tiene un privilegio de maravilla.»

( Fernando Pessoa, 1888/1935 en el Libro del desasosiego)

 

La cita, del ilustre portugués, me sirve para enfocar un tema que desde hace más de un siglo se convirtió en excesivamente recurrente en la vida musical, extendiéndose además a todas las clases de músicas aunque me referiré con notoria preferencia a la barroca y a la mal llamada «clásica»

Algunos de los grandes estudiosos de la Historia de la Música, véase Nikolaus Harnoncourt, apuestan que, en los siglos XVII y XVIII los entonces oyentes de música eran más cultos que los de hoy y sobretodo que huían de la monotonización musical: por buenas que fueran las obras que escuchaban, pronto las abandonaban por citar un claro ejemplo la Pasión según San Mateo de BACH que estuvo casi cien años ausente de programa hasta que Felix Mendelsshonn la recuperara, sometiéndose a nuevas sensaciones sonoras con las que disfrutar del arte musical.

Desde hace bastantes años, los profesionales de la interpretación musical, los encargados de confeccionar programas, etc., argumentan que el público de todo el mundo sólo quiere monotonizar sus conciertos, oír lo que tantas veces ha oído ya: Mozart, Beethoven, Chaikovski, etc.; en absoluto queremos arriesgar nuestros oídos a nuevas composiciones, menos aún si se tratara de música atonal o dodecafónica.

Son por tanto los datos estadísticos los que temporadas tras temporadas nos demuestran que somos un público excesivamente conservador.

Y nos vendría bien aunque fuera temporalmente abandonar nuestra monotonía musical adquirida para afrontar como dice Pessoa nuevos incidentes musicales que alegren nuestras vidas conociendo además a otros compositores.

Claro, que esto exige una nueva educación musical que debe comenzar en la vida política y trasladada a las escuelas y universidades para fomentar con un nuevo espíritu la formación musical colocando al ARTE en el lugar que debe corresponderle y no parchear con una disciplina artística cada día más importante como es la música en la vida.

Porque no olvidemos que, pese a la saturación musical que sufre nuestra sociedad en todos los lugares, también cada día más la música se está convirtiendo en una excelente herramienta de trabajo en lugares tan insólitos como: quirófanos, consultas relacionadas con la psique, gimnasios, etc. etc.

No me arrepiento de monotonizar mis escuchas musicales pero como dice Pessoa me resulta muy gratificante encontrar, de vez en cuando, un incidente musical nuevo que me engancha a un compositor hasta entonces desconocido; así me ocurrió hace 50 años con Mahler y aquí sigo enganchado a su obra agradeciendo además al cine su primer encuentro.

(En la foto F. PESSOA)

Caluroso 6 agosto 2023.

 

«El arte de dirigir es saber cuando no se debe molestar a la orquesta»

(Herbert von Karajan)

 

Parece ser que el Teatro es tan antiguo como el tiempo. Ya los primeros hombres llamados «primitivos» dejaron evidencias claras de su uso. Posteriormente, en la cuna de la civilización, ATENAS, y en los siglos V y VI a. de C., se comenzó a darle el rigor artístico que posteriormente sería enriquecido por las diferentes culturas del mundo para llegar a lo que hoy conocemos y lo que nos queda por conocer.

La colaboración y enriquecimiento de disciplinas artísticas diferentes cuando confluyen tampoco es nada nuevo y así lo veo personalmente entre el Teatro y la Música (en este caso concreto la Dirección de Orquesta).

Músicos tan significados como: H. Scherchen, W. Furtwängler, L. Bernstein, H. von Karajan, D. Barenboim, por citar algunos, han hablado y dejado testimonios escritos sobre lo que para ellos es fundamental a la hora de enfrentarse a la Dirección de Orquesta.

Diversas son las cualidades que según ellos deben arropar a quienes tienen el valor de tomar en su mano una batuta para enfrentarse a una orquesta en ocasiones de más de cien músicos.

Pero, ninguno de los citados se acuerda de la teatralidad, que a mi juicio debe acompañar a un Director en sus interpretaciones públicas.

Y, personalmente, siendo un modesto melómano que me acerqué hace bastante tiempo a la música formando parte de un coro, creo firmemente que cierta dosis de teatro es indispensable para los directores que deseen alcanzar notoria excelencia.

Indispensable por doble motivo siempre a mi juicio: porque la teatralidad en el contexto que la entiendo, hace más asequible al público receptor el mensaje que se quiere transmitir y porque para los profesionales que tienen delante en los atriles, igualmente la teatralidad contribuye a vehicular mejor las pretensiones del director sobre la obra en cuestión que se interpreta.

Esta teatralidad encuentra su fundamento en lo gestual, su arma más poderosa ya que los gestos los considero como los cimientos del Teatro.

Y, claro está que, jamás confundiré una teatralidad como la entiendo, con el a veces atletismo vacuo que suelo observar lamentablemente en algunas salas y podios.

Finalizo, a mi juicio califico como positivo el consejo que el Maestro Karajan aporta a la Dirección y con el que inicié el asunto que hoy me ocupó.

Aquí tenemos a mi admirado Bernstein (Leny)  quien jamás se cortaba en emplear recursos teatrales en sus interpretaciones hasta el punto que en ocasiones se dejaba arrastrar por la emoción y se permitía unos leves bailes.

Brutalmente cálido verano del 2023.