¿ PARA QUÉ SIRVE UNA SINFONÍA ?

«Si no se comprende la utilidad de lo inútil, la inutilidad de lo útil, no se comprende el Arte.

( EUGENE IONESCO )

Alentado por la segunda lectura al manifiesto de NUCCIO ORDINE: «La utilidad de lo inútil» me propongo hacer una reflexión sobre el enunciado citado que da titular al presente post.

Aunque la gran mayoría de las personas que acceden a estas lecturas saben de sobra qué es una sinfonía, me parece oportuno aclarar que la palabra viene del griego queriendo significar un conjunto de sonidos concertados.

La Música, un arte en continua innovación abrió sus puertas a esta nueva forma musical hacia finales del siglo XVII y desde entonces la sinfonía no ha hecho más que evolucionar conforme a los tiempos y a los gustos sociales de las diferentes etapas de la vida.

Una sinfonía, como un cuadro, una escultura, etc., es una obra de arte (aunque algunas no se consideren así por ciertas personas) que se diferencia de las otras artes en que cobra vida cuando se interpreta porque hasta entonces, es simplemente un conjunto de signos musicales escritos en un papel. Esa, a mi modo de ver, es su grandeza y también su soledad.

Si como dice ORDINE en su manifiesto, nos quitamos las gafas que sólo ven dinero por todas partes e intereses materiales y en su lugar nos ponemos los cristales de la cultura, de la historia, del goce espiritual, en definitiva del saber desinteresado y sin prisas, entonces estaremos en condiciones de saber para qué sirve una sinfonía y para qué en general sirve el ARTE.

La utilidad de la Música cada día está más que demostrada históricamente desde su empleo religioso hasta desgraciadamente el de para alentar a los soldados en el campo de batalla ya fueran éstos egipcios, romanos o los actuales rusos.

Recientemente, me contaba una persona que su padre de noventa y tantos años, con un fuerte padecimiento de alzheimer, sin conocer a nadie de la familia, cuando se le ponía una sinfonía de BEETHOVEN saltaba enérgicamente de su asiento buscando su batuta y diciendo: «¡eso va muy ligero, eso no es así!, pero a pesar de su aparente disparidad de criterio con lo escuchado se le cambiaba el carácter y en el fondo disfrutaba adquiriendo su rostro signos más que evidentes de alegría.

Todos somos testigos de cómo trozos importantes de sinfonías han cambiado la percepción estética de una película al ser incorporados a su banda sonora.

Muchos cirujanos manifiestan que, cuando en quirófano se puede proporcionar la sinfonía por excelencia del enfermo, éste necesita una considerable menor dosis de anestesia para ser intervenido.

Cada día más personas proclaman que una sinfonía les cambió su vida.

Una sinfonía es un dialogo sonoro, ordenado rigurosamente por su autor y que tiene como moderador a la figura del director que cada día menos coincide con ser también autor.

Una sinfonía es una obra de arte que cuenta una historia vivida por su creador, esa historia puede ser alusiva a la naturaleza, al amor, a las consecuencias de una guerra, a la amistad, en definitiva a todo lo concerniente a lo humano porque un humano la creó y la impregnó con su sello.

Casi seguro que tu experiencia como oyente de sinfonías diversas haya forjado en tu mente razones propias sobre ¿para qué sirve una sinfonía?, si así fuera y si no tienes inconvenientes, me encantaría que me trasladases tus experiencias porque así nos ayudaríamos mutuamente. Muchas gracias!

Finalizo dejando una instantánea de uno de los grandes sinfonístas del siglo XX, DMITRI SHOSTAKÓVICH.

Y, si me permites un consejo puesto que hablamos de sinfonías, te invito a que oigas en youtube la 3ª de Beethoven que fue una gran revolución compositiva dada su gran extensión, hasta entonces desconocida en el mundo y el gran desarrollo de su scherzo que vino a sustituir a los minuettos. Pero por favor, si aceptas mi consejo, debes escoger la versión de Claudio Abbado con la Orquesta del Festival de Lucerna. Seguro que te pegará » pellizco» como dicen los flamencos!.

Verano 2022.

LOS FANES MUSICALES DE OTROS TIEMPOS.

«Wagner tiene momentos adorables pero insoportables cuartos de horas.»

(Gioachino ROSSINI, 1792/1868)

Es evidente que la Música como arte evoluciona conforme a los tiempos, intentando sus creadores abrirse a los gustos de la sociedad que les ha tocado vivir con mayor o menor acierto.

Todos sabemos que la palabra «fan» tiene su origen en el latín y significa: fanático, seguidor incondicional, admirador, etc..

Pero los «fanes» (según aconseja que se diga la Real Academia) aunque hayan cambiado a lo largo del tiempo las músicas, nunca cambiaron sus formas de manifestar sus aclamaciones a sus héroes musicales ya fueran los BEATLES o ROSSINI (sí, ese señor del BARBERO DE SEVILLA).

Si tienes duda lee lo que decía en sus escritos LORD BYRON:

» Últimamente ha habido una ópera espléndida en San Benedetto (famosa iglesia de Venecia), obra de ROSSINI, que acudió en persona para tocar el clave; la gente lo siguió por todas partes, lo coronó, le cortó mechones de pelo (como recuerdo), lo aclamó, le dedicó sonetos y lo festejó, y lo inmortalizó mucho más que a ningún emperador

Se cuenta que era tan grande la cercanía popular a ROSSINI que los trabajadores en sus respectivos «tajos» cantaban sus arias de óperas como hasta hace poco en mi pueblo los albañiles especialmente, cantaban: fandangos, pasodobles, e incluso algún que otro solo de zarzuela o alguna habanera.

Que maravilla la aportación de ROSSINI a la Música de su época ¿verdad? pues en youtube tienes casi toda su obra que seguro te encantará, pruébalo por favor! puede te conviertas en un «fan rossiniano».

LLEGÓ MONTEVERDI Y MARCÓ LA RUTA.

«Sólo quien sabe sufrirlo todo es capaz de atreverse a todo.» (VAUVES ARGUES)

CLAUDIO MONTEVERDI (1567/1643) considerado el fundador de la ópera, su «Fábula de Orfeo» se cuenta como la primera ópera de la Historia de la Música además de reunir gran arte para la música tenía un carácter templado pero en absoluto sumiso con los mecenas que le tocó convivir y sufrir en su época.

Estando en ejercicio como «Maestro de Capilla» en la basílica de San Marcos (Venecia) fue requerido por Mantua de donde fue indebidamente despedido años antes, supo aprovechar la ocasión del requerimiento mantuano para escribirles una carta rechazando la oferta y a la misma vez marcar ruta para los futuros profesionales de la música cuyas directrices aún, en estos tiempos, siguen vigentes:

Valorar crematisticamente (dinero) su trabajo.

Seguridad en el puesto de trabajo, libre de posibles percances que pudieran suponer un despido.

Poder de decisión para contratar, programar, despedir si preciso fuera, admisión de nuevo personal, etc.

Absoluto respeto a la persona y al trabajo que desempeña.

Estas directrices que marcó MONTEVERDI en pleno siglo XVII no son las mismas que puedan demandar en la actualidad: DUDAMEL, MAKELA, etc.?

Cierto entonces que el sufrimiento soportado es capaz en ocasiones hacer que la persona se atreva a todo como dice en su frase VAUVEN.

Si me lo permiten un consejo: si te apetece conocer un poco la extensa obra de MONTEVERDI y concretamente su primera ópera «Fábula de Orfeo» acude a youtube encontrarás una versión grabada en 1978 en Zurich, dirigida por NIKOLAUS HARNONCOURT, una auténtica gozada! por lo menos para mí.

Y ahora te dejo con una foto de mi personaje de hoy: CLAUDIO MONTEVERDI.

Verano 2022.

VERSATILIDAD Y PERFECCIONISMO DEL GENIO

(Santiago Ramón y Cajal)

La gran pasión que Don Santiago puso en favor de la hoy llamada neurociencia, es la misma que empleó el genio Mozart con las notas musicales.

Muchas, se dice que fueron las facultades que poseía este genio de los sonidos para instalarse en la cumbre musical pero hoy, y siempre desde mi perspectiva de aficionado a este arte, me detengo en dos: su versatilidad y su profundo sentido de la perfección.

Numerosos son los que han dedicado tiempo para analizar detalladamente al personaje en su doble aspecto: humano y artístico. Hoy, prefiero utilizar las conclusiones mozartianas a las que fue llegando con el estudio y el tiempo un explorador musical como NIKOLAUS HARNONCOURT y que sintetizó en su libro: «DIALOGOS SOBRE MOZART».

Y, de ahí, destaco una que a mi juicio hace clara referencia a la versatilidad y perfeccionismo deMOZART:

«Mozart no escribió ni una sola aria sin conocer al intérprete para el que estaba destinada. Y si aparecía otro cantante escribía rápidamente otra distinta.»

Entonces, para mí, está claro que esa gran pasión que ponía Mozart al servicio de la música, era acompañada de una gran versatilidad y perfeccionismo artístico, sin ambas, no sería posible lo dicho por Harnoncourt.

Igualmente pienso que si Mozart viviera en la actualidad, seguro que no aprobaría algunas interpretaciones de sus arias que se permiten ciertos solistas del momento.

Tienes suficiente material en youtube para disfrutar con este imperecedero genio pero no me resisto en aconsejarte que veas y oigas su Laudate Dominum, KV 339 interpretado por Patricia Janeckova, te llevara poco cuatro minutos y medio.

Otoño 2021.

GENIOS DE LA MÚSICA Y SUS CURIOSIDADES (POST 4)

Uno de los padres por excelencia de la Música, el alemán JOHANN SEBASTIAN BACH ( o en español JUAN SEBASTIAN ARROYO) tenía por costumbre escribir al comienzo de sus composiciones «J. J (Jesu Juva = Jesús Ayúdame) y al final de las mismas «Sol Deo Gloria» = Sólo a la Gloria de Dios.

Clarísimo que el muchacho era profundamente religioso.

Cuando FRANZ SCHUBERT tuvo la oportunidad de conocer el cuarteto nº 14 opus 131 de L. VAN BEETHOVEN exclamó: «Qué nos resta por escribir después de esto?»

Evidente la humildad de SCHUBERT para con Don LUIS. A propósito, este cuarteto lo tienes en youtube en arreglo para orquesta de cuerdas e interpretado por la Filarmónica de Viena bajo la dirección de LEONARD BERNSTEIN, te aseguro que es una gozada de 48 minutos de duración, no te lo pierdas!.

Para ROBERT SCHUMANN la música era el lenguaje que le permitía comunicarse con el más allá.

El siempre alegre y simpático HAYDN siempre se ponía su mejor ropa antes de componer y por ello decía: » Ahora voy a comulgar con Dios y debo vestirme adecuadamente «. Era un férreo defensor de la teoría que atribuye la inspiración artística a Dios.

En cierta ocasión le preguntaron al ruso SCHOSTAKOVICH: ¿ Si a Ud le quedasen únicamente 30 minutos de vida en qué los emplearía?. El gran sinfonista del siglo XX rápidamente contestó: » En escuchar por última vez el ADIOS de LA CANCIÓN DE LA TIERRA de GUSTAV MAHLER.

El escritor STENDHAL definió a G. ROSSINI así: «Ligero, animado, divertido, nunca pesado, pero rara vez sublime. ROSSINI parece haber venido a este mundo con el propósito de conjurar visiones de extático deleite en el alma común del Hombre Corriente.»

La famosa PASIÓN SEGÚN SAN MATEO sólo se interpretó 4 veces en vida de BACH y luego desapareció sin dejar rastro. Resucitó en 1829 gracias al compositor y director de orquestas FELIX MENDELSSHONN.

GENIOS DE LA MUSICA Y SUS CURIOSIDADES (POST 3)

El famoso compositor checo LEOS JANÁCEK, autor de la conocida ópera «La zorrita astuta » hizo la reflexión siguiente:

«Cuando alguien me hablaba, puede que no entendiese las palabras, pero captaba cómo subían y bajaban las notas. Y advertía en el acto cómo era esa persona: cómo se sentía, si estaba mintiendo, si estaba triste. Los sonidos, la entonación del habla humana -de cualquier otro ser vivo en realidad- siempre han encerrado para mí la verdad más profunda.»

Excelente retrato este de LEOS sobre el gran poder de la musicalidad, no te parece?

En cierta ocasión, GIACCOMO ROSSINI (ese que era conocido en Europa como «el rey de la melodía» y cuyas arias las cantaban en su tiempo los albañiles italianos) dijo de W.A. MOZART: «Fue la admiración de mi juventud, la desesperación de mis años de madurez y el consuelo de mi vejez»

J. BRAHMS, autor entre otras obras de un REQUIEM que bien escuchado te puede elevar a otro plano existencial, solía decir con frecuencia: «Componer no es difícil, lo complicado es dejar caer bajo la mesa las notas que son superfluas.»

Bien pensado, cuántas notas superfluas se observan en infinidad de composiciones a pesar de ser creaciones de autores consagrados pero ya, no hay solución!

El despotismo del Zar NICOLÁS I era tristemente célebre pero cuando en 1840 llegó tarde a un recital de FRANZ LISZT y además se puso a hablar, LISZT dejó inmediatamente de tocar su piano quedándose inmóvil, con la cabeza gacha. Cuando el Zar preguntó por qué había dejado de sonar el piano, LISZT dijo en tono helado: «Hasta la propia música debe callar cuando NICOLÁS habla»

No habrá en casi todos los conciertos públicos un disfrazado NICOLÁS que no duda en hablar cuando debe escuchar?

A finales del siglo XIX era mal visto dirigir sin partituras (de memoria) y un crítico del periódico The Times censuró a RICHARD WAGNER por dirigir la sinfonía num. 3 de BEETHOVEN sin partitura. En el siguiente concierto y con el mismo programa, WAGNER salió con una partitura en la mano ganándose el respeto de los críticos, hasta que descubrieron que la citada partitura era la del Barbero de Sevilla de ROSSINI (obra que para nada figuraba en el programa del día)

Pregunto: Podría WAGNER ser un poquito «chulito» con los críticos de su época además de buen Director y compositor?

Verano 2022.

CUANDO LA VIDA FUERZA TU MEMORIA EPISÓDICA/MUSICAL.

En ocasiones la Música tiene el poder de reavivar los recuerdos con tal intensidad que a uno hasta le duele el corazón.»

( HARUKI MURAKAMI, en Hombres sin mujeres)

Languidecía con 40 grados a cuestas una de estas tardes del caluroso julio-22; me siento ante la pantalla y marco mi cadena favorita de música, la francesa MEZZO. Lo primero que observan mis ojos un primer plano del italiano (ya maduro) RICCARDO CHAILLY con su batuta en mano y dirigiendo la popular 40ª sinfonía de MOZART en una sala que rápidamente reconocí por haber estado allí en otras ocasiones. Rápidamente sigue a esta imagen otro primer plano en el que se observan: al primer flauta JACQUES ZOON y al primer oboe LUCAS MACIAS interpretando un dúo de la citada pieza mozartiana.

Tan rápida como un rayo mi memoria se traslada, provocada por las imágenes, al trienio 1988/1990; sentados cómodamente en la salida de mi anterior domicilio. Allí, todos los sábados a partir de las 8 de la mañana LUCAS y yo sintonizábamos la 2ª cadena de TVE para presenciar juntos el concierto de la semana.

A lo largo de los meses deducimos que TVE había firmado contrato con la sala CONCERTGEBOUW de AMSTERDAM para retransmitir en diferido los conciertos de la ROYAL CONCERTGEBOUW ORCHESTRA de temporada.

En la época, el Director de la prestigiosa orquesta (una de las señeras del mundo) era un joven RICCARDO CHAILLY que permaneció como titular de la misma durante varios años y su primer flauta era un no menos joven JACQUES ZOON que además de tocar como los «ángeles»lucía una ordenada melena rubia muy atractiva.

Durante los descansos para la obligada publicidad que emitía TVE en estos conciertos, mi acompañante LUCAS siempre me preguntaba: «podré algún día tocar mi oboe con estos músicos y este Director?» y mi respuesta sin hacerse esperar siempre la misma: «de momento reúnes condiciones para ser músico pero tendrás, durante muchos años que emplear muchísimas horas de estudio y además ganarte la presencia constante de la suerte que te llevaría a ese lugar.»

Su pasión musical, tenacidad en el estudio y suerte le hizo ganar la plaza de primer oboe de la ROYAL CONCERTGEBOUW ORCHESTRA permaneciendo en ella durante 7 años y abandonándola por propia iniciativa para estudiar en Viena Dirección de Orquesta.

En 2006 el destino acompañado por la excelencia artística eligió juntar a flautista y oboísta en la LUCERNA FESTIVAL ORQUESTA a la que, personalmente, llamo «la Orquesta de las orquestas» (grupo configurado por el fallecido CLAUDIO ABBADO reuniendo en sus atriles a los mejores del mundo: Filarmónica de Berlín, de Viena, de la Royal Concertgebouw, de la Radio Bávara, de Munich, etc.) que todos los años y en la suiza Lucerna durante el mes de agosto se reúnen para abrir el histórico y famoso festival.

Cuando en 2014 falleció ABBADO la dirección del festival eligió como sustituto al también italiano RICCARDO CHAILLY y miren por dónde!,los deseos de un niño, reiteradamente expresados cuando tenía 10/12 años se vieron totalmente cumplidos 28 años después. Los tres músicos: RICCARDO, JACQUES Y LUCAS mantienen una profunda y respetuosa amistad provocada y sustentada por la música.

Esta pequeña historia, rememorada por mi memoria confirma, una vez más que: con pasión, tenacidad, generosidad en el esfuerzo diario y sin olvidar la suerte, se pueden cumplir las aspiraciones humanas por elevadas que sean siempre que no se fijen de antemano calendarios definitivos.

En la foto Jacques y Lucas en un ensayo, ambos contentos de compartir la música juntos.

Verano 2022

GENIOS DE LA MÚSICA Y SUS CURIOSIDADES (POST 2)

Finalizado el ensayo de su 6ª sinfonía GUSTAV MAHLER le preguntó a un amigo presente en la sala qué impresión había sacado. El amigo, un tanto aturdido por lo que acababa de oír dijo: » Cómo es posible que una persona tan buena como Ud., exprese con música tanta crueldad y tan poca compasión».?

Y MAHLER respondió: «Son las crueldades que he vivido y los sufrimientos que he soportado».

La respuesta del compositor, muestra, una vez más, la carga de subjetivismo que impregna su música. Por si no lo recordaran, su sexta sinfonía se titula TRÁGICA.

Concluído el ensayo general de la 4ª sinfonía de ANTON BRUCKNER, presente su autor en el citado ensayo, fue tan grande la emoción que recibió que fue hacia el director: HANS RICHTER colocándole en la mano una moneda diciendo: «Toma esto y bebe un vaso de cerveza por mi salud.»

El director aceptó la moneda y la colocó en la cadena de su reloj como histórico recuerdo del que presumió el resto de su vida.

Esta verdadera anécdota sirvió para tildar de «cateto» a este pilar del Romanticismo musical y lamentablemente, el primero en hacerlo, fue su colega BRAHMS.

Durante la interpretación de una sinfonía de BEETHOVEN estando presente CLAUDE DEBUSSY en la sala, dijo: «Ahora que ha empezado el desarrollo puedo salir y fumarme un cigarrillo.»

Una forma burda y sarcástica del francés para criticar a DON LUIS por sus a veces largas introducciones. Creo que no le pegaba el comentario poco respetuoso.

En 1749, en el mismo centro de LONDRES, el genio G.F. HAENDEL consiguió reunir a 12.000 personas para asistir al ensayo de sus REALES FUEGOS ARTIFICIALES, cada persona asistente pagó dos chelines y medio y el célebre compositor ordenó que la recaudación se destinara a Organizaciones Solidarias con el pueblo.

Además de excelente música HAENDEL tenía buen corazón y mucha empatía.

Verano 2022

APUNTES SOBRE EL GUSTO MUSICAL

Portada de Farkas

 

Una vez más, un pensamiento célebre por su contenido y propiedad, I. KANT, me provoca  necesidad de, a mi modo, acercarme a reflexionar sobre un término con bastante frecuencia usado en el arte musical.

 

Posiblemente, cuando utilizamos el término GUSTO MUSICAL, nos refiramos al placer que nos provoca una determinada recreación sonora que porta posibilidades de belleza cuando su interpretación además se ajusta a lo correcto o incluso lo supera.

 

Para mi humilde entender,  dos frentes son indispensables cuando hablamos de GUSTO MUSICAL: el más importante de origen genético, el artista tiene que venir dotado de una serie de cualidades que colaboren al fin deseado; el otro la experiencia y formación que el artista ha ido acumulando a lo largo de su vida profesional con el fin de servir de herramienta y complemento a la dotación genética de la que se es portador.

 

De este modo y cuando ambos frentes, trabajan al unísono y con toda su intensidad se conforma, a mi juicio, un GUSTO MUSICAL exento de intereses con la única finalidad por bandera de producir belleza y en este caso musical.

 

A estos efectos, decía IMMANUEL KANT:Gusto es la facultad de juzgar un objeto o una representación mediante una satisfacción o un descontento, sin interés alguno. El objeto de semejante satisfacción llámase BELLO.”

 

En el presente contexto, no puedo asumir el refranero popular que sentencia: “ Para gustos… colores”, el filósofo, para mí, lo ha dejado suficientemente claro pero me encantaría saber que opináis vosotros sobre este particular concepto que acabo de abordar.

Como evidencia de lo anterior, os dejo este vídeo en el que el buen gusto musical comienza en el compositor Mozart y concluye en sus intérpretes.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

RESILIENCIA Y HUMILDAD EN GUSTAV MAHLER

«Si después de mi muerte, algo no suena bien (le dijo al famoso director OTTO KLEMPERER) ¡cámbialo!. No sólo tienes el derecho sino también el deber de hacerlo.» (frase de GUSTAV MAHLER)

«Mi tiempo llegará…» (frase de GUSTAV MAHLER)

Desde mi punto de vista es lamentable que ocurra pero así es: las palabras son objeto de las modas como si de pantalones o faldas se tratara. Es lo que últimamente está sucediendo con la palabra resiliencia que, existiendo desde siempre, ahora es muy sonante o sea: de moda.

Algunos austríacos, contemporáneos de GUSTAV MAHLER en multitud de ocasiones lo tildaban de «prepotente», «orgulloso y altanero». Claro que quienes así opinaban por muchos estudios superiores que tuvieran, lo hacían desde posturas xenofóbicas muy cercanas al odio más profundo (no podían superar que un creador musical de tan alto calibre fuera de ascendencia judía).

Pero, la verdad acabaría imponiéndose con hechos! ¿Cuántos creadores musicales han sido capaces de admitir e incluso aconsejar a sus seguidores que, si algo de su obra suena mal que inmediatamente se cambie? Personalmente no sé de ninguno pero si vosotros lo sabéis, por favor un breve mensaje que se os agradecerá.

GUSTAV MAHLER que como es sabido murió muy joven (51 años) pasó casi toda su vida esperando el éxito como compositor. Hasta el estreno en Munich (12 septiembre 1910) de su 8ª sinfonía no le llegó. Todo lo anterior eran durísimas críticas cercanas a la «mofa» pero jamás perdió la esperanza y como prueba de ello repetía cuando venía al caso: «Mi tiempo llegará…»

Y, su tiempo llegó, tarde pero llegó para conocerlo ocho meses antes de su muerte. Se estrenaba en Munich su 8ª sinfonía a la que el empresario encargado de organizar el evento llamó la sinfonía de los «mil» dada la gran participación de solistas de voces, coros y músicos de la orquesta.

La vida, le negó el privilegio de estrenar su 9ª, las partes orquestadas de la 10ª y su gran obra La Canción de la Tierra, murió en Viena el 18 de mayo de 1911.

A raíz de su esperada pero pronta desaparición, se produjo un acercamiento a su obra de grandes dimensiones de modo que hoy, anunciar una sinfonía de MAHLER es garantía de venta de todas las localidades de la sala por grande que sea ésta y si los intérpretes son de solvencia absoluta puede que seis meses antes del concierto el papel se haya agotado.

Acabo con una breve historia real que revalida la famosa frase del compositor: «Mi tiempo llegará…»

Una maravillosa soprano alemana, especializada en WAGNER y que trabajó en la ópera de Budapest para MAHLER le preguntó cierto día: ¿Qué piensa Ud de sus sinfonías?.

MAHLER contestó: «Dentro de un siglo, se ejecutarán en enormes salas con capacidad para miles de personas y serán grandes festivales populares»

Personalmente añadiría: «muchas de esas miles de personas llorarán y reirán porque habrán comprendido la esencia de su música.»

(En la foto MAHLER con su vestimenta más habitual)

Invierno 2022.