Desde el rincón de Farkas

El refranero popular, síntesis de sabiduría práctica a lo largo de miles de años, eso más o menos es lo que viene a decir que: «el que tuvo retuvo.»

Sinceramente creo que si tuviese que volver a renombrar la palabra ternura lo que mejor haría es en lugar de palabras usar imágenes y concretamente, las que se visualizan en el vídeo que abre este post acaban, como decimos en el Sur, con el cuadro.

En septiembre cumplirá 85 años SEIJI OZAWA, a el quiero dedicar estos momentos.

es japonés de orígenes chinos, heterodoxo en sus formas de expresión en el podio pero, como decía Stefan Zweig: «brillante en los resultados finales»; muy conocido por sus versiones de obras postrománticas para formato de gran orquesta, sin abandonar otros estilos incluido el operístico, figura destacada de la élite orquestal desde mediados del siglo XX hasta hace poco que por fuerzas mayores (confluencia de enfermedades graves) le han obligado a dejar el gran amor de su vida: la Música.

Tenía gran predilección a trabajar con los jóvenes valores y, a principios del 2000 fue invitado por Abbado a la realización de una gira con la Joven Orquesta Gustav Mahler, ella es el origen de esta foto esperando tomar un vuelo.

(Seiji complaciendo a los jóvenes músicos)

Si os apetece adentraros en la amplia biografía de este genial director e incluso ver sus vídeos, utilizad internet. Ozawa, con sus enfermedades, han ocasionado una estimable pérdida en el mundo de la dirección de orquesta.

Maestro, te deseamos un feliz cumpleaños y aunque apartado de tu gran pasión, que vivas muchos más y tus dolencias sean lo más dulces posibles.

Desde el rincón de Farkas

Verano de la mascarilla.

(proyecto dueto Leonore-Rocco de Fidelio -Beethoven-)

Seguro que, no soy el más adecuado para afrontar el presente tema pero puede que, al sacarlo, motive a personas más capacitadas y ejercitadas en ello para abrir un adecuado debate y sacar conclusiones.

Resulta que, el hamburgués J. BRAHMS (1833) excelente seguidor del hilo sinfónico/beethoveniano,  hasta el punto de que a su 1ª sinfonía en ciertos círculos se le llegó a llamar la 10ª de BEETHOVEN , espetó en cierta ocasión:

«Componer no es difícil, lo complicado es dejar caer bajo la mesa las notas que son superfluas.»

Reconociendo, sin haber practicado la composición musical, que debe ser cierto el argumento que expone BRAHMS, pienso que, más difícil aún debe ser esa tarea o mejor arte de eludir lo superfluo cuando imperan poderosas razones y tienes que escribir música valiéndote del «sarcasmo» (caso de Shostakovich casi durante toda su vida) o como el caso de MAHLER cuya música, marcada por un intimísimo/subjetivismo le obligaba a una determinadas pautas compositivas.

De la foto que encabezo, se desprende que el Genio por excelencia BEETHOVEN era un gran avispado en este género aunque cambiaba: «el debajo de la mesa» por la propia partitura y sus borrones, por supuesto cuando te lo presentaba listo, morías de gusto.

Ah!, pero había un tal MOZART para el que no existía: «debajo de la mesa» porque este prodigio almacenaba sus notas superfluas (cuando las tenía) en su cabeza y, cuando menos lo esperas, se carga tus expectativas sobre su discurso musical, proveyéndote de un tema que no esperabas ni por asomo. Y, esa sigue siendo su grandeza.

Todo esto, pone de manifiesto la excelencia intelectual y emocional de las personas, hombres y mujeres, que un día deciden coger papel pautado y un lápiz para reflejar lo que llevan en su imaginación musical, hacernos con su arte más felices y de paso serlos ellos. Y… en ocasiones, se consigue, otras, en «el bajo de la mesa» se forma una montaña de notas porque esos días todo se ve superfluo; cosas de la VIDA y la MÚSICA.

Esta humilde reflexión,  de un simple aficionado a este gran arte , va dedicada a Don Enrique Rueda Frías, de esto sabe tela porque a esto y a otras ramas de la música dedica su vida con contrastada honradez, acierto y dosis de alegría.

José Manuel Macías Romero

Verano de la mascarilla.

 

FRANZ JOSEPH HAYDN (1732/1809) que aparece en la foto, conocido mundialmente como Joseph Haydn «padre de la sinfonía y del cuarteto de cuerdas» por el intenso y productivo trabajo que hizo en estos géneros musicales, escribió en 1772 su sinfonía num. 44 (Hoboken I/44) en la tonalidad de «mi menor», de ella quiero ocuparme a partir de ahora.

El primer contacto que tuve con esta, para mí, maravillosa sinfonía, data del 3 de julio del año 2000. Asistía en Freiburg in Brisgovia (Alemania) al examen final de Solistas en el que intervenían: la orquesta de la Universidad, el violinista Daishin Kashimoto (hoy concertino de Filarmónica de Berlín) y Lucas Macias Navarro (oboísta, hoy Director Titular de la Oviedo Filarmonía), todos bajo la dirección de Heinz Holliger. Al margen de las obras que examinaban ante el Jurado y público que abarrotaba la sala a Daishin y a Lucas, se hallaba esta sinfonía llamada «Trauersinfonie» (sinfonía Fúnebre).

(Recuerdo sonoro del evento que cito grabado por los técnicos de la Universidad)

Desde entonces me encuentro atrapado por esta maravillosa música a la que acudo en infinidad de ocasiones y, no seré el único atrapado por ella, dado que hasta el mismo autor de la obra: Haydn, dejó dicho a sus amigos más cercanos: «les ruego que en mi funeral suene el adagio de mi sinfonía fúnebre.»

La grandeza, siempre para mí, de la composición radica en que supera la tristeza a pesar de su tonalidad menor que por regla general invita a ello; cuando la oigo se estimulan mis ganas de vivir y no de morir. Espero y deseo que si alguien se acerca a ella y en youtube hay una excelente versión de John Eliot Gardiner, le ocurra lo mismo que yo siento las reiteradas veces que la oigo.

El destino ha querido que 20 años después pueda volver a disfrutarla en directo, esta vez si la Covid me lo permite en la bella y limpia Oviedo con su magnífica orquesta y bajo la dirección Lucas Macias Navarro; por todo ello creo que es una obra para la Muerte y… para la Vida.

Aficionado José Mel. Macias Romero

Verano 2020

«Parece que, en el arte, cualquier método es bueno si arroja unos resultados satisfactorios.»

              (STEFAN ZWEIG)

 

Sin duda, la nueva élite de la Dirección de Orquesta tiene en ANDRIS NELSONS (1978) a uno de sus más destacados representantes.

Inició su vida musical ejerciendo como 2º trompeta en la Orquesta de la Ópera de Letonia.

Mi inacabado seguimiento a este artista comienza en 2011 viéndole un excelente trabajo con la Royal Concertgebouw Orchestra; su particular gesticulación y braceo me recordaron a su también letón profesor Maris Jansons. Pero nunca he visto esto como un lastre ya que, raro es el alumno (de la profesión que sea) que no tiene pequeñas cosas de su profesor como consecuencia lógica de años de aprendizaje.

Tratando de ser todo lo objetivo posible al abordar sus dotes personales y artísticas, he acudido a mis amistades musicales (profesionales que han trabajado con él) y estos son sus rasgos principales:

Mucho amor a la música, generosidad absoluta con sus colegas de atriles (libertad de expresión y confianza), humildad en su trato (algo difícil en los divos), mucho talento y efusiva expresividad en sus gestos.

Puede que el éxito le ha llegado muy rápidamente pero seguro que encontrará tiempo para madurar debidamente en el repertorio y seguir avanzando, ya que por todos es reconocido su afán de superación.

El crítico Lebrecht auguraba no hace mucho un panorama muy triste para la Dirección de Orquesta a consecuencia de las muertes y el envejecimiento. Qué me dice Sr. Lebrecht de Nelsons, Dudamel, Petrenko, Sokiev, Harding, etc., por citar algunos? Le parece poco sin añadir lo que viene de camino?

Como siempre en youtube puedes encontrar varios trabajos de este excelente director, siempre con las mejores orquestas del mundo que es buen ejemplo de su excelencia.

José Manuel Macias Romero

Verano de la mascarilla

«Me acostaba vestido y con la maleta hecha por si golpeaban la puerta durante la madrugada.»

(Dmitri Schostakovich)

 

Pudiera ser que, Dmitri Shostakovich (1906/1975) fuese el paradigma del psicoanálisis cuando esta disciplina freudiana concluía: « las respuestas sublimes a estímulos aversivos están reservadas, exclusivamente, para los humanos» y, por supuesto, él lo era, quizá demasiado!

Cuando de Dmitri se trata, pienso que es necesaria, a la hora de calificar su obra, una dosis especial de empatía, de lo contrario podríamos caer en la injusticia sobre su figura humana y artística.

De familia acomodada en lo económico, le tocó vivir la época más convulsa que sufriera su país: la Revolución de 1917 y sus posteriores desenlaces así como el cerco de Hitler a Leningrado.

Desde niño creció inmerso en la música: su madre tocaba el piano y su padre, como aficionado, cantaba las arias de las óperas más famosas. Estos antecedentes le reportarían: oído absoluto y brillante memoria musical, dos herramientas que, sin ser imprescindibles pero sí importantes para su profesión de músico.

Madrugó Dmitri para acuñar un rasgo muy aclaratorio de su personalidad: cuando sufría una fuerte impresión reaccionaba contundentemente con una respuesta musical.

Y así ocurrió en 1917 (los turbulentos hechos que presenció con 11 años de edad, tuvieron respuestas con la creación de una sinfonía revolucionaria y una marcha fúnebre para las víctimas de la Revolución).

A medida que crecía, se agudizaba su particular rasgo-respuesta subliminal en forma de música y así surgieron partituras que han pasado a la Historia de la Música con fuertes connotaciones autobiográficas no exentas de arte.

Pero, ¿qué estimulo tan agresivo recibió Dmitri en 1960 para responder creativamente de forma tan sublime?

Acudamos a la Historia: en 1960 dirige la Unión Soviética Nikita Jruschov quien decide que Shostakovich sea nombrado Presidente de la Unión de Compositores de la Federación de Rusia, para ello, era indispensable ser afiliado al partido (algo que jamás se le pidió en 40 años).

No entraba en los planes del compositor esta noticia/imposición, sabedor del daño moral y social que le supondría tal adhesión.

Sumido en un debate interno que le costó enfermar y derramar muchas lágrimas por la humillación que le suponía tal afiliación, da su consentimiento huyendo así de complicaciones profesionales e incluso de su integridad física.

Su respuesta a todo este revés dio luz a su cuarteto num. 8 op. 110 compuesto en tan sólo 3 días en la ciudad alemana de Dresde, una joya de su música de cámara que en su manuscrito original contiene una dedicatoria que dice: «A la memoria de las víctimas del fascismo y de la guerra.»

Para mí, esta dedicatoria da alas a la enigmática intencionalidad de su lenguaje musical: decir con sarcasmo lo contrario a lo que las gentes interpretan.

En youtube puedes encontrar excelentes trabajos sobre  este maravilloso cuarteto incluso versiones de un arreglo de Barshai para orquesta de cuerdas que contó con el visto bueno de Dmitri antes de ser publicado.

Para muchos, se ha convertido en la actualidad en el más digno heredero de Gustav Mahler y puede que en el futuro inmediato sus obras acaparen mucha más atención de la que ya gozan en todos los escenarios del mundo.

Verano de la mascarilla.

 

 

 

 

 

 

 

«La gota horada la roca.» 

(OVIDIO)

 

Hoy, Lucerne  Festival, ha republicado en facebook una foto de Tokio (año 2017) que por su simpatía, me ha hecho recordar una agradable historia que remonta a 1988.

TVE, a finales de los años 80, retransmitía todos los domingos a las 8 de la mañana conciertos en los que casi siempre aparecía la Royal Concertgebouw Orchestra dirigida por su titular en la época Riccardo Chailly. 

Fielmente, cada domingo, acompañado de Lucas que tenía 10 años, disfrutábamos del concierto. Con bastante frecuencia decía el niño: «emplearé todas mis fuerzas para algún día tocar en esta orquesta y sobre todo al lado de su primer flauta Jacques Zoon.»

En 2007, obtiene la plaza de oboe solista en su ansiada orquesta de prestigio mundial Royal Concertgebouw Orchestra de Ansterdam, pero , cuando se incorpora a esta formación musical holandesa,  ya su primer flauta Jacques no formaba parte de la misma.

Casi de inmediato, Claudio Abbado (perfecto conocedor de los mejores instrumentistas del mundo) decide incorporar a esta pareja a su recién rescatada Orquesta del Festival de Lucerna  así como a la recién creada Orquesta Mozart, y, es entonces, cuando se cumple íntegramente el sueño de un chico que desde muy temprana edad se marcó una meta y que su perseverancia fue premiada con el cumplimiento de su sueño, haciendo además realidad la frase de Ovidio.

Os dejo con la citada foto,  contando de antemano con la benevolencia de estos dos grandes intérpretes, que por cierto!, no llevan muy bien este tipo de publicidad.

 

 

 

Jose Manuel Macías Romero

Casi fin primavera 2020

 

 

 

 

 

«La música nos coloca enfrente de un ideal que puede pasar a formar parte de nuestras vidas.»

(HERBERT BLOMSTEDT)

 

El pasado 18.01.2020 gracias a Digital-Concert (Filarmónica de Berlín) fue la última vez, que en directo, pude comprobar la energía y pasión que derrocha Herbert Blomstedt delante de una orquesta. Próximo a cumplir 93 años se muestra en el podio como si tuviera 25 y le fuera la vida en ello; gesticulando con seguridad, atento a todas las secciones orquestales y abusando de una memoria prodigiosa (no tenía partitura en su atril) durante dos horas de música: concierto de piano de Mozart y 4ª sinfonía de Bruckner.

Gran sensibilidad la suya, amante del trabajo bien hecho y poco amigo de las apariciones mediáticas. Su mayor preocupación que la música sola sea el principal protagonista en sus actuaciones, algo que algunos de sus colegas ni entienden ni practican.

Atrás se le quedaron las titularidades en orquestas, ahora se lo reparten como artista invitado las mejores orquestas del mundo y todas lo quieren para aprovecharse de sus amplios conocimientos.

Entendió, siendo joven que quería ser director cuando en una de sus clases tuvo que estudiar el Requiem de Brahms y ahora, con 92 años no quiere abandonar las salas de conciertos porque no sabría qué hacer de su vida.

Sus movimientos en el podio pueden que no sean de máxima perfección técnica pero lo cierto es que sus mensajes son entendidos por los músicos con una pasión de la que dan fe los resultados de sus conciertos en cualquier lugar que se celebren.

Si no conoce su perfil artístico en Youtube puede encontrar bastante de sus trabajos con orquestas de todos los gustos. Anímese y disfrútelo , comprobará que habrá merecido la pena.

(Herbert Blomstedt, cumplirá 93 años el próximo 11 de julio.)

José Mel. Macias Romero

Invierno 2020

 

 

 

 

«La Música amansa a las fieras»

(Del refranero popular)

 

Aunque en 2017 me ocupé del presente tema con la historia del compositor italiano Alessandro Stradella, hoy me reitero pero en la ocasión de la mano de Charles Burney con motivo de la charla que tuvo en el domicilio de Farinelli en la bella ciudad de Bolonia (Italia).

Le contaba el famoso castrato a Burney que en el apogeo de su carrera tuvo un rival llamado Senesino y que trabajando ambos en Inglaterra nunca coincidían en el mismo teatro y por consiguiente no habían tenido la oportunidad de escucharse mutuamente.

Pero un día, ambos fueron invitados a participar en la misma obra. Senesino, hacía el papel de un famoso tirano y Farinelli el de un desventurado héroe encadenado. Al cantar éste la primera aria, amansó tan dulcemente el duro corazón del tirano, que Senesino, olvidándose de su papel, se abalanzó sobre Farinelli para abrazarlo con todas sus fuerzas rompiendo lógicamente el ritmo de la obra.

 

Siendo imposible que oigamos a Farinelli, te dejo con el «Farinelli» de nuestros tiempos: Philippe Jaroussky en este precioso dúo de Händel de la ópera Julio Cesar.

José Mel. Macias Romero

Primavera 2020 (en pleno apogeo del Covid-19)

 

 

 

Algo harto improbable; pero si viviera, lo sitúo con su amigo Vegeler en una tasca de Viena saboreando como a él le gustaba un buen vaso de vino y espetando a su interlocutor la frase que entrecomillo en el titular.

Sí, porque mucho antes del comienzo de este histórico 2020, estaba todo dispuesto para celebrar 250 aniversario de su nacimiento como el merece, pero un virus irrespetuoso y muy agresivo ha dado al traste con casi todas las actividades musicales que el mundo había organizado para homenajearle y profundizar en su conocimiento.

En Oviedo, una de las escasas ciudades por excelencia de nuestra geografía que gusta saborear la ópera, la zarzuela y la clásica está previsto que, concretamente el 16 de diciembre , fecha que se cumple su aniversario, sea representada en el Campoamor su única ópera Fidelio; esperamos ardientemente que para esa fecha la Covid-19, al menos, haya tomado unas vacaciones y  si fuera posible que tengamos una vacuna que nos permita disfrutar del homenaje que los asturianos piensan rendirle al gran genio de Bonn.

La acción de esta solitaria pero sublime obra de Beethoven se desarrolla , cómo no!, en una fortaleza convertida en prisión de Estado a pocas leguas de Sevilla y a finales del siglo XVIII.

Si te mueve la curiosidad y deseas conocerla como tributo a este gran músico puedes ver en youtube por ejemplo la versión de Leonard Bernstein con la Filarmónica de Viena.

Primavera 2020.

» En las grandes adversidades toda alma noble aprende a conocerse mejor.»

(F. Schiller)

Desde hace unos años, cuando llega el otoño me viene una especial necesidad de recurrir  al gran genio de Juan Sebastián Bach.

Mi último «enganche» ocurrió con su deliciosa obra Oratorio de Pascua (BWV 249), únicamente su adagio es lo que conocía de esta sublime obra y es el que me llevó al conocimiento íntegro de ella.

Para los estudiosos, la obra tiene sus orígenes en una cantata secular (cantata del pastor) que parece ser se perdió. Y, debe ser certera la teoría dado el protagonismo que Bach concede a flautas y oboes (ambos instrumentos muy pastoriles) así como por el carácter tan alegre y festivo de la partitura.

Y es en esta obra en la que su autor evidencia su gran capacidad y maestría para reutilizar su propia música convirtiendo lo profano en sacro, le cambia el texto y le añade los recitativos y lista como cantata para fines religiosos: el arte de hacer divino lo humano como decía Pau Casals.

Luego, se vuelve a invertir lo hecho y se vuelve a utilizar como canto profano en la ocasión para un regalo de cumpleaños: el arte de hacer humano lo divino, volviendo a Casals y todo esto, antes de que definitivamente fuese el Oratorio de Pascua como ahora se conoce.

La obra se compone de 11 maravillosos números, todos con aire muy festivo (celebrando la resurrección de Jesus) y su duración temporal es de aproximadamente 45 minutos.

Mi deseo de conocer la obra en puro directo se produjo no hace mucho en Las Palmas de Gran Canarias y fue un auténtico placer por la calidad de sus intérpretes como por el marco que le dio cobijo: el Auditorio Alfredo Krauss con su inigualable fondo de escenario: el Atlántico.

En Youtube hay suficiente material grabado para disfrutar de esta preciosa obra caso de que aceptes mi invitación.

La vida del Viejo Peluca como le llamaba uno de sus nietos, contiene muchas adversidades y de gran calado y en estas situaciones es cuando el Maestro sacaba lo mejor de sí mismo; por ello al principio, Schiller con su frase me ha parecido la mejor introducción.

José Mel. Macias Romero

Otoño 2019.