Desde el rincón de Farkas

«No deja de ser curioso que un músico de familia judía haya redescubierto la música del más importante de los compositores cristianos.»

(Felix Mendelssohn, en tono de broma)

 

Es la tercera vez que me ocupo de Mendelssohn en el presente blog; casi con toda seguridad puedo adelantar que no será la última porque es tanta la pasión que le profeso que probablemente, cuando menos se espere, retorne a su obra y figura.

Y es que como dice el profesor Luis Angel de Benito, la música de este artista es: transparente, fresca, noble y accesible a todas las personas. Atributos que parecen no encajar con la visión de una élite de musicólogos «rebuscados» que huyen de todo aquello que pueda sonar a popular.

Hoy mi referencia mendelssohnniana se centra en su tercera sinfonía llamada «escocesa» y su tercer movimiento adagio de diez minutos aproximadamente de duración según versión, puede ser sin lugar a duda una de las páginas más bellas que se hayan escrito en la historia de la música.

 

 

 

 

Aquí puede, si lo desea, disfrutar de una excelente versión de esta obra.

Con 21 años de edad se encontraba Mendelssohn en Edimburgo y en la ocasión escucha a un grupo de gaiteros una de sus melodías le inspiran el tema del segundo movimiento en forma de sonata. El primer movimiento, de carácter brumoso y doloroso está inspirado en un típico castillo escocés muy grisáceo. Muy discutido en su tiempo fue el movimiento final de la sinfonía también en forma sonata por el hecho de que acabe con un himno grandioso que no gustaba sobre todo a los «rebuscados» citados antes.

De este himno final decía su autor: «Debe sonar como un coro de voces masculinas perfectamente ensamblado.»

Termino aclarando la frase inicial: Estrenada la Pasión según San Mateo de J.S. Bach, se guardó la partitura y hasta pasados cien años no la desempolvó Mendelssohn, por cierto con un éxito impresionante y desde entonces no ha vuelto a coger polvo en las estanterías.

Y, ahora, sí acabo pero con esta gran frase de un gran genio:

 

 

 

 

 

José Mel. Macias Romero

Verano 2019.

 

 

 

«Estoy muy disgustado; no tengo tiempo para estar enfermo.»  (Chopin)

 

Nunca hasta ahora me había ocupado de este genio de la interpretación pianística y sobre todo de la composición para su instrumento.

La literatura biográfica de años atrás siempre se ocupaba de los grandes genios en la especialidad artística que fuera, resaltando casi de forma exclusiva las bondades y anécdotas en positivo de los mismos, resultaba difícil en cualquier lectura de esta índole encontrar los aspectos humanos desagradables que pudieran tener los mencionados genios.

Hoy, al encontrarme releyendo la obra literaria de Alfred Cortot: Aspectos de Chopin, me gustaría compartir con vosotros esta pequeña triste historia de este ilustre mago de las blancas y negras.

(F. Chopin)

Como cualquier chaval, con poco más de 20 años decide independizarse del subsidio que le pasaban sus padres y marcha a Paris. Para hacer frente a los gastos ordinarios y a los originados por su enfermedad, opta por aceptar dar clases de piano y dado su ya incipiente prestigio en el instrumento, la clase alta burguesa parisina le envía a sus hijos para que perfeccionaran en sus aprendizajes.

Pronto se vio superado por la cantidad de alumnos, la mayoría de ellos de escaso relieve interpretativo, que le hacían trabajar mucho, fomentando un  estrés que en nada beneficiaba a su débil salud. Este trabajo, poco edificante para él, unido a la preparación de los conciertos que daba en numerosas mansiones y palacios de Paris le creaba situaciones que alteraban profundamente su sistema nervioso ocasionando escenas en su propio domicilio que rondaban la locura.

Conociendo todo esto, no resulta extraño que cierto día se le escapara la frase con la que encabezo la historia.

Si te parece oportuno y quieres comenzar a conocer artísticamente a este genio podrías oír el 2º movimiento de su concierto num. 2 para piano y orquesta que te inserto en el presente post.

 

 

 

José Manuel Macias Romero

Verano 2019.

 

 

 

 

 

 

En defensa de los millones de seres humanos que entendemos que el arte llamado MÚSICA va más allá de un mero: pasatiempo, evasión y disfrute momentáneo de cualquier tipo, hoy quiero traerles de una autoridad en filosofía de la música una de sus muchas reflexiones sobre el asunto.

Y, a este respecto nos dice Daniel Barenboim:

«La educación del oído es quizá mucho más importante de lo que podemos imaginar no sólo para el desarrollo de cada individuo sino también para el funcionamiento de la sociedad y, por tanto, también de los gobiernos. El talento musical, la comprensión de la música y la inteligencia auditiva son áreas que a menudo están separadas del resto de la vida humana, relegadas bien a la función de entretenimiento o al esotérico reino de las artes de élite.

La capacidad de escuchar varias voces al mismo tiempo captando la exposición de cada una de ellas por separado, la capacidad de recordar un tema que hizo su primera entrada antes de un largo proceso de transformación y luego reaparece a una luz diferente, y la habilidad auditiva de reconocer las variaciones geométricas del tema de una fuga son todas ellas cualidades que potencian la comprensión. Quizás el efecto acumulativo de estas habilidades y capacidades podría formar seres humanos más aptos para escuchar y entender varios puntos de vista al mismo tiempo, más capaces de valorar cuál es su lugar en la sociedad y en la historia, y seres humanos con más posibilidades de captar las similitudes entre las personas que las diferencias que las separan.»

Después de este breve pero profundo pensamiento, sigues pensando lo mismo sobre la MÚSICA?. Abierto queda el debate e iniciado!

José Manuel Macias Romero

Finales primavera 2019.

 

 

 

«Mozart ha sido el modelo de mi juventud, la desesperación de mis años de madurez y el consuelo de mi vejez.»                      (G. ROSSINI)

 

Ya, no admitía más demora porque años y años escuchando melodías de Rossini y jamás me había ocupado de él en este blog.

Probablemente me tildaréis de exagerado si os digo que en sus tiempos tuvo tanto éxito o más que los Beatles en Europa.

Posiblemente por ello dijo Lord Byron:

«Ultimamente ha habido una ópera espléndida en San Benedetto -famosa iglesia de Venecia- obra de Rossini, que acudió en persona para tocar el clave; la gente lo siguió por todas partes, lo coronó, le cortó mechones de pelo -como recuerdo- lo aclamó le dedicó sonetos  y lo festejó, y lo inmortalizó mucho más que a ningún emperador.»

Se cuenta, que era tan grande la cercanía popular a Rossini, que los albañiles en sus respectivos «tajos» cantaban de memoria sus arias de óperas algo así como en Andalucía hace años hacían nuestros albañiles con fandangos y otras canciones.

Maravilloso, lo que hizo Rossini en pleno siglo XVIII por la música ¿verdad? pues, si oyes algunas de sus excelentes obras puede que te conviertas en uno de sus fans y volverás a él más frecuentemente de lo que piensas.

Examinando su numerosa obra comprendemos que escribiera para la posteridad la frase inicial que le dedica a su admirado Mozart, hay mucho Mozart en Rossini.

Si me permites, te recomiendo escuches por ejemplo una excelente versión de su Stabat Mater que se encuentra en youtube dirigida por el también italiano Carlo Maria Giulini.

 

 

 

 

José Manuel Macias Romero

Finales primavera 2019

 

 

Nos cuenta Emil Cioran en su  obra «Desgarradura» que mientras preparaban la cicuta, SÓCRATES practicaba con una flauta intentando aprender una melodía. Se le preguntó: ¿Para qué te servirá? el filosofo respondió: Para saber esta melodía antes de morir.

Posiblemente y con razón, Ud., que por curiosidad se ha acercado a este blog, pensará: ¿A qué viene esta pequeña historia escatológica-filosófica?

Me ha parecido oportuna para aproximarme una pizca a la cuestión: «La utilidad de lo inútil».

Sí, ya que casi todos coincidimos en que vivimos en unos tiempos en los que lo primordial es la utilidad pero la utilidad que provoca beneficios, plata como dicen los argentinos; casi todo lo que no esté impregnado por el susodicho fin, es declarado por esta sociedad hipercapitalista como INÚTIL.

Y, lamentablemente en este contexto, sus más excelsos portavoces nos dicen y machacan diariamente con que todo ARTE es INÚTIL.

Es evidente, acudiendo a mi ARTE preferido, que si en este mundo no hubiera MÚSICA no pasaría nada seguramente, todos seguiríamos viviendo porque tendríamos oxígeno y alimentos para nuestras células asegurados.

Pero, a todos estos lujos considerados inútiles les corresponde cada vez más el trabajo de alimentar la esperanza, de transformar su «inutilidad»en un perfecto instrumento de oposición a la barbarie reinante de la sociedad actual, en un gran fortín en el que puedan preservarse la memoria y los sucesos injustamente destinados al olvido.

     

En las fotos Emil Cioran (izq.) y Gustav Mahler (dcha.) probablemente culpables de la ocurrencia que hoy me ha ocupado.

José Manuel Macias Romero

Finales primavera 2019.

 

 

 

Les enfrento hoy con las opiniones sobre Mahler de los que fueron dos grandes músicos: TOSCANINI y FELIPE PEDRELL, vosotros decidiréis sobre la más razonable.

TOSCANINI:

«Mahler no es un artista serio. Su música no posee ni personalidad ni carácter. Es una mezcla de italianizada a lo Leoncavallo acoplada a la grandilocuencia musical e instrumental a lo Chaikovski, con una búsqueda de la rareza straussiana (por mucho que Mahler se vanaglorie de pertenecer a la tendencia opuesta), pero sin poseer la originalidad de ninguno de aquellos compositores.
Tropieza a cada paso, no en el tópico, sino en la trivialidad. Leoncavallo hubiera despreciado aquel tema que Mahler emplea sin tener ninguna vergüenza. Se puede concebir tal grado de chapuza? A lo que hay que añadir las lamentaciones de los violines y los suspiros de los vientos… Sin hablar de la extrema dificultad de ejecución y la duración excesiva.»

F. PEDRELL:

«Por su herencia judía, Mahler posee el nerviosismo de una expresión libre, nómada y epiléptica; el individualismo; la indomable rabia de imponer, cueste lo que cueste, tanto sus extravagancias como su insaciable y desbordante búsqueda de la belleza… De la raza vienesa provienen su forma y su manera de decir; el arte de expresarse, de su maestro, Bruckner. El resto viene de Nietzsche.
La música de este furioso maníaco musical atrae, subyuga y al mismo tiempo exaspera. Una inspiración tan severa y cautivadora demuestra, sin duda alguna, las evidentes influencias del espíritu judío; las intoxicaciones nietzscheanas, agravadas tal vez por su patria de origen y su patria de adopción, Viena, por la poesía delirante de la danza vienesa y también por esta dejadez cada vez más canallesca y exacerbada.»

Sobre estas opiniones, tengo mi preferida y quienes quieran saberlo por curiosidad, que me lo pregunten vía comentario. Gracias.

 

Miles de críticos y aficionados de todo el mundo a la buena música coincidimos en que hasta hace muy poco HEINZ HOLLIGER (21 de mayo 1939) ha sido el mejor oboísta del planeta.

Tuve la dicha de comenzar a disfrutarlo a finales de los años 60 adquiriendo sus discos de vinilo y posteriormente los oportunos CDS.

Lo que nunca imaginé me ocurrió a finales de los noventa, conocerle personalmente, poder hablar con él y sobre todo escucharle en riguroso directo tanto en ensayos como en conciertos públicos.

Entregado a la música de forma incondicional, además de trabajar con su oboe, se dedica a la composición, a la enseñanza de la que está jubilado y finalmente a la dirección orquestal. Cumplir 80 años en absoluto es para este genio una parada en su camino, más bien al contrario: enriquecido por una gran experiencia y profundo conocimiento de toda la literatura musical, cada día aborda con total entusiasmo nuevos retos musicales.

Sus numerosos y buenos alumnos distribuidos por toda la geografía mundial han decidido en  estricto secreto rendirle un cálido homenaje como merecimiento a toda una vida entregada a su gran pasión: la buena música.

El acto tendrá lugar en FREIBURGO IN BRISGOVIA (Alemania) en cuya Universidad de Música tenía su cátedra de Oboe acudiendo el pasado 18 de mayo 2019 decenas de oboístas de todo el mundo para mostrarle su admiración y cariño artístico.

No tengo duda de que todo el protagonismo  del que goza el oboe en los momentos actuales, se deben a la dedicación que le prestó Holliger a lo largo de toda su carrera. Grabó todas las composiciones que los diferentes compositores escribieron para el instrumento, compuso exclusivamente para él y su calidad y virtuosismo lo han hecho trascender como el intérprete más cualificado.

En la foto, Holliger y su alumno Lucas en uno de los momentos de la fiesta-homenaje celebrada en Freiburgo (Alemania) el 18.05.2019 con motivo de su 80 aniversario.

José Mel. Macias Romero

Primavera 2019.

 

 

Desde que existimos, el tiempo se ha encargado de ser juez de casi todas las actividades que desarrollamos los humanos. De las artes evidentemente también y por ello, en la historia de la música hay numerosos casos en los que es evidente su veredicto pese a que éste se haya pronunciado con notorio retraso respecto al fin de la creación de una obra concreta.

Compositores tan conocidos como: Bach, Beethoven, Schubert, Mendelssohn, etc., estrenaron en vida obras que en principio fueron fracasos o pasaron desapercibidas y que, sociedades posteriores, han puesto en su verdadero lugar, hasta el punto de que hoy  son consideradas como maestras.

Un caso llamativo de principios del siglo XX lo protagoniza el compositor Gustav Mahler, excepto su 8ª sinfonía, el resto, fueron durante años auténticos fracasos  en continuas modificaciones y sin embargo cien años después se ven coronadas por el éxito.

En 1904 y en Nueva York, una revista musical de prestigio COURIER se expresaba así sobre la 4ª sinfonía de Mahler:

» La simplicidad babeante y castrada de G. Mahler!  No sería justo para los lectores de la revista que les hiciéramos perder el tiempo con una descripción detallada de esa monstruosidad musical que se enmascara tras el título de 4ª sinfonía. No hay nada en la estructura, el contenido o la ejecución de la obra  que impresione al oyente, salvo su carácter grotesco. El autor de esta reseña admite con franqueza que… para el supuso una hora, por lo menos, de la tortura musical más dolorosa que lo han obligado a padecer.»

Programar hoy la 4ª si sus intérpretes son de solvencia, es acabar con el aforo de la sala en minutos y con tres meses de antelación al concierto.

Entonces, ¿será que el tiempo ha desinhibido a los aficionados actuales del «miedo a lo desconocido» que probablemente sería lo que padecía en 1904 el cronista de COURIER?

Sea como fuere, el tiempo, con su toga de juez incluida, a finales del XX y principios del XXI vino a sentenciar: «Esto es una obra de arte para la posteridad y como tal podéis disfrutarla.»

A los que no hayan tenido ocasión de oír la 4ª les aconsejo, siempre  si me lo permiten, que oigan primero esta versión de cámara cuya portada adjunto y posteriormente disfrutarán más con las buenas versiones sinfónicas que hay en youtube.

Sobre este CD el prestigioso diario holandés Het Parool escribió:

«Es un gran placer escuchar la famosa obra en esta delicada versión en la que cada voz es igualmente importante, a pesar de que se necesitan músicos de muy alto nivel para hacer que la aventura sea exitosa. En manos de la Camerata RCO, dirigida por Lucas Macias Navarro, es una experiencia conmovedora».

José Mel. Macias Romero

Invierno 2019

 

 

 

 

 

Como abonado a DIGITAL CONCERT (plataforma digital de la Filarmónica de Berlín) que por un módico precio me permite ver en directo todos los conciertos de temporada que se celebran en la sala PHILHARMONIE así como visualizar todos los archivos que se contienen en la referida plataforma, me dispuse a ver el celebrado el 10 de septiembre de 2016 en el que bajo la dirección de Andris Nelsons se interpretaba la Sinfonía Fantástica de Hector Berlioz.

Cuando terminó la interpretación de su primer movimiento me sorprendí al ver que todo el público que abarrotaba la sala irrumpió en un aplauso y así fue ocurriendo al finalizar cada uno de los movimientos que conforman esta sensacional sinfonía.

Me alegré de que esto ocurriera en Berlín y con su Filarmónica porque esta conducta de los oyentes venía a demostrar que la concurrencia estaba participando muy activamente de la interpretación que estaba teniendo lugar en tan «sagrado lugar para la música.»

Pero, a la misma vez me preguntaba: ¿cómo es posible que esto ocurra en la ciudad por excelencia en la que los nazis comenzaron a implantar de forma autoritaria y casi coercitiva que no se aplauda entre movimientos ni se formulen ningún tipo de expresiones por parte del público asistente?

A este respecto ya me he manifestado en otras ocasiones, creo que el público anterior a la llegada de los nazis era más espontáneo, participativo y puede que emotivo; siendo respetuoso con los intérpretes, no entiendo ni veo bien reprimir las emociones  de una afición que sostiene el espectáculo musical.

(En la Philharmonie de Berlín bajo la dirección de Abbado, Anna Proaska, Lucas Macias y la Filarmónica de Berlín interpretan un aria de Mozart, Vorrei Spiegarvi)

José Manuel Macias Romero

Primavera 2019.

 

Compuso 28 óperas, todas de reconocido prestigio y populares en el mundo entero pero, antes de morir, decidió llevar a cabo el proyecto más: bello, empático y solidario que jamás ha realizado un músico.

CASA VERDI se inauguró en 1902 un año después de la muerte de VERDI (a los 87 años) negándose siempre a recibir agradecimientos por su idea.

En las antiguas afueras de Milán se encuentra la casa de la foto cuyo único objetivo según su mentor era: ofrecer acogida como residencia de mayores a cuantos músicos se encuentren en situación de soledad o abandono.

El proyecto, totalmente independiente de cualquier administración estatal o regional, se nutre económicamente de los derechos de autor de VERDI, de las donaciones que recibe y de las mensualidades que abonan los residentes de conformidad con sus capacidades.

En CASA VERDI, a pesar de los años de sus moradores, la música sigue siendo la reina de su actividad social, diariamente ocurren conciertos, ensayos, conferencias, coloquios, etc., todo en perfecta armonía con la profesión de sus habitantes.

Últimamente para redondear la finalidad social del proyecto y favorecer la convivencia entre generaciones, se acordó dar permanencia como becarios a 15 jóvenes talentos europeos que compaginan sus estudios musicales conviviendo en CASA VERDI con los que pudieran ser sus abuelos.

Por su arte y por esta su obra por excelencia, su cortejo fúnebre en 1901 fue el más multitudinario que haya conocido Italia y a su paso, las gentes del pueblo entonaban su VA PENSIERO, como todos sabemos famoso coro de su ópera NABUCCO.

Arrivederci caro VERDI!

José Manuel Macias Romero

Primavera 2019.