Autor: desdeelrincondefarkas

«La música significa cosas distintas para diversas personas.»   (Barenboim)

A sus 75 años, consolidado como de alto nivel casi todo lo que en música se propuso, DANIEL BARENBOIM (15.11.1942) se ha embarcado al parecer en estos últimos tiempos en la interesante tarea de educar a los públicos que lo necesitan en el arte de oír música.

Desde el 13 de noviembre de 2014, se encuentra colgado en Youtube un vídeo de tan sólo seis minutos de duración titulado: Cómo escuchar música en el que el maestro sugiere al público unas excelentes recomendaciones a la hora de escuchar música de forma consciente y con el fin de disfrutar más plenamente de este arte.

Pero aquí, no acaba su travesía pedagógica para educar a los diferentes públicos. Ahora Barenboim con la madurez de los años, si preciso fuera, detiene un concierto en directo para dirigirse al público y formularle ciertas precisiones en lo relativo al respeto que debe guardarse tanto hacia el artista como al vecino de butaca.

Lo ocurrido en el Palau de la Música (Barcelona) el pasado 11 de enero en esa dirección va.

El maestro, esta vez en su versión de pianista, ofrecía un recital y en principio sugirió que alguien responsable del personal de la sala se dirigiera a los presentes para rogarles que pusieran el máximo esmero en no molestar con las toses o con los móviles; así se hizo segundos antes de que el artista apareciera en escenario.

Minutos después del comienzo de la primera pieza del programa las toses comenzaban a sonar más aún que las notas del piano, Barenboim, aprovechando la finalización de un movimiento se levantó abandonando el teclado y sin decir palabra al público se dirigió de manera gestual sacando su pañuelo del bolsillo y poniéndoselo en la boca simulando toser con el mínimo estruendo posible, lo que musicalmente pudiéramos llamar una tos en pianísimo.

Reanudó el concierto y pasados unos minutos las toses volvieron a la carga abandonado el respetuoso silencio para la mejor concentración posible de todos incluido el artista.

Barenboim, entonces volvió a levantarse y esta vez si habló para indicarles que se marchaba al camerino hasta que dejaran de molestar. Y así consiguió que en adelante y hasta la finalización del recital no se escuchara ni una mosca en la bella sala.

Lamentable, que demos lugar a estas escenas en espectáculos que nos cuestan una considerable cantidad de dinero acudiendo, además, voluntariamente y por ello me pregunto: para qué sirve la empatía?, sólo para que figure en nuestro diccionario?.

Este gran artista, cargado de experiencias y éxitos profesionales, puede que sea un riguroso perfeccionista con desmesurado interés por su profesión por ello, puede que en ocasiones y en el trato con sus subordinados resulte un poco áspero, olvidando en ocasiones que no todos sus colaboradores ponen el mismo ardor y pasión que las que él emplea; personalmente, yo, le perdonaría esas posibles asperezas teniendo en cuenta la excelencia de su trabajo y su entrega al público.

José Manuel Macias Romero

14.01.2018.

«La primera obligación de todo músico, si de verdad lo es, debe ser respetar la obra del creador».

(Anónimo)

En 1845 PROSPER MÉRIMÉE (28.09.1803-23.09.1870) escritor francés, atraído por su afición a todo lo español publica su novela CARMEN; el compositor GEORGES BIZET, también francés, basándose en el texto de la aludida novela estrena el 3 de marzo de 1875 en la Ópera Cómica de Paris su versión operística de CARMEN. El estreno operístico  cosechó un rotundo fracaso cuestión no ajena a lo ocurrido con compositores anteriores a BIZET al estrenar obras sinfónicas u operas.

La trama, popularmente conocida, se desarrolla en SEVILLA (ciudad que a mi juicio, gozando del privilegio de ser la número uno en ambientaciones operísticas de compositores diversos, desaprovecha insistentemente este enorme reclamo) durante el siglo XIX; cuenta la historia de una gitana (CARMEN) que se ganaba el pan trabajando en la fábrica de tabaco sevillana y que era muy activa en el arte de la seducción amorosa.

Desde hace años y para lamentable desconocimiento de BIZET, el éxito popular de esta ópera es incuestionable: el cine ha realizado ya más de 25 versiones en películas que yo sepa, la última en 3D del director Julian Napier.

Recientemente, 7 enero 2018 y en el Maggio Musicale Fiorentino (emblema de la cultura musical italiana), se ha producido un hecho insólito al final de la representación de CARMEN:

En el último acto, final de la ópera, Don José, preso de los celos acaba con la vida de la cigarrera en cambio aquella noche del 7 de enero y en la culta Florencia, sus aficionados a la ópera asistían a la muerte de Don José ocasionada por un disparo de Carmen.

Los responsables de lo que yo, personalmente, califico de atentado literario-musical: Ryan McAdams, Leo Muscato y Andrea Belli (directores musicales y de escena en esta ocasión) están en boca de todos los aficionados del mundo por faltar al respeto alterando la historia de Mérimée y Bizet.

Aducen a su favor una llamada de atención sobre los excesos en Italia de la violencia machista que se cobra vidas diariamente.

Me parecen loables las denuncias de injusticias y más aún cuando se cobran vidas humanas inocentes o no pero tengo la seguridad también de que hay otros caminos para ello usando incluso la concurrencia que pueda producirse en la representación de una ópera muy popular como CARMEN.

El morbo ocasionado por el desafortunado atentado literario-musical ha tenido repercusión positiva en la venta de localidades para sucesivas funciones habiéndose agotado todo el papel en las seis restantes.

Y, es que FLORENCIA desde hace siglos casi siempre sorprende…

(G. BIZET)                                                                                       (P. MÉRIMÉE)

José Manuel Macias Romero

11 Enero 2018

Recientemente, un vecino de mi pueblo, conocedor de mis intereses musicales, tuvo el detalle de invitarme a conocer su tesoro más preciado.

En una espaciosa habitación de su casa, había ubicado un museo de aparatos receptores y transmisores de sonidos. El amable coleccionista, disponía en sus estanterías de una gran diversidad de radios, transistores, tocadiscos, etc., algunos de ellos contemporáneos de Hitler pero, a mi juicio, la gran joya de su extensa colección la ostentaba  un magnífico  fonógrafo de cilindro (grabador – reproductor ) que en mi presencia puso en funcionamiento su titular dejándome perplejo.

Le pedí autorización para fotografiar la histórica pieza y aquí os la presento

Este nuevo aparato, que revolucionó el mundo de la música y que nos legó en 1877 Don Thomas Alva Edison, como todo nuevo avance de la técnica cuando se dio a conocer, suscitó grandes recelos y en este contexto el compositor Arthur Sullivan, autor de varias operetas inglesas, después de asistir a una sesión en la que se demostraba el funcionamiento del fonógrafo, envió la siguiente misiva a Don Thomas:

«Querido Mr. Edison

Hablando en términos personales, sólo puedo decirle que estoy sorprendido y un tanto aterrorizado como resultado del experimento de esta noche pasada. Sorprendido ante la forma maravillosa en que Usted lo ha desarrollado, y aterrorizado al pensar ¡cuánta música horrenda y mala se grabará en discos y se conservará para siempre!.»»

Puede que a Arthur no le faltara razón pero omitió mencionar la cantidad de buena música que gracias al fonógrafo y posteriormente a sus sucedáneos DVDS, etc., quedó registrada para siempre.

Son los riesgos del progreso, consustanciales con sus propias contradicciones, ¡cada cual que tome el lado que le interese!, yo, desde luego, me quedo con su aspecto positivo: mostrarnos la buena música.

Otoño 2017.

Posiblemente, en el siglo XVIII pocas personas ejercerían tanta variedad de profesiones como lo hizo ANTONIO VIVALDI (Venecia 1678-Viena 1741).

Vivaldi, heredó de su padre Giovanni Battista el color de su pelo (rojo) y sus dotes musicales.

Giovanni, siguiendo la tónica de la época y con el fin de asegurar a su hijo un futuro de bienestar económico, le hizo ingresar a su pesar y a la edad de 15 años en un seminario en el que recibió sus primeras órdenes religiosas.

Este gesto del padre, me recuerda esta misma práctica en el siglo XX (años cincuenta) en mi pueblo: algunos padres, con los mismos fines que lo hizo Giovanni, enviaban a sus hijos al seminario aunque no fuese precisamente el sacerdocio su vocación preferida.

En 1703, a los 25 años de edad, fue ordenado sacerdote y cuentan los historiadores que en más de una ocasión dejó plantados a los feligreses en la iglesia para ir a la sacristía y anotar un tema musical que se le había venido a la cabeza, cuando lo creía oportuno volvía a la celebración pero muchos, cansados de esperarlo, se habían marchado. Apoyado por la excusa de una enfermedad (se supone que asma) fue abandonando el ejercicio como religioso en pro de lo musical y de sus relaciones con las mujeres, aficiones éstas en las que se sentía más realizado.

Y así, Antonio Vivaldi se convirtió con el tiempo y mucho trabajo en un excelente compositor, intérprete del violín, pedagogo, maestro de capilla y hasta empresario de teatro poniendo en escena en la Venecia de la época una importante cantidad de óperas en su mayoría compuestas por el mismo.

Tras su fallecimiento, después de muchos años de ausencia en las más importantes salas de conciertos, en los años sesenta del pasado siglo XX, nuevamente se puso de moda su obra en toda Europa conociendo un éxito sin precedentes que en los tiempos actuales vuelve a renovarse gracias a las voces de la mezzo italiana Cecilia Bartoli y del contratenor francés Philippe Jaurossky.

Merece por tanto este ilustre representante del barroco la dedicación en youtube de algún tiempo para conocer su música y disfrutar de ella si aún no lo has hecho.

Cecilia y Philippe, actualmente punteros valedores de la obra de Don Antonio Vivaldi.

Otoño 2017.

Recientemente, me ocupé de la extraordinaria empatía que en sus tiempos mantuvieron Haydn y Mozart. Hoy, sin embargo, pretendo mostrarles un caso totalmente opuesto, la mala sintonía que siempre tuvieron dos contemporáneos del romanticismo: Brahms (1833-1897) y Tchaikovsky (1840-1893). 

Aunque ambos nacieron un 7 de mayo, de distintos años, esto no les sirvió para que guardasen, el uno por el otro, el mínimo respeto o consideración personal.

En blanco y negro Brahms, en color Tchaikovsky.

El célebre Nikolas Slonimsky ( también llamado Doctor Gusano Musical), cuenta que en el diario de Tchaikovsky, en la entrada del 9 de octubre 1886 escribió …

«»He tocado la música de ese patán de Brahms. ¡No tiene nada de talento, el muy desgraciado! Me molesta que un mediocre ampuloso como él sea considerado un genio. Comparado con él, Raff es un gigante, por no hablar de Rubinstein, que al fin y al cabo es un ser humano vivo e importante, mientras que Brahms es una cosa caótica y completamente seca, vacía.»»

Casi todos los estudiosos de la historia de la música, coinciden en que ambos personajes nunca se llevaron bien pero de ahí a dejar a conciencia evidencias cercanas al insulto, me parece una barbaridad.

Otoño 2017.

A los 23 años, Robert Schumann (1810-1856) uno de los más ilustres representantes del Romanticismo musical, sufrió un cuadro depresivo de considerable magnitud.

Pero antes, había perdido el uso de uno de sus dedos de la mano a causa de haberse auto practicado una intervención quirúrgica con el fin de separarse los dedos medio y anular para mejorar el rendimiento de su técnica pianística. Y, el asunto fue tan grave que se vio obligado a abandonar la interpretación en el piano y dedicarse por entero a la composición musical, que dicho sea de paso, para una vida tan corta (46 años) fue muy cuantiosa.

Podría la depresión al principio citada ser una secuela de esta inoportuna intervención en sus dedos?.

Este breve apunte histórico, referido a este singular símbolo del Romanticismo musical, pone de manifiesto que ya, a mediados del siglo XIX, la técnica instrumental comenzaba a cobrarse víctimas iniciando una carrera sin fin hasta nuestros días.

Finalizo, en su Adagio expresivo (tercer movimiento) de su segunda sinfonía pueden encontrar una de las páginas más bellas y románticas de toda su música.

La foto en blanco y negro corresponde lógicamente a Robert Schumann.

Otoño 2017.

El 9 de marzo pero 120 años atrás, Gustav Mahler se presentaba en Berlín con su tercera sinfonía dispuesto además a dirigirla.

Consciente de su larga duración (aproximadamente 105 minutos) decidió interpretar solamente los movimientos 2º, 3º y 6º. Los silbidos de desagrados fueron mucho más poderosos que los aplausos y la prensa-crítica presente calificó de inmediato a Mahler de: «farsante» y «cómico musical». El movimiento final, personalmente para mí una de las páginas más bellas de la historia de la música, exasperó a los críticos que atacaron visceralmente a su creador-director.

Pero, cinco años más tarde, el 5 de junio de 1902 en la llamada ciudad de la seda (KREFELD) y en interpretación completa (seis movimientos) se ganó por completo a sus oyentes y este éxito supuso una nueva etapa en la vida y carrera del compositor; así comienza a hacerse realidad aquella, su famosa frase de: « mi tiempo llegará» que tantas veces pronunció en vida.

No obstante, seguiría cosechando sonados fracasos que contribuirían a que fuese cada vez más fuerte en su impulso creador hasta su muerte en 1911.

Os dejo con esta magnífica obra que podéis visualizar en youtube en versión de Claudio Abbado y la Orquesta del Festival de Lucerna. Especial atención a su último movimiento: ¡trascendental!

Otoño 2017.

Una energía aparentemente ilimitada, una fortaleza de espíritu desbordante y una brutal religiosidad, constituyen para mí rasgos esenciales de la personalidad de JUAN SEBASTIÁN BACH.

«En Lübeck, (norte de Alemania) ejercía Dietrich Buxtehude, el más insigne compositor e intérprete de órgano nacido en la Europa del Norte. Bach, solicitando su permiso laboral correspondiente, emprende una peregrinación a pié desde Arnstadt a Lübeck (aproximadamente 400 kilómetros) con el fin de conocer al maestro, oírle interpretar sus propias piezas y  ver el famoso órgano de la iglesia de Santa María de Lübeck; su estancia en la ciudad se prolongó más de la cuenta dado el ambiente musical tan idóneo; cuando volvió, lógicamente, se ganó una buena reprimenda de la autoridad que le tenía contratado.»

La presente anécdota además de cierta e histórica, es congruente con los rasgos personales que describo al principio?.

De su monumental obra compositiva, hoy me detengo en sus conciertos de Brandemburgo que Bach dedicó al marqués de la ciudad alemana como signo de agradecimiento.  Estos seis conciertos, son monumentos al virtuosismo de los intérpretes pero por encima de todo acreditan la suma excelencia de la composición una forma de componer que aunque estuvo algunos años en letargo, hoy sigue presente como en sus mejores tiempos.

Para disfrutar del post, os dejo con esta versión del concierto num. 2 que dirige Claudio Abbado e interpretan solistas de la Orquesta Mozart de Bolonia y que tuve el placer de asistir a su grabación en directo.

Otoño 2017.

La nana o canción de cuna, es una breve composición musical de ritmo suave y relajante para arrullar a un bebé con el fin de facilitarle el sueño. Creo no exagerar si digo que la nana es tan antigua como lo es la humanidad y en lo que tampoco tengo duda es en su carácter de universal. Pueden cambiar las entonaciones melódicas y sus letras pero su uso y su finalidad es y ha sido la misma en Europa que en Asia por citar un ejemplo.

Como es obvio, no puedo acordarme de haber sido benefactor de tan sedante composición musical con una enorme carga de improvisación, pero si he sido testigo directo muchas veces de su gran influencia sobre los humanos. Este bendito canto, que durante muchos años ha obrado milagros en pos de la relajación humana y la conciliación del sueño al compaginar: voz, canto y contacto humano, hace años que entró en decadencia como consecuencia de un modelo social nuevo en el que priman otros valores.

Así, las nanas de toda la vida, cantadas por padres o abuelos habilidosos, han sido sustituidas en esta ajetreada sociedad por productos de la industria farmacéutica o por productos de la industria del juguete que ensamblando música y luces intentan hacer sus funciones faltando siempre el calor humano que concede el contacto con el ser querido.

Se me podrá tildar de exagerado pero me parece que vamos a pagar caro en orden afectivo, el abandono de esta rica práctica musical en nuestras vidas.

Como práctica musical, puede que la nana esté en horas bajas en muchas sociedades pero también hay quienes se encargan de rescatarlas de este olvido para otorgarle su merecido reconocimiento y en esta tarea, Don Enrique Rueda, merece como podéis comprobar en el Adagio de este concierto para violonchelo y orquesta un lugar altamente destacado.

Otoño 2017.

El personaje del que me ocupo hoy, Haendel (1685-1759) es más que conocido mundialmente. Hay alguien que no haya iniciado alguna vez el canturreo de su famosísimo Aleluya de su gran oratorio El Mesias? O, alguien que no haya escuchado sus compases de su música acuática?

Pero, Haendel fue más que un excelente compositor de oratorios, óperas barrocas, etc., que siguen ofreciéndose en salas de conciertos y teatros con notable éxito. El dominaba con una excelencia arrolladora varios instrumentos de teclado, destacando sobre manera en el órgano a cuyo efecto os narro la siguiente anécdota:

«»En una ocasión ,Haendel, asistía al oficio religioso en una iglesia rural. Cuando se acercaba el fin de la ceremonia, le rogó al párroco que le dejara tocar el órgano mientras los fieles salían del templo, a lo que éste, naturalmente, accedió gustoso. Pero lo feligreses, al escuchar a un organista tan excepcional, en lugar de abandonar el templo, se volvieron a instalar en sus asientos, con gran desesperación del párroco, que al parecer tenía la comida esperándole en casa.

Finalmente, el hombre no se pudo contener y dirigiéndose a Haendel le dijo que no podía tocar más porque si seguía nadie saldría jamás de la iglesia.»»

Acredita o no, esta verídica historia su fama como organista?

Otoño 2017.