Autor: desdeelrincondefarkas

Posiblemente, en el siglo XVIII pocas personas ejercerían tanta variedad de profesiones como lo hizo ANTONIO VIVALDI (Venecia 1678-Viena 1741).

Vivaldi, heredó de su padre Giovanni Battista el color de su pelo (rojo) y sus dotes musicales.

Giovanni, siguiendo la tónica de la época y con el fin de asegurar a su hijo un futuro de bienestar económico, le hizo ingresar a su pesar y a la edad de 15 años en un seminario en el que recibió sus primeras órdenes religiosas.

Este gesto del padre, me recuerda esta misma práctica en el siglo XX (años cincuenta) en mi pueblo: algunos padres, con los mismos fines que lo hizo Giovanni, enviaban a sus hijos al seminario aunque no fuese precisamente el sacerdocio su vocación preferida.

En 1703, a los 25 años de edad, fue ordenado sacerdote y cuentan los historiadores que en más de una ocasión dejó plantados a los feligreses en la iglesia para ir a la sacristía y anotar un tema musical que se le había venido a la cabeza, cuando lo creía oportuno volvía a la celebración pero muchos, cansados de esperarlo, se habían marchado. Apoyado por la excusa de una enfermedad (se supone que asma) fue abandonando el ejercicio como religioso en pro de lo musical y de sus relaciones con las mujeres, aficiones éstas en las que se sentía más realizado.

Y así, Antonio Vivaldi se convirtió con el tiempo y mucho trabajo en un excelente compositor, intérprete del violín, pedagogo, maestro de capilla y hasta empresario de teatro poniendo en escena en la Venecia de la época una importante cantidad de óperas en su mayoría compuestas por el mismo.

Tras su fallecimiento, después de muchos años de ausencia en las más importantes salas de conciertos, en los años sesenta del pasado siglo XX, nuevamente se puso de moda su obra en toda Europa conociendo un éxito sin precedentes que en los tiempos actuales vuelve a renovarse gracias a las voces de la mezzo italiana Cecilia Bartoli y del contratenor francés Philippe Jaurossky.

Merece por tanto este ilustre representante del barroco la dedicación en youtube de algún tiempo para conocer su música y disfrutar de ella si aún no lo has hecho.

Cecilia y Philippe, actualmente punteros valedores de la obra de Don Antonio Vivaldi.

Otoño 2017.

Recientemente, me ocupé de la extraordinaria empatía que en sus tiempos mantuvieron Haydn y Mozart. Hoy, sin embargo, pretendo mostrarles un caso totalmente opuesto, la mala sintonía que siempre tuvieron dos contemporáneos del romanticismo: Brahms (1833-1897) y Tchaikovsky (1840-1893). 

Aunque ambos nacieron un 7 de mayo, de distintos años, esto no les sirvió para que guardasen, el uno por el otro, el mínimo respeto o consideración personal.

En blanco y negro Brahms, en color Tchaikovsky.

El célebre Nikolas Slonimsky ( también llamado Doctor Gusano Musical), cuenta que en el diario de Tchaikovsky, en la entrada del 9 de octubre 1886 escribió …

«»He tocado la música de ese patán de Brahms. ¡No tiene nada de talento, el muy desgraciado! Me molesta que un mediocre ampuloso como él sea considerado un genio. Comparado con él, Raff es un gigante, por no hablar de Rubinstein, que al fin y al cabo es un ser humano vivo e importante, mientras que Brahms es una cosa caótica y completamente seca, vacía.»»

Casi todos los estudiosos de la historia de la música, coinciden en que ambos personajes nunca se llevaron bien pero de ahí a dejar a conciencia evidencias cercanas al insulto, me parece una barbaridad.

Otoño 2017.

A los 23 años, Robert Schumann (1810-1856) uno de los más ilustres representantes del Romanticismo musical, sufrió un cuadro depresivo de considerable magnitud.

Pero antes, había perdido el uso de uno de sus dedos de la mano a causa de haberse auto practicado una intervención quirúrgica con el fin de separarse los dedos medio y anular para mejorar el rendimiento de su técnica pianística. Y, el asunto fue tan grave que se vio obligado a abandonar la interpretación en el piano y dedicarse por entero a la composición musical, que dicho sea de paso, para una vida tan corta (46 años) fue muy cuantiosa.

Podría la depresión al principio citada ser una secuela de esta inoportuna intervención en sus dedos?.

Este breve apunte histórico, referido a este singular símbolo del Romanticismo musical, pone de manifiesto que ya, a mediados del siglo XIX, la técnica instrumental comenzaba a cobrarse víctimas iniciando una carrera sin fin hasta nuestros días.

Finalizo, en su Adagio expresivo (tercer movimiento) de su segunda sinfonía pueden encontrar una de las páginas más bellas y románticas de toda su música.

La foto en blanco y negro corresponde lógicamente a Robert Schumann.

Otoño 2017.

El 9 de marzo pero 120 años atrás, Gustav Mahler se presentaba en Berlín con su tercera sinfonía dispuesto además a dirigirla.

Consciente de su larga duración (aproximadamente 105 minutos) decidió interpretar solamente los movimientos 2º, 3º y 6º. Los silbidos de desagrados fueron mucho más poderosos que los aplausos y la prensa-crítica presente calificó de inmediato a Mahler de: «farsante» y «cómico musical». El movimiento final, personalmente para mí una de las páginas más bellas de la historia de la música, exasperó a los críticos que atacaron visceralmente a su creador-director.

Pero, cinco años más tarde, el 5 de junio de 1902 en la llamada ciudad de la seda (KREFELD) y en interpretación completa (seis movimientos) se ganó por completo a sus oyentes y este éxito supuso una nueva etapa en la vida y carrera del compositor; así comienza a hacerse realidad aquella, su famosa frase de: « mi tiempo llegará» que tantas veces pronunció en vida.

No obstante, seguiría cosechando sonados fracasos que contribuirían a que fuese cada vez más fuerte en su impulso creador hasta su muerte en 1911.

Os dejo con esta magnífica obra que podéis visualizar en youtube en versión de Claudio Abbado y la Orquesta del Festival de Lucerna. Especial atención a su último movimiento: ¡trascendental!

Otoño 2017.

Una energía aparentemente ilimitada, una fortaleza de espíritu desbordante y una brutal religiosidad, constituyen para mí rasgos esenciales de la personalidad de JUAN SEBASTIÁN BACH.

«En Lübeck, (norte de Alemania) ejercía Dietrich Buxtehude, el más insigne compositor e intérprete de órgano nacido en la Europa del Norte. Bach, solicitando su permiso laboral correspondiente, emprende una peregrinación a pié desde Arnstadt a Lübeck (aproximadamente 400 kilómetros) con el fin de conocer al maestro, oírle interpretar sus propias piezas y  ver el famoso órgano de la iglesia de Santa María de Lübeck; su estancia en la ciudad se prolongó más de la cuenta dado el ambiente musical tan idóneo; cuando volvió, lógicamente, se ganó una buena reprimenda de la autoridad que le tenía contratado.»

La presente anécdota además de cierta e histórica, es congruente con los rasgos personales que describo al principio?.

De su monumental obra compositiva, hoy me detengo en sus conciertos de Brandemburgo que Bach dedicó al marqués de la ciudad alemana como signo de agradecimiento.  Estos seis conciertos, son monumentos al virtuosismo de los intérpretes pero por encima de todo acreditan la suma excelencia de la composición una forma de componer que aunque estuvo algunos años en letargo, hoy sigue presente como en sus mejores tiempos.

Para disfrutar del post, os dejo con esta versión del concierto num. 2 que dirige Claudio Abbado e interpretan solistas de la Orquesta Mozart de Bolonia y que tuve el placer de asistir a su grabación en directo.

Otoño 2017.

La nana o canción de cuna, es una breve composición musical de ritmo suave y relajante para arrullar a un bebé con el fin de facilitarle el sueño. Creo no exagerar si digo que la nana es tan antigua como lo es la humanidad y en lo que tampoco tengo duda es en su carácter de universal. Pueden cambiar las entonaciones melódicas y sus letras pero su uso y su finalidad es y ha sido la misma en Europa que en Asia por citar un ejemplo.

Como es obvio, no puedo acordarme de haber sido benefactor de tan sedante composición musical con una enorme carga de improvisación, pero si he sido testigo directo muchas veces de su gran influencia sobre los humanos. Este bendito canto, que durante muchos años ha obrado milagros en pos de la relajación humana y la conciliación del sueño al compaginar: voz, canto y contacto humano, hace años que entró en decadencia como consecuencia de un modelo social nuevo en el que priman otros valores.

Así, las nanas de toda la vida, cantadas por padres o abuelos habilidosos, han sido sustituidas en esta ajetreada sociedad por productos de la industria farmacéutica o por productos de la industria del juguete que ensamblando música y luces intentan hacer sus funciones faltando siempre el calor humano que concede el contacto con el ser querido.

Se me podrá tildar de exagerado pero me parece que vamos a pagar caro en orden afectivo, el abandono de esta rica práctica musical en nuestras vidas.

Como práctica musical, puede que la nana esté en horas bajas en muchas sociedades pero también hay quienes se encargan de rescatarlas de este olvido para otorgarle su merecido reconocimiento y en esta tarea, Don Enrique Rueda, merece como podéis comprobar en el Adagio de este concierto para violonchelo y orquesta un lugar altamente destacado.

Otoño 2017.

El personaje del que me ocupo hoy, Haendel (1685-1759) es más que conocido mundialmente. Hay alguien que no haya iniciado alguna vez el canturreo de su famosísimo Aleluya de su gran oratorio El Mesias? O, alguien que no haya escuchado sus compases de su música acuática?

Pero, Haendel fue más que un excelente compositor de oratorios, óperas barrocas, etc., que siguen ofreciéndose en salas de conciertos y teatros con notable éxito. El dominaba con una excelencia arrolladora varios instrumentos de teclado, destacando sobre manera en el órgano a cuyo efecto os narro la siguiente anécdota:

«»En una ocasión ,Haendel, asistía al oficio religioso en una iglesia rural. Cuando se acercaba el fin de la ceremonia, le rogó al párroco que le dejara tocar el órgano mientras los fieles salían del templo, a lo que éste, naturalmente, accedió gustoso. Pero lo feligreses, al escuchar a un organista tan excepcional, en lugar de abandonar el templo, se volvieron a instalar en sus asientos, con gran desesperación del párroco, que al parecer tenía la comida esperándole en casa.

Finalmente, el hombre no se pudo contener y dirigiéndose a Haendel le dijo que no podía tocar más porque si seguía nadie saldría jamás de la iglesia.»»

Acredita o no, esta verídica historia su fama como organista?

Otoño 2017.

Parece ser que durante todo el siglo XIX así como primeras decenas del XX, la crítica musical alcanzó, históricamente, los más grandes niveles de beligerancia contra los compositores de música. Ese desmedido afán de atacar a estos artistas traspasó incluso la frontera de lo profesional para adentrarse en el ataque visceral al compositor como persona, haciéndose menciones en los periódicos a los defectos físicos que pudieran tener en sus cuerpos aquellos que se dedicaban a la creación musical.

Hoy, podemos celebrar la superación de estos acontecimientos que denotan, además de una gran deficiencia cultural, un gran miedo a lo desconocido, no obstante, como muestra de una evidencia gratamente superada, os traigo la ingeniosa y humorística respuesta que el compositor MAX REGER (1873-1916) dispensó por escrito al crítico de la  época Rudolf Louis:

Escribió REGER: «Estoy sentado en el cuarto más pequeño de mi casa. Tengo su crítica delante de mí. Dentro de un momento estará detrás de mí.»

Os dejo con una instantánea de MAX REGER al tiempo que sugiero a los que quieran conocer su música que entren en youtube y escuchen sus Variaciones y Fuga sobre un tema de la sonata K 331 de Mozart interpretada por la Filarmónica de Berlín con Karl Böhm en la dirección.

Otoño 2017.

Mi estimado Franz J. Haydn hoy vengo a recordarte donde sea que te encuentres, lo que dijiste o escribiste en tu querida Viena allá por septiembre de 1802:

«»Con frecuencia, cuando luchaba contra los obstáculos de toda índole que se me ponían en el camino, una voz me susurraba en mi interior: Aquí abajo hay tan pocos hombres felices y contentos, a quienes las preocupaciones y las tristezas les acosan, que quizá tu obra pueda ser algún día una fuente a la que ellos acudan llenos de angustias y penas para encontrar refresco y descanso. Esto era para mí un aliciente que me incitaba a perseverar; y ahora es también para mí una profunda satisfacción cuando miro hacia tras y veo lo realizado en mi arte durante muchos años a través de un esfuerzo constante.»»

Si esto pensabas hace más de doscientos años qué no podrías decir hoy cuando en las salas de cirugía de los hospitales más importantes del mundo se usa la música como alternativa natural a la anestesia?. Cuando la música, cada vez más, es una gran aliada para ayudar a las enfermedades mentales?. Cuando la música gana cada vez más terreno  en las técnicas de aprendizaje y cognición?

Siempre se supo, amigo Haydn, que con la ayuda de tu pertinaz trabajo te convertiste en una adelantado a tu época y por ello, hoy, te dedico este breve homenaje.

Otoño 2017.

Haydn y Mozart fueron dos genios de la composición musical que empatizaron a la perfección. Haydn, se deshacía en elogios ante el talento que cuando juntos estaban,derrochaba el joven Mozart.

Esto, que puede ser una obviedad, en el mundo del arte no lo es porque es más bien un terreno abonado para las rencillas y los celos profesionales; pocos casos se dan como el de la admiración mutua de esta talentosa pareja de músicos.

Y, ahora la historia en forma de simpática anécdota que nos cuenta Nicolás Slonimsky ( a quien pusieron el sobrenombre de Doctor Gusano Musical):

Mozart desafía a Haydn para que interpretase de corrido una pieza que acababa de componer.

Haydn se sentó al piano con una sonrisa de paternal suficiencia, inició la ejecución de la partitura y, de pronto, se paró abruptamente. La partitura  mostraba una nota que correspondía al centro del teclado, mientras la mano derecha debía tocar un triple agudo y la mano izquierda un bajo profundo.

¡ Nadie puede tocar esto con sólo dos manos ! exclamó Haydn levantándose.

Yo puedo ( dijo Mozart tan tranquilo ) es muy fácil.

Se sentó frente al teclado y repitió la ejecución de la pieza. Al llegar al momento conflictivo, se inclinó rápidamente y tocó la nota central con la nariz.

-Es verdad, resulta fácil- admitió Haydn, si se tiene una nariz como la tuya.

Me gusta repetirlo, «hay genios y genios totales»  Mozart era TOTAL.

Otoño 2017.